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Todo aquel con interés en la fotografía publicitaria y una cuenta de Instagram sabe quién es Sarah Bahbah mucho antes de su presentación ante el gran público de la mano de Gucci. Su cuenta en Instagram llegó a ser una de las más seguidas y el estilo visual de sus fotografías inspiró filtros para la aplicación.

Su cuenta ya no está activa, pero desde 2015 sus fotografías han sido expuestas en galerías por todo el mundo. Suele trabajar en formato de series que narran historias. En ellas combina sexo, comida, diversas parafilias y un elemento que se ha convertido en su sello: el uso de subtítulos en las imágenes. Algunas series muestran incluso diálogos entre los personajes. Casi como si se tratara de memes.

Un estilo osado

La irreverencia ha sido otra de sus marcas características. Su serie Sex and Takeout (2015) es una visión voyerista del placer a través de la comida. Fuck Me, Fuck You (2018), su primera exposición individual, exploró sin pudor el empoderamiento femenino a través del sexo y la autocomplacencia. Splash (2018) se centró en el amor y la madurez, con un aura de indolencia existencial. Como si sus musas no lograran encontrar ninguna emoción en la vida.

En sus fotos el mensaje puede ser sutil, pero visualmente son un grito. Colores que contrastan, saturación y una puesta en escena entre divertida y decadente.

Con esta misma belleza atrevida y ese estilo visual saturado, Bahbah plasmó uno de los aspectos más duros de su vida. En la serie I Could Not Protect Her (2018) expresó las implicaciones emocionales que tuvo en ella ser víctima de abuso infantil. Durante muchos años lidió con la ansiedad, ataques de pánico y depresión, hasta que el arte se le reveló como un medio a través del cual sanar heridas.

Como dijo en una entrevista para Teen Vogue:

Mi única intención en mi trabajo y en mi ser es practicar la transparencia de mis emociones, y expresar, expresar, expresar, como durante tanto tiempo no tuve voz. A través de mi arte, estoy creando un espacio seguro de expresión para mí y, al hacerlo, espero empoderar a otros para que hagan lo mismo.

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Descubre más sobre esta mujer inspiradora. 

· Fotos: Paola Zingg · Makeup: Isabella Rubartelli · Estilismo: Carolina Omaña · ShowRoom: Koa Press ·

QMode: ¿Cuándo descubriste que querías dedicarte al arte? 

Galit Garzón: Todo empezó por un proyecto universitario. Para ser totalmente honesta estaba estudiando artes visuales sin “ningún motivo”, no sabía que quería hacer con mi vida… Todo sucedió a la hora en que empecé a jugar con una cámara, y tomarle fotos a mis cercanos. Me di cuenta que me enamoré de la idea de indagar dentro del ser humano y sus comportamientos. De hecho, mi primera colección se llama ‘El lienzo humano’, y en ella pinto sobre la piel de las personas de acuerdo a la esencia que me transmiten, y seguidamente las capturo de la manera más genuina posible. 

Tras este proyecto me di cuenta que las personas querían ser parte de esto, muchos conectan emocionalmente con este experimento y ahí fue el “¡un momento!”, me di cuenta de lo poderosos que somos cuando creamos desde nuestro verdadero ser; y fue ahí que dije, «Galit, hagamos algo con esto.” Mi propósito como artista es conectarme conmigo misma, con los demás y ser un granito de arena que eleve a la sociedad. 

QM: ¿En qué te inspiras para hacer tus obras? 

GG: Me inspiro en tantas cosas… Una de las principales es mi hambre por entender lo que está sucediendo dentro de nosotros, lo que me lleva a leer e informarme, conocer personas nuevas, experiencias del día a día, preguntas existenciales como: cuál es mi rol en esta vida? ¿Cómo puedo ser auténtica en este mundo? Mis obras nacen de lo más profundo de mi deseo por querer conectar con la sociedad. Observo lo que está sucediendo alrededor, y me pregunto: “¿qué está pasando por la mente de los demás?” “¿cuál es mi próximo movimiento para que más y más personas conecten con lo que hago?” En fin… Me inspira el todo y la nada. 

QM: ¿Cómo es tu proceso creativo? 

GG: Esta es una pregunta sumamente abstracta para lo que hago, ya que me defino como una artista universal e indefinida. Lo que puedo decir es que experimento con lo que se me vaya cruzando, como la fotografía, pintura, escultura, dibujo, materiales mixtos, arte digital y todo lo que me lleve a evolucionar. 

No tengo un proceso creativo concreto, busco siempre alterar el procedimiento. Siempre y cuando haga lo que me acelera el corazón y me emociona es ahí cuando sé que empieza mi proceso creativo. No solo hacer arte es un proceso creativo, trato de buscar esta experiencia en todos los campos de mi vida, desde mi rutina, mi práctica de yoga, mi manera de comunicarse… TODOS ESTAMOS EN UN PROCESO CREATIVO CONTINUO. Solo, hay que prestar atención. 

QM: ¿Qué materiales utilizas más? ¿Por qué? 

GG: Me di cuenta que los materiales que utilizo embarcan por etapas de mi vida. Empecé pintando sobre el cuerpo humano y capturando esta experiencia con fotografía. Luego sabia que habian mas cosas para mí, y empecé a conectar con mi escritura, la geometría sagrada y la mezcla de mis fotos con imágenes de personas icónicas del pasado. Luego seguí indagando con el tema de la geometría y mi más reciente colección que fue durante la cuarentena, arte abstracto digital. Viendo atrás, puedo decir que todo este trayecto artístico que llevo, bien diverso y divertido, me hizo darme cuenta que todo lo que hago apunta a una sola cosa: LA ENERGÍA. 

QM: ¿En qué estás trabajando en este momento? 

GG: Durante el confinamiento no podía ir a mi estudio a pintar y seguir con mis proyectos por lo que me tocó quedarme en casa con mis pensamientos. Tuve un reencuentro conmigo misma que no había experimentado antes por todas las distracciones de vivir el día a día. Y me encontraba preguntándome: ¿Y ahora qué?. Tras una larga introspección y mucha energía acumulada empecé a crear una serie digital de figuras geométricas y abstractas y muy coloridas. Al principio no sabía para qué era, pero lo que sí estaba segura es que me hacía sentir en paz… Soy una persona que no analizo antes de crear, mi proceso creativo fluye sin ninguna estructura. Luego de haber creado unas piezas y publicarlas sin ninguna expectativa, las personas empezaron a reaccionar de una manera muy inesperada y sumamente increíble. Ahí me di cuenta lo fuerte que puede ser una intención y la energía que lleva esta cuando nuestras emociones están involucradas. Esta colección se llama “Sinergia Humana” habla de nuestro genuino ser, nuestros comportamientos, el misterio del inconsciente y la manera en cómo proyectarnos a este nuevo mundo al que nos enfrentamos. ¿Qué pasaría si todos nuestros procesos internos se pudieran ver?, ¿de qué color serían? ¿qué forma tienen?. En esta serie muestro mi perspectiva del psique del ser humano. 

QM: ¿Dónde podemos ver tu trabajo? (online o live) 

GG: En este momento estoy construyendo mi página web y estará muy pronto en linea (para futuro www.galitgarzon.com). Ahora pueden encontrar la mayoría de mi trabajo y procesos creativos en mi Instagram: @galitgarzon . También me pueden contactar en info@galitgarzon.com 

QM: Tres artistas que debemos Googlear ¡Ya! 

GG: Daniel Arsham. Artista minimalista y visionario. Ivana Gautier. Íntima amiga mía, un prodigio en el hiperrealismo. Leonardo. Lo pueden encontrar en Instagram como @leo_nar_do_paints. Un niño de tan solo 6 años que está arrasando en el mundo del arte. 

QM: ¿Qué le dirías a tu YO del pasado? 

Galit Garzón: Paciencia y fe Galit. Ama y cree en lo que haces, ten la certeza que todo lo que estás creando tiene un propósito, y por algo haces lo que haces. Sé genuina, no dejes que nadie ni nada te quite tu autenticidad. Todo lo que te sucede es un aprendizaje, así que sigue creyendo en ti. La verdadera belleza está en la conexión con el todo, no te limites y confía en tu propósito.

QM: ¿Es el arte feminista? 

Galit Garzón: El arte está regido por la energía femenina y ejecutado por la masculina. Necesitamos de ambas para crear lo que sentimos. La energía femenina es sensible, creativa y receptiva; y la masculina representa la fuerza, dedicación y persistencia. Necesitamos la una y la otra para crear armónicamente. 

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El nacimiento de Venus, de Sandro Botticelli

En La nascita di Venere vemos a Venus, diosa romana del amor y la belleza, llegando a la isla de Chipre arrastrada por los suaves vientos del dios Céfiro. Llega sobre una concha, pues la diosa ha nacido de la espuma del mar. Se cree que Botticelli pintó este cuadro entre 1482 y 1485 a petición de Lorenzo Pierfrancesco de Médicis. El clan Médicis fue, en efecto, uno de los mecenas más importantes del Renacimiento. El lienzo mide aproximadamente 1,80 metros de alto y 2,75 metros de largo. Está expuesto en Le Gallerie degli Uffizi en Florencia, Italia.

Retratro de Lisa Gherardini (Mona Lisa), de Leonardo da Vinci

Se cree que la protagonista de la pintura más famosa de da Vinci –y probablemente el más famoso de los cuadros famosos de mujeres- es Lisa Gherardini, esposa de un comerciante de telas florentino llamado Francesco del Giocondo. Da Vinci comenzó la pintura alrededor de 1503 y, por razones desconocidas, en vez de dársela a quien la había encargado una vez terminada, decidió llevársela a Francia. Actualmente está expuesta en el Museo del Louvre.

Retrato de Adele Bloch-Bauer, de Gustav Klimt

Klimt recibió el encargo de pintar a Adele Bloch-Bauer de su marido, el banquero austriaco Ferdinand Bloch-Bauer. Le tomó cuatro años completarlo. Tras la invasión Nazi de Austria, la familia Bloch-Bauer, judía, abandonó el país dejando gran parte de su patrimonio, incluido el cuadro, que fue robado por los Nazis en 1941. Permaneció en la Galería Belvedere, en Viena, hasta que los herederos de Bloch-Bauer lo recuperaron y vendieron a la Neue Galerie, en Nueva York.

Autorretrato con collar de espinas, de Frida Kahlo

Las pinturas de Frida Kahlo han sido objeto de innumerables y muy variadas interpretaciones. Este autorretrato no es la excepción. Fue pintado en 1940 y pertenece a la colección del Harry Ransom Center de la Universidad de Texas en Austin. La mayoría de las interpretaciones señalan que todos los elementos que rodean a la autora simbolizan el dolor emocional por el fin de su romance con el fotógrafo húngaro Nickolas Muray y el divorcio de Diego Rivera.

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Wikipedia define las artes visuales como: “Aquellas que engloban las artes plásticas tradicionales (…) así como las expresiones que incorporan nueva tecnología orientada al arte o elementos no convencionales”

No es secreto para nadie que las nuevas generaciones están utilizando las redes sociales -con los dispositivos como materia prima- para crear piezas únicas que definitivamente serán el fiel reflejo de una época.

Con el movimiento de #BlackLivesMatter las redes se han llenado de contenido en pro de la comunidad y muchas artistas han logrado ganar relevancia dentro de este ecosistema artístico y tecnológico.

En Instagram podemos encontrar mucho más que las fotos de las últimas vacaciones de tu prima o de la nueva pareja de tu ex, esta red social se ha convertido en una galería donde cientos de artistas suben día a día trabajos conceptuales maravillosos.

La mayoría de las veces ese arte no tiene grandes pretensiones, es efímero y durará lo que el algoritmo quiera que dure, capaz allí reside su belleza en que tiene fecha de caducidad dentro de nuestro feed.

Estas mujeres artistas no solo coquetean con las artes visuales, también con el mundo de la moda. Sus cuentas son totalmente inspiradoras y rompen con los estereotipos marcados por las redes sociales.

Karina Sharif

Esta artista y estilista, criada por una periodista comenzó a diseñar su propia ropa a temprana edad y se ha convertido en todo un ícono del arte en Instagram. Comenzó haciendo jeans ya que los que habían disponibles no se adaptan a su forma de cuerpo con caderas prominentes, así comenzó a customizar y crear sus propias prendas. Durante la cuarentena estuvo experimentando con prendas hechas de papel y el resultado ¡No puede ser más increíble! 

Karina quiere transmitir por medio de sus creaciones la historia de las mujeres afroamericanas.

Mimi Quiquine

Es una artista que creció en un entorno multicultural y siempre rodeada de arte, también ha colaborado con marcas tan importantes como Nike, Louis Vuitton o Dickies. Su trabajo en su propia marca @maison_quiquine nos encanta y refleja una manera muy particular de ver la moda e interpretar el mundo.    

Cada campaña cuenta una historia con personajes particulares donde Quiquine rompe con los cánones y nos muestra diferentes tipos de belleza, porque la cuestión está en no conformarse.

VIRGIN ARTE

Ashleigh Alexandria es una artista visual que vive en Nueva York, su feed es una explosión de arte y color. Su arte explora los dominios de la raza y el género de a través de la pintura del cuerpo y videos.

Su trabajo es una representación de los problemas a los que se enfrentan las mujeres afroamericanas dentro de la sociedad y de su historia pasada.

Aquí puedes visitar su web. 

Descubre más sobre arte y mujeres haciendo click aquí. 

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Al igual que los discos de vinilo, el auge por los artículos de segunda mano se ha disparado, aprovechando estos tiempos donde el mercado apunta a un mundo más sustentable.

La ropa de segunda mano, se suma a las prendas vintage como parte de este movimiento de reciclaje. La artista y psicólogo Andrea Méndez, creó en su proyecto La deuxième main en medio del confinamiento y usando como recurso la videollamada, una conversación con sus participantes donde explican el valor indescifrable y muy personal en las piezas que eligieron.

Hoy hablamos con Andrea para entender mejor su trabajo.

¿Cómo nació el proyecto Deuxieme main?

En la universidad tengo una clase de fotografía y debíamos entregar un proyecto final basados en el trabajo de Christian Boltanski, que tenía una retrospectiva en el Centro Pompidou.

Yo tomé la temática de la memoria con respecto a las prendas de vestir, enfocándome más que todo en las piezas de segunda mano y la memoria que llevan con ellas.

¿De qué se trata este trabajo?

Es una serie de fotografías que fueron tomadas a través de videollamadas en Skype donde las personas posaban con algunas piezas de segunda mano de su elección y me contaban algo acerca de cada una de ellas, de quién la obtuvieron, desde cuando la tienen, qué les hacen sentir.

Finalmente me encargué de unir estas historias junto a las fotografías que hicimos, como si fuese un álbum de fotos antiguo con notas manuscritas, pero jugando también con el contraste de que las fotos eran digitales y con una característica muy moderna al venir de screenshots de nuestras videollamadas. 

El proyecto estaba intencionado para hacer las fotos con conocidos de París en un parque o en persona, pero por la situación de confinamiento todo se retransformó a ser en digital, lo cual no le quitó nada de interesante o divertido.

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¿Cómo fue el proceso de selección? ¿Quiénes participaron?

Desde el comienzo sabía que mi hermana participaría porque siempre ha tenido un interés por la ropa y la moda, además de que maneja una tienda de ropa de segunda mano. Luego decidí hacer una convocatoria rápida y sencilla en mis historias de Instagram y en Twitter. Varios amigos respondieron ¡y así sucedió! 

¿Hubo alguna historia en particular sobre la prenda que te llamara la atención?

Encontré mucha ternura en todas las historias. Me pareció encantador escuchar sobre la abuela de Katiusca y su deseo de robar miradas, y algo nostálgica la historia de Paula cuando dice que cuando agarró el vestido de su abuela fue simbólicamente la última vez que visitó la casa de sus abuelos. También la historia de los suéteres de Alexandra me sorprendió.

¿Por qué ropa usada/vintage?

Por su relación con la memoria, son prendas que tienen un pasado y han vivido otras épocas, otras vidas, a diferencia de la ropa fast fashion que nace en blanco y desde cero. 

Luego de comenzar a trabajar en el proyecto también me di cuenta de que había un juego de palabras con la segunda mano, porque además de ser una manera de llamar a este tipo de ropa, también yo estaba necesitando de una segunda mano para ejecutar mi proyecto (estoy muy acostumbrada a hacer mis trabajos completamente sola). 

Mis amigos, los participantes, fueron mi segunda mano.

Andrea Méndez es oriunda de Maracaibo, Venezuela, y actualmente reside en París, Francia, donde estudia Artes Plásticas. Su medio principal es la pintura pero también experimenta con cualquier recurso que despierte su curiosidad.

Visita el proyecto aquí

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The Covid Art Museum no es la primera colección que se puede disfrutar de forma online, pero si el primer museo nacido con un propósito tan definido y original, mostrar las obras de artistas del mundo entero en medio de una pandemia.

Los directores creativos de este proyecto son Irene Llorca, Emma Calvo y José Guerrero. 

The Covid Art Museum, creatividad en estado puro. 

El confinamiento está logrando que la gente tenga tiempo para reflexionar sobre la vida, sobre el arte o el futuro.

Estas pausas permiten que se desbloquee un nivel de creatividad que ha impulsado el nacimiento de un nuevo movimiento artístico:«THE COVID ART» . 

Un museo abierto las 24 horas los 365 días del año

En el Covid Art Museum podemos conseguir adaptaciones de obras conocidas o piezas originales.

Los creadores han recibido miles de peticiones de artistas de todo el mundo y la cuenta crece como la espuma.

Puedes pasearte por su galería y disfrutar del trabajo de artistas nuevos o con trayectoria, pero que tienen un fin común, mostrar cómo vivimos esta pandemia.

Podrás descubrir las fotos por videollamada del fotógrafo italiano Alessio Albi o el trabajo de artistas como Javier Jaén o Henn Kim (si ya no los conocías).

Ejemplos de arte adaptado tenemos por ejemplo la obra de pop art «El beso» de Roy Lichtenstein, la famosa fotografía de Salvador Dalí con una mascarilla, al David de Miguel Ángel siendo desinfectado o la Mona Lisa de Da Vinci con rollos de papel higiénico.

¿Qué pasará con todas esas obras luego de que esto pase? Posiblemente se abrirá alguna exposición offline que podamos visitar y nos recuerde de forma positiva, uno de los momentos más difíciles que nos ha tocado vivir.

¿Quieres enviar tu obra al Covid Art Museum?

The Covid Art Museum recibe trabajos de artistas y ha abierto un formulario de Google por si acaso quieres enviar tu trabajo.

Descubre: El arte de las Guerrilla Girls

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Las razones para crear este colectivo activista sentaban un suelo sólido en su formación. En ese entonces, este predio de arte moderno tenía una exhibición que mostraba el trabajo de 169 artistas, y sin embargo, solo 13 eran mujeres.

La misma desigualdad se repetía en el resto de los espacios destinados al arte, en la gran Manzana y el resto del mundo, obligando a esta cuadrilla femenina a tomar cartas en el asunto.

ACTIVISTAS DESDE EL ANONIMATO

Las Guerrilla Girls siempre han sido anónimas. Desde su creación, el grupo adoptó mascarillas de primates que esconden sus caras protestantes, y asumieron seudónimos de mujeres artistas ya fallecidas para conceder entrevistas. En su visión enigmática, son vocales, incansables y vigilantes, pero sobre todo, muy luchadoras.

Atentas a las estadísticas, el comportamiento de los centros de arte y galerías, estas chicas recurren a intervenciones ingeniosas para batallar la discriminación social contra las mujeres.

Y su presentación a la sociedad lo hicieron a lo grande. El primer póster en color de las Guerrilla Girls, y que hasta ahora prevalece como su más icónica imagen, revelaba cifras desalentadoras sobre el Museo Metropolitano de Arte en 1989.

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Desigualdad laboral entre hombres y mujeres

El afiche mostraba a La Grande Odalisque, uno de los desnudos femeninos más importantes de la historia de arte occidental con la cara cubierta por una cabeza de gorila, acompañado por el texto: «¿Tienen que estar desnudas las mujeres para entrar en el MET?».

Seguido del controversial título, se puede leer, “Menos del 5% de los artistas en la sección de arte moderno son mujeres, pero el 85% de los desnudos son femeninos”.

A partir de ese momento, el escrutinio de las Guerrilla Girls nunca se detuvo. Empapelando las calles de Nueva York y cualquier ciudad que se les cruzara en el camino, el colectivo se ha encargado de exponen prejuicios de género y étnicos, así como la corrupción en la política, el arte, el cine y la cultura pop.

PARA LAS GUERRILLA GIRLS, LA LUCHA SE MANTIENE

Más de 30 años después, todavía queda mucho por hacer. Si bien sus posters agitadores hoy son parte de las exhibiciones permanentes del Museo Tate en Londres o el Museo de Arte de Sao Paulo, todavía existe una desigualdad de género que las motiva a continuar la batalla.

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El corto feminista “Be a lady, they said”

En una entrevista para Interview de 2012, las artistas detrás de este proyecto , explicaron que en su agenda actual (y aún vigente), velan por la representación equitativa de artistas queer y mujeres afroamericanas.

Como lo afirma el enunciado de su página web ¡Más quejas creativas! ¡Más intervenciones! ¡Más resistencia!.

Las Guerrilla Girls no están listas para hacer las paces.

Guerrilla Girls Images & Projects 1985-2018

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Nacida en Polonia en 1898, es conocida por sus retratos de mujeres estilo art déco. Fue educada por su abuela, su madre y su tía. Tuvo una educación privilegiada, conoció el mundo, aprendió idiomas y se desenvolvía en las altas esferas de la sociedad.

Tamara de Lempicka comenzó a estudiar pintura en 1918 cuando se mudó a París y comenzó a exponer sus obras de forma esporádica en 1922.

En 1925, Tamara de Lempicka realizó su primera exposición en solitario donde los asistentes pudieron disfrutar de 28 obras que hizo en menos de 6 meses.

Tamara de Lempicka fue la primera mujer con presencia en el movimiento art déco. 

Sus obras llenas de colores vibrantes, influencias cubistas y escenas sofisticadas son increíbles y tienen un estilo único, que podemos identificar de inmediato.

Es considerada una de las mayores representantes del estilo art déco  y logró en vida lo que muchos artistas no logran, fue tremendamente famosa entre las altas esferas de la sociedad desde París a Nueva York.

Una de sus obras más conocidas Autorretrato en el Bugatti verde (1929) una obra que captura la belleza, independencia y riqueza de la mujer, de ella misma.

Sus pinturas fueron muy adelantadas para la época, pues mostraban a mujeres modernas y cargadas de seducción. En sus obras las mujeres se desenvolvían de forma poco convencional y podrían considerarse hasta transgresora.

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Tamara de Lempicka inspira a otros

El trabajo de Tamara de Lempicka ha influido en muchas obras contemporáneas. No solo en obras que puedes ver en los museos, también en el arte en general.

Madonna es una fan declarada de Lempicka y se inspiró en su trabajo para el vídeo de VOGUE de 1990. También un cuadro de la artista sale en el vídeo de Open Your Heart. La cantante es coleccionista de las pinturas de Lempicka. 

Madonna – Vogue (Official Music Video)

You’re watching the official music video for «Vogue» directed by David Fincher from Madonna’s soundtrack album ‘I’m Breathless’ for the motion picture ‘Dick …

Madonna – Open Your Heart (Official Music Video)

You’re watching the official music video for «Open Your Heart» directed by Jean-Baptiste Mondino from Madonna’s album ‘True Blue’ released on Sire Records in…

En 2008 la colección de otoño masculina que Versace inspirada en la forma en la que la artista retrataba a los hombres. Carolina Herrera también se se ha inspirado en la artista para alguna de sus colecciones.

El arte de Tamara de Lempicka no solo reflejaba a mujeres fuertes y empoderadas, también reflejaba a la sociedad de la época.

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QMode:  Haces collages preciosos ¿Cómo comenzaste en el mundo del collage?

Ia: ¡Muchas gracias! El papel me apasiona desde pequeña. A los 3 años, mi madre me escondía el periódico porque me encantaba rasgarlo y volverlo trozos. Decidí dedicarme a ello en 2012. El collage como forma artística me apasiona porque creo que es 100% creativo y no requiere de ese talento innato, ¡Todos podemos hacer collages! Al principio me costó mucho ya que no habían cursos específicos. Comencé en una clase de pintura, donde todos pintaban y yo hacía collages, luego hice un taller online con el MOMA de Nueva York y otros cursos online, y cada vez que tengo la oportunidad hago cursos presenciales, para aprender y también para compartir ya que es una disciplina muy personal.

QM: ¿En qué te inspiras? ¿Cómo es tu proceso creativo?

Ia: La actualidad, el arte, el cine, la fotografía, revistas de moda, libros antiguos… un poco de todo. Aunque es cierto que muchas de mis obras se centran en la mujer -ya que me apasiona esa dualidad de fragilidad y fuerza innatas en la mujer- pero realmente ¡Me inspira todo! Es por ello que mi proceso creativo implica, en lo posible, ir regularmente a ver exposiciones, ver películas y series, perderme en mercadillos, buscar papeles y libros antiguos. Creo que es muy importante educar el ojo, ver muchas imágenes y estudiar el trabajo de otros artistas, así como ver exposiciones de otras disciplinas porque todo ello puedo luego inspirarte luego. A veces tengo una idea y puedo pasar días o semanas buscando inspiración del tema antes de sentarme a trabajar porque me gusta llenarme de ideas para inspirarme.

QM: ¿Qué no debe faltar en espacio de trabajo?

Ia: Tengo que tener la mesa limpia y el espacio ordenado antes de comenzar, quizás precisamente porque el trabajo es desordenado, hay muchos papeles y me gusta que todo lo que haya en la mesa sea del collage en el que estoy actualmente trabajando. Me es indispensable trabajar con luz natural y con música. Y ante un bloqueo temporal un buen café o té matcha (mi favorito) siempre sirve para reordenar mis ideas y continuar. 

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QM: Sabemos que se puede hacer una clase online contigo a través de Airbnb. Cuéntanos un poco más de esta experiencia. 

Ia: El collage es la forma de arte perfecta para los tiempos en que vivimos porque se trata de usar lo que tienes a tu alrededor. Se trata de encontrar un nuevo propósito para los objetos viejos, haciéndolos aún más hermosos. Esta experiencia es una clase de una hora y media donde dejaremos volar la imaginación y haremos juntos un collage. Hablaremos sobre composición, colores, consejos y métodos de trabajo.

Pueden echar un vistazo aquí.  

QM: ¿Dónde podemos ver tu trabajo o comprarlo?

Ia: Desde el año pasado trabajo con Corner4Art una  galería especializada en arte animado y cómic. Trabajo con ellos collages Disney, lo que ha sido un gran reto y un apasionante descubrimiento porque me gusta mucho. Con ellos trabajo continuamente este tema, pero también pueden ver mi trabajo personal en nuestra web www.imagenbarcelona.com.

Estoy trabajando en una tienda desde mi web donde pueden comprar prints.

QM: Muchas chicas nos leen y quieren dedicarse a alguna disciplina artística ¿Qué les puedes aconsejar?

IA: ¡Que no se rindan! A veces comenzar nos da mucho pudor porque no tenemos experiencia o trayectoria, pero todo se logra poniéndose a ello. No parar de trabajar y aunque no sea a lo que nos dedicamos exclusivamente, no abandonarlo y buscar siempre ese tiempo para dedicarle. Formarse y estudiar, hacer talleres y todo aquello que nos permita aprender más de la forma de arte que nos apasiona, conocer a otros artistas y tener ese feedback, poder aprender de ellos. También en su vida personal ver mucho arte, ir a exposiciones, ver documentales, y usar herramientas fantásticas como Instagram o Pinterest para ver otros trabajos de artistas e inspirarse de nuevas ideas.

QM: Define feminismo

Ia: Un movimiento que busca alcanzar la IGUALDAD entre hombres y mujeres en todos los ámbitos. Considero que falta mucho por alcanzarlo, pero creo que es en un momento interesante por la globalización y el alcance que tenemos todos a través de redes sociales para denunciar y apoyar a quienes luchan por cambiar las cosas.

QM: ¿Qué es para ti la belleza?

Ia: Es sentir. Y también poder apreciar todo los que nos rodea: seres queridos, naturaleza, la vida misma.

QM: ¿Qué pondrías en una cápsula del tiempo?

Ia: Fotos… muchas fotos y cartas de mis seres queridos

QM: Dinos tres cuentas de Instagram que debemos seguir ¡HOY!

Ia: @franciscoblancophotos es la cuenta de mi esposo, un gran fotógrafo. Su trabajo me inspira muchísimo y es mi principal apoyo. A @rociomontoya una gran artista de collage que tuve la oportunidad de hacer un taller con ella en enero y es una preciosa persona, su trabajo es bellísimo y es un referente para mi. Por último a @cocodaves una artista que me encanta, no solo por cómo gestiona su imagen personal también su imagen artística, algo sin duda que tenemos que tener en mente si nos dedicamos a este mundo

QM: ¿Qué le dirías a tu yo del pasado?

Ia: Que todo tiene su tiempo. Aprender a esperar quizás es lo más duro. Me enseñaría a meditar y a comer más sano.

QM: Y ahora la pregunta obligada para nuestras entrevistadas. En estos tiempos llenos de intolerancia, violencia y falta de amor ¿Qué crees podemos hacer para mejorar el mundo en el que vivimos?.

Ia: Nuestro aporte personal creo que es fundamental. Hacer lo que nos hace felices y trabajar continuamente para lograrlo (que suena fácil pero no lo es) nos hace darnos cuenta de lo que realmente es importante y ese aprendizaje lo reflejamos a nuestros amigos, familia y entorno. En conclusión, luchar por aquello que nos aporta y hace felices.

Ia ha abierto una experiencia de collages a través de Airbnb que es una pasada y a un precio muy económico ¿Quieres hacer un curso de collage? Haz click aquí

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Por eso te vamos a presentar 4 cuentas que hacen con el arte tu feed más feminista, colorido y llenan tu vida de #WomenPower 

Arte de mujeres en Instagram:

@porquemesaledelmismisimo

Esta cuenta de Instagram de una ilustradora de Pontevedra nos acerca de forma única a la problemática social en torno a la mujer y la desigualdad. 

Síguela ¡Te encantará! 

@bravasilustracion

¡El Colectivo Bravas es puro #WomenPower! No solo abordan de forma increíble los problemas a los que nos enfrentamos las mujeres como los tabúes de la menstruación o el machismo, también invaden las calles con su trabajo ¡Nos encanta! 

Puedes seguirlas aquí

@cecile.dormeau

Cecile Dormeau es una ilustradora francesa que tiene un amplio recorrido en la lucha feminista. Sus ilustraciones representan la cotidianidad de una generación de una forma magistral. La imagen principal de este artículo es de la ilustradora. ¡Sus ilustraciones son inspiradoras! 

¡Sigue a Cecile!

@artemapache

Arte Mapache hace un trabajo maravilloso. Crean arte en pro de liberar el cuerpo y la belleza. Su cuenta de Instagram es un lujo que nos podemos permitir. 

Síguelas y disfruta de su arte. 

Arte de mujeres por Instagram que no te puedes perder.

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