Todos conocemos la icónica primera entrega de El diablo viste de Prada, estrenada en el año 2006. Una representación muy clara y objetiva no solo del amplio mundo del glamour y el espectáculo, si no de como este tiene influencia en la cultura popular y social. La primera película recalca la importancia del estilo personal en el universo fashion y está basada en el libro titulado Revenge Wears Prada: The Devil Returns, escrito y publicado en el año 2003 por la autora Lauren Weisberger, quién trabajó como segunda asistente de Anna Wintour, editora jefa de la influyente revista de moda Vogue desde 1988 hasta el el año pasado.

En la primera entrega de El diablo viste de Prada, el personaje que interpreta a Anna Wintour, llamada Miranda Priestly, es interprtada por la ya icónica Meryl Streep y es uno de sus papeles favoritos. 

El diablo viste de Prada, un clásico de la cultura POP. 

Poder, exigencia, estilo. Estos adjetivos no solo definen el ecosistema de la moda, sino que sirven como el resumen perfecto de esta película que ya es un clásico de la cultura pop. Por eso, queremos enumerar los mensajes clave por los que nos encanta. 

1. La moda es un método de expresión individual personal. Muestra emociones, sentimientos, historias, vivencias, personalidad y cualidades.
2. Sal de tu zona de confort. Es bueno salir de nuestra zona de confort, y mejorar cada día como persona para así explorar y explotar nuestro potencial al máximo.
3. No abandones tus sueños por nadie. Nos enseña que no debemos dejar de perseguir nuestros sueños por terceras personas. Por ende, se recalca que tener buenas amistades es indispensable para un buen crecimiento profesional.
4. El esfuerzo es la clave. Debes esforzarte por alcanzar lo que deseas lograr.

Por último y no menos importante, la número 5 es: Mantener nuestra autenticidad.

Autenticidad es una palabra muy curiosa. El influyente escritor y filósofo suizo Jean- Jaques Rousseau, sugiere que la autenticidad es “la sinceridad con uno mismo”. Y critica la inautenticidad como producto de la presión o competencia social que obliga a las personas a mostrarse de manera distinta a lo que realmente son, solo para obtener reconocimientos, o simplemente aceptación social.

Si volvemos al mensaje de la película, se interpreta como la importancia de no perder u olvidar aquello que nos hace quienes somos, vestimos o hacemos, solo por un empleo; conforme buscamos el éxito profesional. Así que si te sientes feliz y complacido/a de ser quien eres, no permitas que tu entorno laboral, social u amistoso, decidan por ti, el cómo debes actuar.

¿Y tú cómo definirías la película?.

¿Qué opinión/ mensaje te dejó El diablo viste de Prada?

¿La moda es expresión o superficialidad?

Ve el trailer de la segunda entrega de El diablo viste de Prada haciendo click aquí.

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Son miles las historias de amor que cada año llegan a la gran pantalla pero pocas las que marcan a una generación.

No basta con la simple narración de un hecho pasional; aquellas que consiguen su lugar en la memoria colectiva son producto de muchos factores, entre las que se pueden contar la complicidad de los protagonistas, la naturalidad del guión y, como no, un desenlace creíble y posible. Por ello, en 2020 celebramos los 25 años de “Antes del amanecer”, la historia de Jesse y Céline.

El film de Richard Linklater no fue un éxito de taquillas (apenas recaudó algo más de 17 millones de dólares). Esto supuso su rápido paso a formatos más populares, tales como el hoy olvidado VHS o los canales de televisión por cable..

El libreto de “Antes del amanecer” no encerraba mayor complejidad. Sin embargo, un guión creíble y fluído, sumado a la química que hubo entre Ethan Hawke y Julie Delpy, ayudaron a que la sencillez venciera al olvido.

El film narra la historia de un estudiante norteamericano (Jesse) que viaja por Europa y conoce, en un tren camino a Viena, a una estudiante francesa (Céline). Aquel encuentro deriva en un posterior paseo por la ciudad austríaca en el que las conversaciones son tan variadas como impredecibles.

Es tal el grado de complicidad entre ambos que al despedirse prometen reencontrarse, seis meses después, en el mismo andén del tren. Es ese el instante mágico en el que el cine traspasa la pantalla y se instala en lo real: el flechazo ya no es cosa de ellos sino que le pertenece a todos los espectadores, quienes empiezan a imaginar aquel reencuentro como algo propio e innegable.

La película es la representación de una vivencia del propio Linklater,.

En el año 1989, durante una visita a su hermana, el director conoció a una chica en una juguetería. La conexión fue instantánea y lo que vivieron, salvando algunos detalles, es lo que años después conocimos como la historia de Jesse y Céline.

«Antes del amanecer» la primera de una trilogía 

Le siguieron “Antes del atardecer” (2004) y “Antes de la medianoche” (2013). No obstante, este año celebramos ese primer encuentro, el primer paseo y, por supuesto, aquel inolvidable primer beso ya hace 25 años de “Antes del amanecer”.

Otro de los clásicos de cumple 30 años Ghost 

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Estas mujeres no solo han demostrado su talento en la gran pantalla, sino que también han inspirado a millones de personas a través de sus logros, su compromiso social y su valentía. A continuación, enumeraré a algunas de las actrices más icónicas y empoderadas de Hollywood de todos los tiempos.

1. Meryl Streep: Conocida como «la Dama de Hierro de Hollywood», Meryl Streep es una de las actrices más aclamadas y respetadas en la historia del cine. Ha ganado numerosos premios Oscar y ha destacado en una variedad de roles, demostrando su versatilidad y maestría actoral.
2. Katharine Hepburn: Esta leyenda de Hollywood fue una de las actrices más influyentes del siglo XX. Hepburn desafió las normas de género de su época y dejó una huella imborrable en la industria del cine.
3. Audrey Hepburn: Con su gracia y estilo inimitables, Audrey Hepburn se convirtió en un ícono de la moda y la elegancia. Además de su carrera en el cine, trabajó incansablemente como embajadora de UNICEF, dedicando gran parte de su vida a obras benéficas.
4. Angelina Jolie: Angelina Jolie no solo es una talentosa actriz, sino que también ha demostrado su compromiso con causas humanitarias en todo el mundo. Su trabajo como embajadora de buena voluntad de las Naciones Unidas la ha convertido en una defensora de los derechos humanos.
5. Marilyn Monroe: La icónica Marilyn Monroe dejó una marca indeleble en la cultura popular. A pesar de sus desafíos personales, su legado como símbolo sexual y actriz sigue siendo relevante hoy en día.
6. Julia Roberts: Julia Roberts se destacó en la década de 1990 con papeles memorables en películas como «Pretty Woman». Su encanto y talento la convirtieron en una de las actrices más queridas de Hollywood.
7. Jodie Foster: Ganadora de varios premios Oscar, Jodie Foster es conocida por su talento actoral y su valentía al abordar temas controvertidos en su trabajo. También es una defensora de los derechos LGBT+.
8. Charlize Theron: Charlize Theron ha demostrado ser una actriz versátil que puede asumir una amplia gama de roles. Además de su carrera en el cine, ha trabajado en proyectos que abordan cuestiones sociales importantes.
9. Emma Watson: Conocida por su papel como Hermione en la serie de películas de Harry Potter, Emma Watson se ha convertido en una defensora de la igualdad de género y ha trabajado activamente en proyectos feministas.
10. Cate Blanchett: Esta actriz australiana es conocida por su destreza en una variedad de géneros cinematográficos. También ha abogado por el cambio en la industria del cine en relación con la igualdad de género.

Estas actrices no solo han dejado una marca indeleble en la industria del entretenimiento, sino que también han utilizado su plataforma para abogar por causas importantes y empoderar a las mujeres en todo el mundo. Sus contribuciones al cine y a la sociedad las convierten en verdaderas leyendas de Hollywood.

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Iconos de estilo en el universo de David Lynch

Rita – ‘Mulholland Drive’ (2001)

David Lynch es conocido por causar shock en sus audiencias y una de las producciones más recordadas por esa razón es Mulholland Drive, protagonizada por Naomi Watts. Pero es su compañera, Laura Harring es quien interpreta a Rita que tiene los conjuntos cautivantes, para hacer contraste con Betty. Aquí, ella es una mujer llena de glamour, dinero y sexualidad, representando el lado oscuro y todo lo que el personaje principal desea en ella.

Alice Wakefield – ‘Lost Highway’ (1997)

Alice Wakefield (Patricia Arquette) es la luz en Lost Highway, es el contraste y alter ego de Renee Madison. Para plasmarlo, Lynch la muestra usando colores claros y poco a poco la acerca a lo que era la pelirroja, con estampados de leopardo y tonos oscuros, para cerrar el arco de su historia dentro de la película y completar su transformación de la luz a la oscuridad de la femme fatale de la que huye el protagonista. 

Sailor Ripley – ‘Wild at Heart’ (1990)

En una de las escenas de Wild at Heart, Ripley, o Nicolas Cage, menciona que su chaqueta de serpiente representa su individualidad y su creencia en libertad personal, razón por la que Amy Stofsky, conocida por trabajar con David Lynch en múltiples producciones, desarrolló todo su vestuario alrededor de ella. Pantalones pegados y un peinado varonil son esenciales para capturar la esencia masculina de esta versión de “hombres malos” á la James Dean o Marlon Brando. Es uno de los pocos personajes masculinos del universo del director que tiene outfits que destacan y son tan icónicos como su contraparte femenina.

Dorothy Vallens – ‘Blue Velvet’ (1986)

Isabella Rossellini fue una de las principales colaboradoras de Lynch y trajo a la vida mujeres cautivantes como Dorothy Vallens en Blue Velvet (1986). Ella es una cantante de un bar víctima de la obsesión del líder de una pandilla que controla la ciudad, esto se hace ver en la manera en la que se viste que mezcla vulnerabilidad con sensualidad. Sus looks son oscuros y fríos, que van desde el azul velvet, como la canción y el título del film, hasta negro. Pero cuando todo termina, se transforma en colores más cálidos y una estética más maternal.

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El regreso del estilo gótico ha estado presente desde inicios de la década del 2020 y la vemos cada vez más, gracias a la presencia de una tendencia musical antigua que está reviviendo en la actualidad, el pop punk.

Artistas como Machine Gun Kelly, Willow Smith y YUNGBLUD están recreando todo lo que está presente en filmes como Sweeney Todd (2006) o Eduardo Manostijera (1990), no solo en sus videos, sino en la vida real.

De todo lo que ha hecho, Tim Burton nos ha dejado ciertos aprendizajes que podemos aplicar en la manera en la que vestimos, ya sea si queremos ser un personaje de una de sus historias o si queremos vestir de una manera más auténtica.

Lección #1: ¡Inspírate!

A pesar de que nos empeñemos en que podemos crear algo original y que todo tiene que estar hecho de cero, la realidad no es así. ¡Todo ha sido creado! Entonces, ¿por qué no tomar los elementos que más nos gustan para crear nuestro propio Frankenweenie de estilo?

Desde la estética hasta sus planos, son tomados de otras fuentes. Pero, eso sí, con su propio giro. Burton AMA el expresionismo alemán y la subcultura gótica, en varias entrevistas ha mencionado que Robert Smith, el vocalista de The Cure, fue su inspiración para crear el look de personajes como Eduardo de Eduardo Manostijera (1990) con su cabello alocado y vestimenta oscura similar a la que pudo haber usado cualquier amante del punk tanto en los ochenta como en los setenta.

Lección #2: No intentes encajar, sé tú

Tal y como lo hizo Eduardo y otros personajes del Universo Burtonesco, el querer encajar con los demás es lo que más nos hace no hacerlo, sentirnos aislados y solos.

Si quieres atreverte a usar pantalones con felpa y el resto del mundo dice que no porque “no es la norma”, ¿por qué debes seguir esas reglas? ¡No lo hagas! Exprésate y sé de la manera que más te guste, lo importante es que seas lo más auténtico.

Lección #3: Deja salir tu Sombrerero Loco interior

La sociedad es cuadrada, estructurada para que sigamos una lista de pasos y que luzcamos de cierta manera para que todo funcione.

Sin embargo, la fórmula del éxito, la que debemos tener para poder destacar y lucir con el estilo más divertido, es dejar salir tu Sombrerero Loco, esa versión de ti que piensa fuera de la caja y que se atreve a experimentar con diferentes texturas, colores y formas para expresarse a sí mismo. Todos lo tenemos dentro, solo tenemos que conectar con él y no tener miedo al qué dirán de nosotros.

Tim Burton nos ha demostrado desde sus inicios con el corto de Frankenweenie (1984) que está bien no conformarnos con el mundo que nos rodea, que nuestra visión es más importante que lo que digan los demás de nosotros y que en la oscuridad también se encuentra mucha luz, solo tenemos que tener los ojos bien abiertos para verla y usarla a nuestro favor.

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Alasdair Gray escribió en 1992 “Pobres Criaturas”, una novela que cautivó al público moderno de la década y que hoy vuelve a la vida de la mano del director griego Yorgos Lanthimos con la adaptación cinematográfica protagonizada por Emma Stone y Willem Dafoe. 

La novela de Gray satirizaba la preocupación de la sociedad victoriana británica por el decoro, los modales y las buenas costumbres y en las manos de Lanthimos esta obra cobra vida tal como su protagonista, paseándose entre lo hermoso y bizarro. 

En “Pobres Criaturas” Lanthimos, trabajó con el guionista Tony McNamara, con quien había colaborado anteriormente en la galardonada película con Olivia Colman “La Favorita”, y ofrece una experiencia inmersiva donde experimentamos la transición a la mayoría de edad de una mujer reanimada para la ciencia ficción, reinventada para los amantes de las historias feministas. 

La reinvención de Bella Baxter 

En la sala de cine el espectador se encuentra con una reflexión dura y poco convencional sobre la libertad femenina. 

Bella Baxter, interpretada por Emma Stone vuelve a la vida luego de suicidarse, convertida en un experimento del anatomista victoriano Dr. Godwin Baxter. 

Un guiño al Frankenstein de Mary Shelley donde vemos a una mujer que tiene siempre la misma apariencia, pero se va desarrollando, hasta convertirse en una mujer completamente independiente con un ímpetu feroz. 

Y es que en “Pobres Criaturas” no solo se hace una reflexión sobre el feminismo y la libertad, también se habla sobre las segundas oportunidades que nos puede otorgar la vida, o mejor dicho en este caso, la muerte. El personaje de Bella restaura su vida demostrando una cátedra de resiliencia que conmueve al espectador.    

Bella sin querer y dejándose llevar por las circunstancias, se deshace de las limitaciones impuestas por la sociedad haciéndose cargo de sus deseos y su cuerpo sin que ningún hombre defina su destino.  

Pobres Criaturas: Visualmente arrolladora 

“Pobres Criaturas” no solo cuenta en su guión una historia que te engulle, también visualmente atropella al espectador con una narrativa poco convencional.  

Su estética victoriana con fuertes referencias al steampunk, definida por los diseñadores de producción James Price y Shona Heath, pasea entre el Art Déco y la Belle Epoque, logrando sumergirnos en una obra de arte en movimiento que nos recuerda a través de escenarios pintados, a un Hollywood clásico en su época más dorada.   

Los trajes de la diseñadora de vestuario Holly Waddington nos hablan del caos de Bella y la separan totalmente del resto de los personajes con volúmenes exagerados y colores dispares. Al igual que la música de Jerskin Fendrix, que pasea entre lo punk y clásico, convirtiéndose en una narrativa sonora en toda regla. 

En la obra original de Alasdair Gray hay una frase que dice: “No vale la pena tener una vida sin libertad de elección”, recordándonos que como la película de Lanthimos la reinvención puede ser una camino duro de ver, pero que al final vale la pena.  

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Dentro de su repertorio como directora y guionista, se encuentran algunas  producciones que siguen la misma estética que tanto nos ha cautivado. 

‘You’ve Got Mail’ (1998)

El segundo filme del dúo dinámico de Tom Hanks y Meg Ryan es Tienes un e-mail de 1998. Este fue coescrito con su hermana Delia y Nora cumplió con la dirección, guionismo y producción de la película. Es una adaptación de la obra de 1937, hecha por Miklós László titulada Parfumerie que también fue adaptada en 1940 como The Shop Around the Corner. Narra la historia de Kathleen Kelly (Ryan), la dueña de una pequeña librería en Nueva York que conoce a un misterioso hombre por chat online, Joe Fox (Hanks), quien es su rival en la vida real.

Está ambientada en otoño y vemos cómo los colores van cambiando, desde en el vestuario hasta en la colorización de cada escenario hasta llegar a la primavera en el final de la historia. Tiene amor, odio y dolor por el pasado, el presente y el futuro.

‘Julie & Julia’ (2009)

Esta es una producción biográfica de la vida de Julia Child y Julie Powell. Allí vemos dos libros, My Life in France (2006) y Julie & Julia: 365 Days, 524 Recipes, 1 Tiny Apartment Kitchen (2005), dos vidas que se conectan a través de la cocina, el amor y la pasión. Es protagonizada por, nada más y nada menos que, Amy Adams, Meryl Streep, Stanley Tucci y Chris Messina. Gracias a sus actuaciones, tanto la película, Ephron y Streep estuvieron nominadas a los Academy Awards, BAFTA y a los Golden Globes.

En cada plano, se ve la pasión de cada uno de sus personajes, tanto por el amor por su pareja como por lo que hacen. Si deseas inspirarte a hacer realidad ese sueño que siempre has tenido, a cambiar tu vida en un giro de 180 grados, esta película es para ti.

Como guionista: ‘Heartburn’ (1986)

Por último, tenemos Heartburn o Se acabó el pastel (1986). Este filme está basado en su novela autobiográfica que desarrolla su segundo matrimonio con Carl Bernstein y su amorío con Margaret Jay. Es protagonizada por Meryl Streep y Jack Nicholson. No es la típica historia de amor de las que estamos acostumbrados con Ephron. Pero muestra cómo ha evolucionado su manera de escribir, que vemos luego en Sleepless in Seattle y en Bewitched (2005).

A través de cada una de sus historias, Nora Ephron pudo conquistarnos y mostrarnos un mundo de posibilidades que todos podemos tener, una en la que los colores son cálidos, llenos de vida y de pasión, donde podemos encontrar al amor de nuestra vida y conseguir nuestro sueño al mismo tiempo porque el cielo es el límite cuando así lo queremos.

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Angelina Jolie fue Lara Croft hace 18 años y no pudo continuar con la saga porque, aunque para muchos siempre será Lara, para la industria estaba muy mayor para el papel de la heroína de los videojuegos.

La primera película estuvo trabajándose 5 años hasta que fue una realidad, y aunque nos parecía que Jolie se veía extremadamente sexualizada en la versión de la pantalla grande, para una generación fue inspirador ver a una chica como protagonista de un juego que empoderaría a gamers y público en general.

Angelina Jolie marcó una época y dio rostro a un personaje que -aunque no logró la taquilla esperada- será inolvidable para una generación.

Puede ser que Jolie decidiese por si sola no participar en la nueva Tomb Raider o que simplemente el proyecto se escribió y desarrolló no pensando en la actriz. La nueva Tomb Raider debía mostrar a una Lara más joven, pues es la historia anterior a las dos otras películas. Esto implicó que fuese imposible repetir con Jolie para esta entrega.

Los medios de comunicación enfrentaron a Alicia Vikander y Angelina Jolie

Las dos mujeres son maravillosas, geniales actrices y súper guapas, pero los medio de comunicación se empeñaron en enfrentarlas y preguntar en cada entrevista sobre la superioridad de Alicia Vikander o la incapacidad de Angelina Jolie en interpretar el papel. También muchos medios escribieron sobre lo mal que le fue a las dos películas de Jolie, para dejar claro era un fracaso como Lara Croft.

A los hombres no les pasa

Para no ir más lejos, tenemos el ejemplo de Tom Cruise con Misión Imposible.

Misión imposible se estreno en 1996 y Tom Cruise interpretó desde el primer momento a Ethan Hunt.

Desde ese año se han hecho 6 películas de Misión Imposible y el protagonista siempre ha sido Tom Cruise. Es importante destacar que Tom tiene 59 años y Angelina 46, pero ella ya está considerada como vieja para interpretar a una heroína, él no.

Claro, algunos dirán que tiene que ver con que Cruise es el productor de las películas, pero la verdad es que en Hollywood si superas los 40 y eres mujer, te quedan papeles intimistas, de madre, de esposa…pero no podrás optar por papeles fuertes o mucho menos ser la heroína de la historia.

Los papeles de Misión Imposible están escritos especialmente para Tom Cruise, lo que no sucedió con Tomb Raider.

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Las mujeres no deben envejecer

En este tipo de películas como Misión Imposible, James Bond o El Caso Bourne los actores se ven rodeados de mujeres jóvenes a las que regularmente les doblan la edad.

Por ejemplo en la penúltima entrega de James Bond un Daniel Craig de 50 años tuvo como compañera a la joven Léa Seydoux de 32 años. El papel de Monica Belluci (53) era secundario. No está mal dar espacio a nuevas promesas de la actuación, pero no entendemos el motivo por el cual una mujer de 50 años no puede ser la compañera del protagonista en su aventura.

En Misión Imposible vimos a un Tom Cruise de 55 años compartir pantalla con Rebecca Ferguson de 34 años. Paula Patton no repetirá pues ya supera los 42 años.

Alicia Vikander es una Lara Croft genial, pero cuando la veamos en pantalla no podremos evitar recordar que las mujeres deben luchar en contra de muchos obstáculos en su carrera, como por ejemplo: la edad. 

Escrito por QMode Team 

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1. Amaba los animales, su primer caballo se llamó Betty.
2. Se convirtió al judaísmo en el año 1959.
3. Elizabeth Taylor decía que tenía las piernas muy cortas.
4. Odiaba que la gente hablará de ella y creará mitos a su alrededor.
5. Tampoco le gustaba la llamarán Liz.
6. No tenía miedo a envejecer, de hecho le parecía interesante la idea.
7. Dicen que su última aventura fue con el actor, muchos años menos que ella Colin Farrell. 
8. El nombre de su fragancia se eligió por Twitter.
9. Nunca estudió actuación.
10. Dicen que el color de sus ojos era único, tanto que se podría definir un color llamado: Elizabeth Taylor.   

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