Y no es una percepción. En esta edición, el 42% de los artistas programados fueron mujeres, el 41% hombres, el 15% bandas mixtas y el 1% artistas no binarios, reafirmando una idea que Primavera lleva años defendiendo: cuando un cartel es más diverso, también es más interesante.

Primavera Sound 2026: Comenzamos esta edición con Wet Leg.

Cuando esta banda apareció hace unos años parecía imposible separar el fenómeno viral del proyecto musical. Pero en Barcelona demostraron algo mucho más interesante: ya no son la banda del momento, son una banda con identidad propia. Sobre el escenario se sintieron mucho menos interesados en reproducir el personaje que Internet construyó. Manteniendo el humor, la ironía y esa capacidad para hacer que una canción parezca espontánea aunque esté perfectamente medida. Puedes leer nuestra crónica completa aquí. 

Y aunque el jueves la lluvia amenazó con cambiar el ritmo del festival por un momento, logramos disfrutar de una de las actuaciones que más queríamos ver, la de LaBlackie. Bajo una lluvia que habría vaciado cualquier otro recinto, ella siguió adelante y el público también. Hubo algo muy Primavera en ese momento: quedarse, bailar igual y convertir una situación incómoda en una anécdota más del festival.

Propuestas cargadas de originalidad y potencia.

Hay artistas que generan público y otras que generan comunidad. Lo de Ashnikko fue una celebración colectiva. El público coreó prácticamente cada canción y convirtió el concierto en una especie de rave pop, exagerada, teatral y completamente entregada. Ella dominó el escenario con una presencia inmensa.

Otro concierto que terminó convirtiéndose en conversación fue el de Amaarae. Hipnótica, elegante y completamente magnética. Su propuesta sigue demostrando que el pop global ya no necesita pedir permiso ni adaptarse a fórmulas tradicionales para llenar un escenario.

Probablemente uno de los momentos más interesantes del festival fue la actuación de Addison Rae por lo que representó. Tocando antes de The Cure, parecía que el público estaría dividido entre quienes esperaban a Robert Smith y quienes venían a verla. Pasó justo lo contrario. Las fronteras generacionales desaparecieron y durante una hora vimos convivir a fans del pop más reciente con personas que llevan décadas yendo a conciertos. Addison ya no parece una celebridad jugando a hacer música. Hay algo mucho más claro ocurriendo: está ocupando un lugar dentro del nuevo mapa del pop. Aquí en este artículo te contamos más sobre la artista. 

Vivimos algo que nos esperábamos: El show sorpresa de Olivia Rodrigo.  

La artista no solo nos regaló un set corto con sus grandes éxitos, también tocó un tema con Robert Smith de The Cure y el público enloqueció. Ver compartir escenario a una de las artistas más importantes del pop contemporáneo con uno de los grandes referentes de la música alternativa fue épico.

También volvimos a encontrarnos con PinkPantheress. Ya la habíamos visto antes, pero esta vez hubo algo diferente. Más confianza, más control del escenario, más conexión. Sigue teniendo esa delicadeza tan suya, pero ahora aparece acompañada de una seguridad que confirma que está entrando en otra etapa como performer.

Y por suerte ya hay fecha para volver.

Los tickets para Primavera Sound Barcelona 2027, que se celebrará del 3 al 5 de junio de 2027, ya están disponibles. Haz click aquí.

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Su concierto, programado justo antes de la actuación de The Cure, para nosotros, tenía algo de experimento generacional. Sobre el papel, parecía difícil imaginar a los seguidores de una de las bandas más icónicas de la historia compartiendo espacio con una audiencia que descubrió la música de artista favorita través de las redes sociales. Sin embargo, uno de los momentos más fascinantes de la jornada fue precisamente observar cómo esas fronteras desaparecían.

Mientras miles de personas esperaban la llegada de Robert Smith y compañía, el público se dejó arrastrar por una actuación electrizante, repleta de coreografías, visuales hipnóticos y una colección de canciones que demuestran por qué Addison se ha convertido en uno de los nombres imprescindibles del pop actual.

Su ascenso ha sido tan rápido como singular. Nacida en Luisiana en el año 2000, Addison Rae creció admirando a las grandes estrellas del pop de principios de siglo, especialmente a Britney Spears. Como ella misma ha contado en numerosas ocasiones, la historia de una joven procedente de una pequeña localidad que lograba conquistar la industria musical fue una inspiración fundamental durante su adolescencia.

Y esa influencia se percibe claramente en su propuesta artística. No como una simple imitación nostálgica, sino como una reinterpretación contemporánea de aquella era dorada del pop femenino. En sus canciones conviven referencias al electropop de los años 2000, la estética hiperfemenina, los ritmos bailables y una sensibilidad digital completamente contemporánea.

Lo interesante es que Addison Rae forma parte de una generación de artistas que ya no ve a Britney Spears como una advertencia sobre los peligros de la fama, sino como una pionera que abrió el camino para muchas de las estrellas actuales. Esa mirada ha contribuido a recuperar una forma de hacer pop sin complejos, emocional, divertida y visualmente ambiciosa.

En su actuación, hubo energía, carisma y una conexión constante con el público. Pero también algo más difícil de definir: la sensación de estar presenciando el momento exacto en que una artista deja de pertenecer al presente para empezar a formar parte del futuro.

Y si alguien todavía dudaba de que Addison Rae pudiera convertirse en una gran diva del pop, Barcelona acaba de ofrecer una respuesta bastante contundente.

Ve más de la actuación de Addison aquí. 

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Cuando el grupo apareció en 2021 con Chaise Longue, parecía uno de esos fenómenos improbables que internet genera de vez en cuando: una canción absurda, divertida y perfectamente calibrada para convertirse en obsesión colectiva. Pero lo que vino después fue mucho más grande. En apenas unos años pasaron de ser una banda de culto de la Isla de Wight a conquistar Estados Unidos, Japón, los festivales más importantes del mundo y ganar dos Brit Awards y dos premios Grammy.

El reto, como siempre ocurre con las bandas que explotan de forma repentina, era sobrevivir a su propia narrativa.

En Barcelona, Wet Leg sonó como un grupo que ya ha dejado atrás la sorpresa inicial para convertirse en una banda con identidad propia. El sarcasmo que definió sus primeros éxitos sigue ahí, pero ahora convive con una energía más sólida y una propuesta sonora mucho más ambiciosa. La evolución ya se intuía en Moisturizer, su segundo álbum, donde las canciones abandonan parte de la ironía distante de sus inicios para explorar emociones más personales, relaciones afectivas y nuevas formas de vulnerabilidad.

Buena parte de esa transformación tiene que ver con Rhian Teasdale, cuya presencia escénica se ha convertido en el centro gravitacional del proyecto. Durante los últimos años, la cantante ha hablado abiertamente sobre el vértigo de la fama repentina, los problemas de ansiedad derivados de las giras interminables y el impacto que tuvieron en ella nuevas experiencias personales que terminaron influyendo directamente en la composición del segundo disco.

Sobre el escenario del Primavera, Wet Leg ofreció exactamente lo que muchos esperaban de ellas: una confirmación.

Porque después de los premios, de los titulares y del fenómeno viral, lo realmente difícil es seguir creciendo. Y en la jornada inaugural del Primavera Sound demostraron que todavía tienen mucho que decir.

Fotos: PS 2026 · Christian Bertrand

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¿El K-Pop es el Nuevo Pop? 

Aunque el K-pop se ha posicionado como uno de los géneros musicales más influyentes, con una comunidad de oyentes de 6.1 millones, y más de 7.790 reproducciones mensuales a nivel mundial; compite en simultáneo con la música pop en listas de hits, galardones y premios. 

Las 5 bandas de K- pop que debes escuchar.

Si eres novato en este género, esta es una pequeña lista de las 5 bandas con las que puedes iniciar. 

BTS (Bangtan Sonyeondan)

Conocidos también como Bangtan Boys, es la agrupación masculina más famosa del momento con 7 integrantes y 12 años de trayectoria musical desde su debut en 2013 con la canción No More Dream. Desde principios del mes de abril han causado revuelo y emoción entre la fanaticada, ya que regresaron luego de 4 años en el servicio militar obligatorio, con un nuevo álbum llamado Arirang que puedes escuchar por este link en Spotify.Entre las canciones más reproducidas de este nuevo álbum, destacan: Swim, Hooligan, Body to Body y They don’t know ´bout us. Si te das la oportunidad de escuchar el álbum ¡Cuéntanos tu opinión! 

Twice

Es una agrupación femenina formada por 9 nueve miembros, que debutó en 2015 con el lanzamiento del mini álbum llamado The Story Begins. A nivel mundial, han recopilado distintos éxitos con canciones como Fancy, The feels, What is love?, Feel special y finalmente Can´t stop me. El último álbum de Twice hasta los momentos es This is for producido en 2025, el cual dio inicio para su gira que continuará este año. Haciendo clic aquí puedes ver en YouTube: This is for. 

BlackPink

Es otra agrupación surcoreana femenina, formada en 2016 y tiene solamente 4 miembros. BlackPink debutó ese mismo año con dos sencillos que forman parte de su primer álbum titulado Square One: Whistle y Boombayah. Desde entonces, es considerada de los grupos de K- pop más famosos, ya que cuenta con éxitos mundiales como Ice Cream en colaboración con la cantante Selena Gómez, el cual superó los 79 millones de visitas en la plataforma de YouTube cuando se publicó el video musical en 2020. Otras canciones populares son How you like that, Kill this love y Pink Venom. Este es un grupo bastante completo, ya que aparte de tener buena música, es necesario acotar que han revolucionado la industria de la moda no solo en Corea, si no a nivel mundial, por lo que su influencia es bastante elevada. 

Stray Kids

Esta agrupación de 8 integrantes masculinos se formó en 2017, aunque su debut fue el siguiente año con la canción District 9. Dentro de sus éxitos resaltan: Hellevator, Mirror, Beware, Grow up, Lose my breath y I like it. Su álbum musical más famoso es KARMA. El cual se posicionó como el más reproducido y alcanzó el puesto número 1 en Billboard durante 2025. Es definitivamente una excelente banda para disfrutar su música. 

Enhypen

Como número final en la lista, tenemos este grupo surcoreano masculino también, que está conformado por 6 integrantes.  Es de las agrupaciones de K- pop más recientes, puesto que su debut fue en 2020 con el tema Given-Taken, que pertenece a su mini álbum de 6 canciones que lleva por nombre BORDER: DAY ONE. Como dato curioso, su nombre Enhypen se deriva de la palabra guión (Hyphen en inglés), y el mensaje que quieren transmitir como grupo es “conexión, descubrimiento y crecimiento”. Dentro de sus canciones más famosas se encuentran Moonstruck, Bite me, Sweet Venom, XO, Fever y Polaroid Love. Sus composiciones tienen una temática muy actual, y son perfectos para iniciar en este género del K- pop. 

Más de música

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Los que ya habíamos seguido los pasos de la artista catalana en su gira, sabíamos que no sería un show convencional. Y es que Rosalía nos tiene acostumbrados a espectáculos rompedores y la gira de su último álbum LUX no iba a ser la excepción. La presencia escénica de Rosalía llena el espacio y lo convierte en lo que ella desea; y eso precisamente es lo que esperan todos los fans.

Rosalía: Barcelona no solo asistió al concierto, presenció casi un momento místico.

Rosalía paseó por los éxitos como Berghain, adornado al final con la remix de Conrad Taylor, La Perla, La Yugular, la emotiva Magnolias y por supuesto, una de las más esperadas Reliquia, con un guiño a este primer concierto, donde cambió la letra por: «Crecí y el descaro lo aprendí, aquí en Barcelona».

La artista dedicó unas palabras a su ciudad antes de interpretar Mio Cristo Piange Diamanti, dijo: «Siento que el corazón me iba a mil pero por una razón muy concreta, y es porque le estoy cantando a mi ciudad».

Incluso regaló a los asistentes un repaso por temas del ya icónico Motomami como CUUUUuuuuuute, Despechá o Bizcochito ¡Un lujazo!.

LUX y el desamor: Melancolía, odio y resignación.

Durante todo el concierto hubo momentos de euforia, pero también pausas que permitieron sentir la música de una forma, que pocas veces se logra en un espectáculo de este tipo. Y es que en la primera noche del tour en la ciudad condal, los asistentes se transportaron a través de la música de Rosalía viviendo intensamente todos los espectros del desamor, como lo son la melancolía, el odio y la resignación.

También hubo momentos de goce y el público río a carcajadas con la visita al confesionario de la actriz Yolanda Ramos, que explicó una anécdota sobre su relación con «una perla» (forma que ya usamos los fans de Rosalía para referirnos a un hombre, que digamos, no vale para nada).

Esta semana continúa el tour en Barcelona y la expectativa cada vez es más grande. Y es que si Rosalía está sobre el escenario, nadie puede dejar de mirar, le guste o no.

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Aquí te contamos cinco temas que vuelven a sonar con fuerza gracias a la serie y que, más allá de nostalgia, reconstruyen un momento cultural y sentimental que sigue vivo en nuestras playlists:

1. “Kiss Me” — Sixpence None The Richer

Este clásico romántico se ha convertido en sinónimo de juventud y enamoramientos espontáneos. Su habilidad para evocar emociones simples y sinceras lo hace perfecto para escenas que celebran el enamoramiento y la inocencia antes de que las complejidades de la vida adulta entren en juego.

2. “Loaded” — Primal Scream

Representa ese espíritu despreocupado de los 90, una era en la que la cultura pop parecía moverse sin filtros. La energía cruda y casi festiva de este tema subraya el contraste entre apariencias públicas y momentos privados, algo que la serie explora una y otra vez.

3. “Fade Into You” — Mazzy Star

Quizá uno de los momentos más icónicos de la década, este tema trae consigo una melancolía sutil. Su inclusión resalta no solo romanticismo, sino también una sensación de anhelo y vulnerabilidad que define muchas de las secuencias más introspectivas de la serie.

4. “Human Behaviour” — Björk

Elegida por Malone como uno de los puntos culminantes de la curaduría, esta canción introduce una textura sonora más experimental y emocional. No es solo un ejercicio de nostalgia, sino una forma de conectar la psicología interna de los personajes con una estética musical que, en su tiempo, también parecía adelantarse a su época.

5. “This Woman’s Work” — Kate Bush

Clásico atemporal que ha sobrevivido décadas por su capacidad para conmover. Colocar esta pieza en momentos de introspección o transformación le da a la serie una profundidad emocional extra, elevando la experiencia audiovisual a un nivel más íntimo y universal.

Lo que distingue la banda sonora de Love Story es que no se limita a hits fácilmente reconocibles, sino que mezcla himnos generacionales con piezas más sutiles, capaces de hablar tanto a quienes vivieron los 90 como a nuevas audiencias que ahora los están redescubriendo.

En un mundo saturado de música de fondo, estas canciones vuelven no como simples acompañantes, sino como narradoras polifónicas de una historia que sigue resonando en nosotros.

Aquí te dejamos el enlace de Spotify.

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La era que se aproxima es más que un simple retorno: es una declaración estética. La portada del disco, donde Styles posa bajo una bola de discoteca suspendida en un paisaje onírico, sugiere un enfoque sonoro más juguetón, inspirado en el disco y la nostalgia moderna — un equilibrio perfecto entre lo retro y lo futurista.

La anticipación no llegó de la nada. A principios de enero, carteles minimalistas con el mensaje “We Belong Together” aparecieron en ciudades de todo el mundo, impulsando a fans y fashionistas por igual a especular sobre lo que vendría. Esta estrategia de teaser no solo encendió las redes sociales, sino que reintrodujo a Styles como un maestro del misterio cultural, un creador que entiende que una era nueva comienza antes incluso de que suene la primera nota.

Recordemos que la gira mundial Love On Tour fue un fenómeno global para su álbum anterior, consolidándolo no solo como un músico brillante sino como un intérprete magnético cuyo estilo ha influido en wardrobes de celebrities y street style de ciudades desde Nueva York hasta Tokio. Ahora, con este nuevo capítulo, todo indica que su estética será tan celebrada como su música: piensa lentejuelas, sastrería oversize, texturas disco y una paleta cromática que hace guiños a los 70 sin perder modernidad.

Mientras el mundo espera el single principal, muchas publicaciones predicen que esta nueva era será un renacimiento sonoro y cultural.

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Del 4 al 6 de junio de 2026, el Parc del Fòrum se convertirá de nuevo en un mosaico sonoro donde el rock, el pop y la electrónica convergen con propuestas más experimentales y globales, artistas que nos harán experimentar cruces generacionales.

El cartel de este año con artistas como The Cure, Gorillaz, My Bloody Valentine, Bad Gyal, Doja Cat o Massive Attack, promete una edición épica.

Por supuesto y como cada año, te dejamos la lista de las artistas femeninas que aportarán a tu experiencia Primavera Sound 2026, distintos matices sonoros. Vamos allá:

Bad Gyal

Siempre icónica. 

Lo diremos alto y fuerte, no nos cansamos de ver es Bad Gyal. Aunque ya hemos disfrutado de su música en años anteriores, verla es una experiencia única.

Y es que Alba, no solo ha llevado el trap, dancehall y reguetón a un nuevo territorio creativo, también su figura, casi icónica, es ya parte de imaginario urbano pop de la música. Su set en Primavera será de los más esperados, especialmente porque se trata de una de las únicas grandes fechas festivaleras que ofrecerá en España en 2026.

Doja Cat

Una artista camaleónica. 

La estadounidense Doja Cat es una de las figuras más potentes del pop y hip‑hop contemporáneo. Ganadora de un Grammy y con una presencia omnipresente en las listas globales desde Hot Pink hasta Planet Her, ha demostrado que su música puede ser experimental sin perder el impacto masivo. Su inclusión en el cartel del PS26 reafirma la ambición del festival de dialogar con el pop mainstream más audaz.

Addison Rae

Del fenómeno digital, al pop más pegadizo.  

Lo que empezó con bailes virales en TikTok se ha convertido en una carrera musical para Addison Rae.

Hoy en día es una de las voces pop actuales más comentadas, su presencia en el festival refleja cómo el lenguaje digital y la música pop ahora conversan directamente en un mismo espacio. ¿Qué esperamos de su actuación? Que nos cante el temazo ft ARCA: «Aquamarine/Arcamarine». 

Ashnikko

Pop híbrido que rompe esquemas. 

Ashnikko es uno de esos fenómenos que si queremos incluir en alguna categoría nos será muy difícil.

La artista resurgió con fuerza tras viralizarse con su hit Stupid en 2019, y desde entonces ha forjado un sonido que mezcla pop, hip-hop, alt rock y electrónica con una energía casi adictiva.

Su presencia en el PS26 no solo confirma que es una fuerza creativa en expansión, sino que también promete uno de los sets más impredecibles y electrizantes del festival, esa clase de actuaciones que ponen al público en el centro del huracán sonoro, como lo hizo en la final de League of Legends de 2024 con una actuación que no se nos olvidará.

Little Simz

Redefiniendo el hip-hop

Desde Islington, Londres, Little Simz ha construido una carrera que combina la prosa incisiva del hip-hop con una musicalidad audaz y sofisticada. Simz se ha establecido como una de las voces más importantes de su generación, capaz de alternar entre narrativas íntimas y reflexiones sociales profundas.

Su música no solo domina ritmos y versos, sino que también incorpora elementos de soul, jazz y electrónica, lo que la convierte en una de las apuestas más interesantes de esta edición del festival. Además, su presencia artística trasciende la música, con incursiones en la actuación y la moda que la consolidan como una figura cultural global.

Otras artistas que no debes dejar de ver son BAMBII, Amaarae, PinkPantheress, Gisela João o Lucrecia Dalt. 

Este bloque de artistas no sólo suma nombres femeninos al gigantesco line‑up de Primavera Sound 2026, también revela una escena que está rompiendo moldes, expandiendo audiencias y ubicando a las mujeres en la vanguardia sonora del presente, posicionando al festival como una plataforma de cultura viva donde no solo se celebra la música, también a todas aquellas figuras que atraviesan las industrias creativas.

Lee sobre pasadas ediciones: https://qmode.es/primavera-sound-2025-que-ver 

Descubre más sobre el festival y sus iniciativas: https://qmode.es/nobody-is-normal

Entradas del Primavera Sound 2026.

Todavía quedan algunas entradas disponibles, pero si para el día que quieres no hay o soñabas con un abono, eres puedes apuntarte a la lista de espera y acceder a tickets de otras personas que no puedan asistir y comprarlas con total seguridad vía AccessTicket.

Compra tus entradas con seguridad solo vía la página web del festival:

https://www.primaverasound.com/es/barcelona/tickets-barcelona

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Una de las claves más potentes de Lux es cómo Rosalía echa mano de figuras femeninas de distintas culturas como fuente de inspiración para construir su narrativa. Podemos encontrar en su trabajo referencias a Santa Teresa, Juana de Arco o  Hildegarda de Bingen, entre muchas otras.

Estas mujeres no se utilizan sólo como guiños históricos, sino como arquetipos de resistencia, transformación, entrega y libertad: mujeres que, en distintos contextos, escaparon a la norma, se ofrecieron a algo mayor o redefinieron sus destinos. Rosalía parece conectar con esa línea para pensarse a sí misma: como artista, como mujer y como buscadora. El resultado es un álbum que funciona casi como un “salterio de mujeres” contemporáneas, un homenaje creativo a esa genealogía.

Un álbum que se pasea entre lo emocional y lo sagrado.

En Lux, Rosalía mueve su discurso entre lo íntimo, lo emocional y lo sagrado. Se habla de rupturas amorosas, del orgullo dañado, de la culpa, de la reivindicación, pero también de la devoción, de lo espiritual y de lo maravilloso. La misma estructura lo deja claro: dividido en cuatro movimientos y cantado en más de trece idiomas, Rosalía quiere que la obra se escuche como un viaje, no como una selección de hits.

La identidad femenina de Lux.

Otra dimensión clave es la forma en que Rosalía explora la identidad femenina desde múltiples ángulos: artista, mujer, icono, creyente, amada y también abandonada. No presenta mujeres intocables y perfectas, sino mujeres que tomaron decisiones radicales, que se liberaron del daño, que dieron forma a su voz. Y lo hace siendo consciente de que el mundo del pop tiene muchas trampas (visibilidad, explotación). Así, el álbum se convierte también en una declaración: como mujer, como artista transgresora, como creadora que no pide permiso.

Lux es ambicioso, valiente, reflexivo. Rosalía se arriesga, construye un universo propio, y lo hace apuntando a las mujeres que vinieron antes, a la espiritualidad, al corazón herido y al poder de reinventarse. Para quienes estén preparados para sumergirse, la recompensa es grande: una obra donde la luz (lux) —literalmente— se convierte en metáfora de liberación, de feminidad, de arte sin compromisos.

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Escucha el álbum aquí. 

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Desde los primeros compases, el escenario se transformó en una catedral del exceso: luces rojas, estructuras góticas, fuego, humo y un vestuario que cambiaba al ritmo de cada beat. Gaga emergió de un telón que parecía un organismo vivo y, acompañada por un cuerpo de baile impecable, enlazó clásicos como “Bad Romance”, “Born This Way” y “Poker Face” con temas de su nuevo álbum Mayhem. El resultado fue un recorrido por toda su trayectoria, pero reinterpretado desde una estética más oscura y cinematográfica.

El público, miles de “Little Monsters” entregados, respondió con una energía que hizo vibrar el recinto. En uno de los momentos más íntimos de la noche, Gaga se acercó al extremo del escenario para interpretar una versión minimalista de “Shallow”, rodeada de luces LED y con el público coreando cada verso. Ese equilibrio entre grandilocuencia y cercanía definió el tono del espectáculo.

Más allá del despliegue visual, lo que impresionó fue la solidez vocal y emocional de Gaga. Su capacidad para pasar del susurro al rugido sin perder autenticidad sigue siendo su sello distintivo. En Barcelona, reafirmó su posición como una de las artistas más completas y visionarias del pop contemporáneo.

Con Mayhem Ball, Lady Gaga no solo ofreció un concierto, sino una declaración artística: la prueba de que, incluso después de dos décadas de carrera, sigue reinventando el espectáculo y convirtiendo cada noche en una celebración de identidad, exceso y libertad.

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