Aquí te contamos cinco temas que vuelven a sonar con fuerza gracias a la serie y que, más allá de nostalgia, reconstruyen un momento cultural y sentimental que sigue vivo en nuestras playlists:

1. “Kiss Me” — Sixpence None The Richer

Este clásico romántico se ha convertido en sinónimo de juventud y enamoramientos espontáneos. Su habilidad para evocar emociones simples y sinceras lo hace perfecto para escenas que celebran el enamoramiento y la inocencia antes de que las complejidades de la vida adulta entren en juego.

2. “Loaded” — Primal Scream

Representa ese espíritu despreocupado de los 90, una era en la que la cultura pop parecía moverse sin filtros. La energía cruda y casi festiva de este tema subraya el contraste entre apariencias públicas y momentos privados, algo que la serie explora una y otra vez.

3. “Fade Into You” — Mazzy Star

Quizá uno de los momentos más icónicos de la década, este tema trae consigo una melancolía sutil. Su inclusión resalta no solo romanticismo, sino también una sensación de anhelo y vulnerabilidad que define muchas de las secuencias más introspectivas de la serie.

4. “Human Behaviour” — Björk

Elegida por Malone como uno de los puntos culminantes de la curaduría, esta canción introduce una textura sonora más experimental y emocional. No es solo un ejercicio de nostalgia, sino una forma de conectar la psicología interna de los personajes con una estética musical que, en su tiempo, también parecía adelantarse a su época.

5. “This Woman’s Work” — Kate Bush

Clásico atemporal que ha sobrevivido décadas por su capacidad para conmover. Colocar esta pieza en momentos de introspección o transformación le da a la serie una profundidad emocional extra, elevando la experiencia audiovisual a un nivel más íntimo y universal.

Lo que distingue la banda sonora de Love Story es que no se limita a hits fácilmente reconocibles, sino que mezcla himnos generacionales con piezas más sutiles, capaces de hablar tanto a quienes vivieron los 90 como a nuevas audiencias que ahora los están redescubriendo.

En un mundo saturado de música de fondo, estas canciones vuelven no como simples acompañantes, sino como narradoras polifónicas de una historia que sigue resonando en nosotros.

Aquí te dejamos el enlace de Spotify.

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La era que se aproxima es más que un simple retorno: es una declaración estética. La portada del disco, donde Styles posa bajo una bola de discoteca suspendida en un paisaje onírico, sugiere un enfoque sonoro más juguetón, inspirado en el disco y la nostalgia moderna — un equilibrio perfecto entre lo retro y lo futurista.

La anticipación no llegó de la nada. A principios de enero, carteles minimalistas con el mensaje “We Belong Together” aparecieron en ciudades de todo el mundo, impulsando a fans y fashionistas por igual a especular sobre lo que vendría. Esta estrategia de teaser no solo encendió las redes sociales, sino que reintrodujo a Styles como un maestro del misterio cultural, un creador que entiende que una era nueva comienza antes incluso de que suene la primera nota.

Recordemos que la gira mundial Love On Tour fue un fenómeno global para su álbum anterior, consolidándolo no solo como un músico brillante sino como un intérprete magnético cuyo estilo ha influido en wardrobes de celebrities y street style de ciudades desde Nueva York hasta Tokio. Ahora, con este nuevo capítulo, todo indica que su estética será tan celebrada como su música: piensa lentejuelas, sastrería oversize, texturas disco y una paleta cromática que hace guiños a los 70 sin perder modernidad.

Mientras el mundo espera el single principal, muchas publicaciones predicen que esta nueva era será un renacimiento sonoro y cultural.

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Del 4 al 6 de junio de 2026, el Parc del Fòrum se convertirá de nuevo en un mosaico sonoro donde el rock, el pop y la electrónica convergen con propuestas más experimentales y globales, artistas que nos harán experimentar cruces generacionales.

El cartel de este año con artistas como The Cure, Gorillaz, My Bloody Valentine, Bad Gyal, Doja Cat o Massive Attack, promete una edición épica.

Por supuesto y como cada año, te dejamos la lista de las artistas femeninas que aportarán a tu experiencia Primavera Sound 2026, distintos matices sonoros. Vamos allá:

Bad Gyal

Siempre icónica. 

Lo diremos alto y fuerte, no nos cansamos de ver es Bad Gyal. Aunque ya hemos disfrutado de su música en años anteriores, verla es una experiencia única.

Y es que Alba, no solo ha llevado el trap, dancehall y reguetón a un nuevo territorio creativo, también su figura, casi icónica, es ya parte de imaginario urbano pop de la música. Su set en Primavera será de los más esperados, especialmente porque se trata de una de las únicas grandes fechas festivaleras que ofrecerá en España en 2026.

Doja Cat

Una artista camaleónica. 

La estadounidense Doja Cat es una de las figuras más potentes del pop y hip‑hop contemporáneo. Ganadora de un Grammy y con una presencia omnipresente en las listas globales desde Hot Pink hasta Planet Her, ha demostrado que su música puede ser experimental sin perder el impacto masivo. Su inclusión en el cartel del PS26 reafirma la ambición del festival de dialogar con el pop mainstream más audaz.

Addison Rae

Del fenómeno digital, al pop más pegadizo.  

Lo que empezó con bailes virales en TikTok se ha convertido en una carrera musical para Addison Rae.

Hoy en día es una de las voces pop actuales más comentadas, su presencia en el festival refleja cómo el lenguaje digital y la música pop ahora conversan directamente en un mismo espacio. ¿Qué esperamos de su actuación? Que nos cante el temazo ft ARCA: «Aquamarine/Arcamarine». 

Ashnikko

Pop híbrido que rompe esquemas. 

Ashnikko es uno de esos fenómenos que si queremos incluir en alguna categoría nos será muy difícil.

La artista resurgió con fuerza tras viralizarse con su hit Stupid en 2019, y desde entonces ha forjado un sonido que mezcla pop, hip-hop, alt rock y electrónica con una energía casi adictiva.

Su presencia en el PS26 no solo confirma que es una fuerza creativa en expansión, sino que también promete uno de los sets más impredecibles y electrizantes del festival, esa clase de actuaciones que ponen al público en el centro del huracán sonoro, como lo hizo en la final de League of Legends de 2024 con una actuación que no se nos olvidará.

Little Simz

Redefiniendo el hip-hop

Desde Islington, Londres, Little Simz ha construido una carrera que combina la prosa incisiva del hip-hop con una musicalidad audaz y sofisticada. Simz se ha establecido como una de las voces más importantes de su generación, capaz de alternar entre narrativas íntimas y reflexiones sociales profundas.

Su música no solo domina ritmos y versos, sino que también incorpora elementos de soul, jazz y electrónica, lo que la convierte en una de las apuestas más interesantes de esta edición del festival. Además, su presencia artística trasciende la música, con incursiones en la actuación y la moda que la consolidan como una figura cultural global.

Otras artistas que no debes dejar de ver son BAMBII, Amaarae, PinkPantheress, Gisela João o Lucrecia Dalt. 

Este bloque de artistas no sólo suma nombres femeninos al gigantesco line‑up de Primavera Sound 2026, también revela una escena que está rompiendo moldes, expandiendo audiencias y ubicando a las mujeres en la vanguardia sonora del presente, posicionando al festival como una plataforma de cultura viva donde no solo se celebra la música, también a todas aquellas figuras que atraviesan las industrias creativas.

Lee sobre pasadas ediciones: https://qmode.es/primavera-sound-2025-que-ver 

Descubre más sobre el festival y sus iniciativas: https://qmode.es/nobody-is-normal

Entradas del Primavera Sound 2026.

Todavía quedan algunas entradas disponibles, pero si para el día que quieres no hay o soñabas con un abono, eres puedes apuntarte a la lista de espera y acceder a tickets de otras personas que no puedan asistir y comprarlas con total seguridad vía AccessTicket.

Compra tus entradas con seguridad solo vía la página web del festival:

https://www.primaverasound.com/es/barcelona/tickets-barcelona

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Una de las claves más potentes de Lux es cómo Rosalía echa mano de figuras femeninas de distintas culturas como fuente de inspiración para construir su narrativa. Podemos encontrar en su trabajo referencias a Santa Teresa, Juana de Arco o  Hildegarda de Bingen, entre muchas otras.

Estas mujeres no se utilizan sólo como guiños históricos, sino como arquetipos de resistencia, transformación, entrega y libertad: mujeres que, en distintos contextos, escaparon a la norma, se ofrecieron a algo mayor o redefinieron sus destinos. Rosalía parece conectar con esa línea para pensarse a sí misma: como artista, como mujer y como buscadora. El resultado es un álbum que funciona casi como un “salterio de mujeres” contemporáneas, un homenaje creativo a esa genealogía.

Un álbum que se pasea entre lo emocional y lo sagrado.

En Lux, Rosalía mueve su discurso entre lo íntimo, lo emocional y lo sagrado. Se habla de rupturas amorosas, del orgullo dañado, de la culpa, de la reivindicación, pero también de la devoción, de lo espiritual y de lo maravilloso. La misma estructura lo deja claro: dividido en cuatro movimientos y cantado en más de trece idiomas, Rosalía quiere que la obra se escuche como un viaje, no como una selección de hits.

La identidad femenina de Lux.

Otra dimensión clave es la forma en que Rosalía explora la identidad femenina desde múltiples ángulos: artista, mujer, icono, creyente, amada y también abandonada. No presenta mujeres intocables y perfectas, sino mujeres que tomaron decisiones radicales, que se liberaron del daño, que dieron forma a su voz. Y lo hace siendo consciente de que el mundo del pop tiene muchas trampas (visibilidad, explotación). Así, el álbum se convierte también en una declaración: como mujer, como artista transgresora, como creadora que no pide permiso.

Lux es ambicioso, valiente, reflexivo. Rosalía se arriesga, construye un universo propio, y lo hace apuntando a las mujeres que vinieron antes, a la espiritualidad, al corazón herido y al poder de reinventarse. Para quienes estén preparados para sumergirse, la recompensa es grande: una obra donde la luz (lux) —literalmente— se convierte en metáfora de liberación, de feminidad, de arte sin compromisos.

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Escucha el álbum aquí. 

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Desde los primeros compases, el escenario se transformó en una catedral del exceso: luces rojas, estructuras góticas, fuego, humo y un vestuario que cambiaba al ritmo de cada beat. Gaga emergió de un telón que parecía un organismo vivo y, acompañada por un cuerpo de baile impecable, enlazó clásicos como “Bad Romance”, “Born This Way” y “Poker Face” con temas de su nuevo álbum Mayhem. El resultado fue un recorrido por toda su trayectoria, pero reinterpretado desde una estética más oscura y cinematográfica.

El público, miles de “Little Monsters” entregados, respondió con una energía que hizo vibrar el recinto. En uno de los momentos más íntimos de la noche, Gaga se acercó al extremo del escenario para interpretar una versión minimalista de “Shallow”, rodeada de luces LED y con el público coreando cada verso. Ese equilibrio entre grandilocuencia y cercanía definió el tono del espectáculo.

Más allá del despliegue visual, lo que impresionó fue la solidez vocal y emocional de Gaga. Su capacidad para pasar del susurro al rugido sin perder autenticidad sigue siendo su sello distintivo. En Barcelona, reafirmó su posición como una de las artistas más completas y visionarias del pop contemporáneo.

Con Mayhem Ball, Lady Gaga no solo ofreció un concierto, sino una declaración artística: la prueba de que, incluso después de dos décadas de carrera, sigue reinventando el espectáculo y convirtiendo cada noche en una celebración de identidad, exceso y libertad.

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Lejos de los ritmos urbanos que la consagraron, Berghain se construye sobre una arquitectura sonora majestuosa: cuerdas, coros y percusiones de intensidad casi litúrgica. La producción —que involucra a la London Symphony Orchestra— articula un crescendo que pasa de lo etéreo a lo abrumador, con una precisión técnica que impresiona. Rosalía canta en tres idiomas —alemán, español e inglés— como quien invoca distintas dimensiones de sí misma.

La colaboración con Björk y Yves Tumor refuerza esa idea de multiplicidad. La islandesa aporta una presencia casi divina en el tramo final, mientras Tumor irrumpe con una voz carnal y desafiante. Entre ambos, la catalana equilibra lo celestial y lo terrenal, lo delicado y lo feroz. Es una comunión de fuerzas que expande los límites de la canción pop hacia lo performativo.

El videoclip, dirigido por Nicolás Méndez, traduce visualmente ese viaje. Vemos a Rosalía marchando junto a una orquesta vestida de negro a través de escenarios que oscilan entre lo cotidiano y lo mítico. Aparecen símbolos de culpa y redención —cruces, manzanas, animales cegados— que remiten tanto a la iconografía religiosa como al imaginario del club. Todo vibra con una mezcla de sensualidad y misticismo que resulta hipnótica.

Líricamente, Berghain habla del miedo, del amor y de la fusión con el otro: “Su miedo es mi miedo, su sangre es mi sangre”, recita en alemán al inicio. 

Esta canción no ha sido pensanda para sonar en todas las playlists, tampoco está hecha para que todo el mundo la entienda, aunque se pretenda que sí, convirtiéndola casi en una declaración de estatus cultural.  

Si esperas algo como Motomami, te vas a decepcionar. Con Berghain, simplemente explorarás lo inesperado. 

En tiempos donde la música pop tiende a la homogeneidad, Berghain destaca por su ambición estética y emocional. Es la declaración de una artista que se atreve a cruzar las puertas de su propio mito, invitando al público a acompañarla en un viaje donde lo divino y lo profano se funden en una sola voz.

Ve Berghain aquí. 

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Barcelona, la ciudad elegida. 

Barcelona fue la ciudad elegida por el equipo de la artista para sus únicas dos fechas en España. Al contrario de estrellas como Taylor Swift, que decidió tocar solo en Madrid, Billie se decantó por la ciudad condal para su paso por estas tierras. 

Dos conciertos que pasarán a la historia por una puesta en escena basada en una atmósfera minimalista que posicionó a la artista como punto central en todo momento. 

Además, Billie aprovechó para mostrar su lado comprometido, proyectando durante la apertura videos dedicados a acciones ecológicas vinculadas a su gira y acciones concretas para reducir la huella de carbono, minimizar los residuos plásticos, espacios donde los fans podrán conectarse con organizaciones sin ánimo de lucro y participar en actividades con impacto positivo.

El telonero del concierto fue el artista británico Tom Odell que conectó con la audiencia desde el momento que entró en el Palau, tocando algunos de sus éxitos como “Black Friday” o el himno de redes sociales “Another Love”.    

Un momento de desconexión para la artista

El portal TMZ informó que, tras (o quizá entre) los conciertos, Billie y su equipo decidieron darse un chapuzón nocturno en las playas de Barcelona. Según el portal, la cantante apareció con bikini y se lanzó a salpicar entre las olas del Mediterráneo, acompañada de amigos, disfrutando de una escapada informal bajo la luna.  Eso sí, los fans de Billie se han quejado mucho en las redes por no dejarla disfrutar con total privacidad este momento y han pedido que no se comparta el vídeo. 

El concierto de Billie Eilish en Barcelona fue una increíble experiencia para sus fans y todos los que tuvieron la suerte de asistir. 

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Esta 23.ª edición ha roto todos los récords, con más de 290K asistentes y un gran impacto global gracias a la visita de público de más de 135 países. Además, el cartel encabezado por algunas de las artistas más influyentes del momento dejó claro que el #WomenPower sigue marcando el ritmo en la industria musical actualmente. 

Charli XCX

Quien no era parte del movimiento cultural de BRAT, se apuntó a la onda esa noche. Pasada la medianoche el público del Primavera Sound esperaba con ansias a una de las presentaciones más poderosas del festival: Charli XCX. La artista, subió al escenario con una vibra impresionante. Un set inolvidable para un público que disfrutó de una “hedonistic party” cargada de fuertes conexiones visuales e interactivas.

El momento cúspide fue cuando durante “Apple”, la mismísima Chappell Roan hizo el ya famoso baile de la canción y el público enloqueció.

Sabrina Carpenter

Sabrina Carpenter fue exactamente todo lo que esperábamos. Su actuación cargada de éxitos, no dejó indiferente a ninguno de los asistentes. Acostumbrados a presentaciones marcadas hasta el milímetro, Sabrina logró conectar con el público, hablando, preguntando e incluso intentando decir palabras en español y catalán. Nuestros momentos favoritos de la noche fueron cuando cantó el cover de “It ‘s raining men” y por supuesto la esperada pose de su canción “Juno”. Definitivamente, esa noche Carpenter confirmó su estatus como una de las estrellas pop del momento. 

Chappell Roan

A quien más esperábamos este festival era a Chappell Roan. El montaje del escenario con su ya conocida decoración gótica-drag, te transportaba a una experiencia colectiva de autoafirmación donde el público no solo cantó cada una de las canciones, también se liberó.  

Interpretó los himnos queer como “Super Graphic Ultra Modern Girl” o “Pink Pony Club”, transformándose en la reina del festival y adornando la noche de forma majestuosa.  

Amaia

¿Qué podemos decir de Amaia que no dijéramos antes?

Amaia como siempre fantástica, conectando con su público, con una presentación musicalmente impecable y con su divertida actitud, fresca y desenfadada que no deja indiferente a nadie. 

Definitivamente es una artista que no nos cansaremos de ver jamás.  

#WomenPower 

Otra banda que nos encantó ver fue HAIM, que se confirmó una vez más con su indie-rock brindando una experiencia musical digna del inicio del verano. Otras artistas como FKA Twigs, Amore, BEABADOOBEE, CMAT, Judeline, Stereolab, Yoasobi y Wolf Alice aportaron con sus propuestas únicas —desde el country, dream-pop al indie con raíces electrónicas—, consolidando la diversidad sonora que caracteriza al festival.

El impacto del Primavera Sound 2025, más allá de la música. 

El festival no solo genera ingresos importantes para la ciudad, también pone en la mira a Barcelona como ciudad referente a la hora de hablar de cultura. 

Integrando espacios como el “Primavera a la Ciutat”, la iniciativa “Nobody is Normal” o el fuerte compromiso con la sostenibilidad, el festival reforzó su reputación como plataforma vanguardista. ¿Una novedad este año? Se convirtió en el primer festival en tener una restaurante de alta cocina dentro del recinto. 

El Primavera Sound cierra el 2025 con solvencia, visión y estilo propios de un festival que ya es parte intrínseca de la ciudad de Barcelona. 

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“Toda la música que he hecho… ahora me pertenece.”

Desde sus letras, sus grabaciones, hasta los visuales que acompañan su arte: todo es suyo.

Taylor explica que esta decisión no solo fue para proteger su legado, sino también para inspirar a otros artistas a luchar por sus derechos.

“Gracias por apoyarme… Las mejores cosas que me han pasado han sido gracias a ustedes.”

Un momento histórico para la industria musical y un ejemplo de fortaleza artística.

Lee la traducción de la carta publicada en www.taylorswift.com aquí:

Hola.

Estoy intentando reunir mis pensamientos en algo coherente, pero ahora mismo mi mente es solo un torbellino. Un torbellino nostálgico, alegre y agradecido. Recuperé lo que perdí hace mucho tiempo, y me lo quiero llevar conmigo por el resto de mi vida. No puedo creer que esto esté pasando. Nunca pensé que sucedería. Casi dejé de intentarlo. Casi me convencí de que no iba a suceder… después de 10 años de luchar por ello. Pero no podía dejarlo. No podía dejar de intentarlo. Y si tú estás leyendo esto, tú también formaste parte de esa lucha. Parte de por qué nunca dejé de intentarlo.

Desde que me enteré de que esto realmente iba a suceder, no podía esperar para decir esto:

Toda la música que he hecho… ahora me pertenece.

Todo mi arte musical.
Todo mi trabajo.
Mis escritos.
Mis vídeos y fotografías.
Las ilustraciones que acompañan a los álbumes.
La música. La música. La locura.
Cada nota.
Mi historia de vida.

Decir que este es el mayor sueño de mi vida hecho realidad suena como si no le estuviera haciendo justicia. A mis fans, que me apoyaron con tanto amor, incluso cuando no entendían del todo por qué estaba tan determinada a volver a grabar mi trabajo, gracias. Esta fue una elección que hice por mi bienestar y por la forma en que quiero contar mi historia. Y gracias a ustedes, eso se convirtió en una posibilidad real.

Todo lo que siempre quise fue la oportunidad de poseer mi propio trabajo. Para poder estar lo suficientemente orgullosa como para comprar mi música y mostrarla sin vergüenza en las plataformas donde consumo música. Para poder interpretarla con alegría y sin dolor. Esta fue una decisión que tomé para preservar y honrar mi pasado y mi legado. Y sé que suena tonto, pero esta fue una elección que tomé para demostrarle a los jóvenes artistas que merecen poseer su trabajo.

Sé que sabes qué pasó. (Reputation TV – total transparencia – aún no se ha regrabado porque es algo muy específico para mí). Esa época fue tan turbulenta y emocional para mí que aún estoy procesando completamente todo lo que pasó. Nunca supe si me sentiría lista para abordar ese álbum. Pero estoy trabajando en ello. Lo prometo.

Me siento profundamente conmovida por la forma en que ustedes me han respaldado en esta misión. Me han mostrado una y otra vez que creen en mí. Que creen que los artistas merecen poseer su trabajo. Que creen en mí como persona y como ser humano. Y no tienen idea de cuánto significa eso para mí. Su creencia en mí me hizo seguir adelante. Y ahora… se siente como si pudiera cerrar una puerta y mirar por la ventana a una vista llena de esperanza y gratitud.

Estoy profundamente conmovida por las conversaciones que esto ha iniciado sobre la propiedad, los derechos de los artistas y el valor de nuestro trabajo. Cada artista tiene su historia única con esto. Nada se ha sentido más personal para mí que esta reconstrucción.

Gracias por apoyarme en esto. Gracias por sorprenderme constantemente con tu pensamiento generoso y tu devoción. Me has enseñado que puede haber belleza en rehacer lo que perdiste, y fuerza en volver a hacerlo mejor que antes.

Gracias por tu lealtad, tu investigación, tu aliento…
Las mejores cosas que me han pasado en la vida han sido gracias a ti.

Emocionada y asombrada,
Taylor

Foto: Instagram de Taylor Swift

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A diferencia de sus lanzamientos anteriores, Eilish optó por no publicar sencillos previos, permitiendo que el álbum se experimente como una obra cohesiva. Esta decisión subraya su compromiso con la integridad artística y la narrativa completa del disco. El resultado ha sido un éxito rotundo: Hit Me Hard and Soft debutó en el número uno en más de 20 países, incluyendo España, y acumuló más de 500 millones de reproducciones en su primera semana, estableciendo un nuevo récord en su carrera. 

Temas como «Lunch» y «Birds of a Feather» destacan por su producción meticulosa y letras introspectivas, reflejando una madurez emocional que resuena con una audiencia global. La crítica ha elogiado la capacidad de Eilish para fusionar vulnerabilidad y sofisticación sonora, consolidando su estatus como una artista que trasciende etiquetas.

Un año después

Un año después del lanzamiento de Hit Me Hard and Soft, Billie Eilish se encuentra en la cúspide de su carrera, consolidándose como una de las artistas más influyentes de su generación. El álbum ha roto múltiples récords y se ha convertido en el álbum más famoso de la cantante. 

En términos de ventas, Hit Me Hard and Soft debutó en el número uno en 138 países, incluyendo España, donde alcanzó el primer puesto en las listas de álbumes y sigue, un año después sonando en todos y tiene por lo menos cuatro temas sonando insistentemente en las redes sociales.

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De gira…

Eilish emprendió la gira Hit Me Hard and Soft: The Tour, que inició en septiembre de 2024 y ya está en este 2025 recorriendo Europa. Los días 14 y 15 de junio, el Palau Sant Jordi de Barcelona será testigo de su propuesta escénica, prometiendo una experiencia inmersiva que combina su distintiva estética visual con interpretaciones en vivo que capturan la esencia del álbum. 

En esta gira no solo disfrutarás de la música de la artista, también participarás en un tour que promete ser uno de los más sostenibles gracias a la colaboración con la organización medioambiental REVERB. Tras el éxito de iniciativas anteriores, que generaron más de un millón de dólares para proyectos ambientales y climáticos, esta nueva etapa incluye acciones concretas para reducir la huella de carbono, minimizar los residuos plásticos y promover una alimentación basada en plantas junto a Support+Feed. Cada recinto contará con Eco-Villages, espacios donde los fans podrán conectarse con organizaciones sin ánimo de lucro y participar en actividades con impacto positivo. Además, se fomentará el uso de transporte sostenible, se ofrecerán opciones de comida plant-based y se habilitarán puntos de recarga para botellas reutilizables. También se lanzarán entradas especiales, llamadas Changemaker, cuyos beneficios se destinarán a iniciativas contra la inseguridad alimentaria y la crisis climática.

Hit Me Hard and Soft, tanto si hablamos del álbum como de la gira, no solo reafirma el talento de Billie Eilish, sino que también establece un nuevo estándar en la música pop contemporánea, demostrando que la autenticidad, sostenibilidad y la innovación pueden coexistir en perfecta armonía.

fotos de store.billieeilish.com

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