Además, es un día con un amplio contexto histórico y cultural y te lo vamos a contar. 

28 de junio de 1969: Los disturbios.

El contexto original de esta fecha, es gracias a una serie de manifestaciones espontáneas que nacieron a raíz de una redada policial en la madrugada del 29 de junio de 1969, en un bar -de ambiente gay- conocido como Stonewall Inn, en el barrio neoyorquino de Greenwich Village.

Aproximadamente entre los años 1950 hasta 1971, era rutinario que las autoridades policiales hicieran redadas brutales en este tipo de bares.

Donde los pertenecientes a la comunidad podían pasar años en la cárcel, incluso, todo el resto de su vida o podían ser recluidos en centros psiquiátricos. De hecho, eran aceptadas distintas prácticas, entre ellas la terapia de “electrochoque” para intentar “curar” a los homosexuales de sus deseos. Puesto que la homosexualidad era considerada un crimen, además de una enfermedad mental y se les llamaba “ofensores sexuales”. 

Una redada: Varias respuestas.

Fue en este día, que la comunidad que frecuentaba el bar, incluyendo personas trans, gays, trabajadoras sexuales y adolescentes sin hogar; decidieron levantar la voz y pasar de someterse pasivamente a los arrestos y diversos maltratos, a hacer frente a estos abusos. Iniciando así los primeros movimientos de lucha en busca del respeto por los derechos para la diversidad sexual y de género, y demostrar que los homosexuales y heterosexuales podían convivir juntos en una misma sociedad, sin miedo al rechazo o el desprecio. 

Estos movimientos consistían en lanzarles objetos a los agentes que perpetraron estas injusticias obligándolos a ocultarse dentro del propio bar. Y continuaron así durante varios días. 

Rompimiento del silencio y la actualidad.

Aunque en ese momento el país estaba fuertemente reprimido, Stonewal logró hacer uso de su voz y juntos rompieron el silencio – también el miedo- frente a las arbitrariedades y prejuicios que sufrían día a día. Marcando un momento de inflexión, originando así el activismo organizado globalmente hablando y convirtiéndose en un ejemplo para la comunidad actual. 

Aquí te dejamos un vídeo sobre los disturbios de Stonewal para completar tu lectura:

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Y no es una percepción. En esta edición, el 42% de los artistas programados fueron mujeres, el 41% hombres, el 15% bandas mixtas y el 1% artistas no binarios, reafirmando una idea que Primavera lleva años defendiendo: cuando un cartel es más diverso, también es más interesante.

Primavera Sound 2026: Comenzamos esta edición con Wet Leg.

Cuando esta banda apareció hace unos años parecía imposible separar el fenómeno viral del proyecto musical. Pero en Barcelona demostraron algo mucho más interesante: ya no son la banda del momento, son una banda con identidad propia. Sobre el escenario se sintieron mucho menos interesados en reproducir el personaje que Internet construyó. Manteniendo el humor, la ironía y esa capacidad para hacer que una canción parezca espontánea aunque esté perfectamente medida. Puedes leer nuestra crónica completa aquí. 

Y aunque el jueves la lluvia amenazó con cambiar el ritmo del festival por un momento, logramos disfrutar de una de las actuaciones que más queríamos ver, la de LaBlackie. Bajo una lluvia que habría vaciado cualquier otro recinto, ella siguió adelante y el público también. Hubo algo muy Primavera en ese momento: quedarse, bailar igual y convertir una situación incómoda en una anécdota más del festival.

Propuestas cargadas de originalidad y potencia.

Hay artistas que generan público y otras que generan comunidad. Lo de Ashnikko fue una celebración colectiva. El público coreó prácticamente cada canción y convirtió el concierto en una especie de rave pop, exagerada, teatral y completamente entregada. Ella dominó el escenario con una presencia inmensa.

Otro concierto que terminó convirtiéndose en conversación fue el de Amaarae. Hipnótica, elegante y completamente magnética. Su propuesta sigue demostrando que el pop global ya no necesita pedir permiso ni adaptarse a fórmulas tradicionales para llenar un escenario.

Probablemente uno de los momentos más interesantes del festival fue la actuación de Addison Rae por lo que representó. Tocando antes de The Cure, parecía que el público estaría dividido entre quienes esperaban a Robert Smith y quienes venían a verla. Pasó justo lo contrario. Las fronteras generacionales desaparecieron y durante una hora vimos convivir a fans del pop más reciente con personas que llevan décadas yendo a conciertos. Addison ya no parece una celebridad jugando a hacer música. Hay algo mucho más claro ocurriendo: está ocupando un lugar dentro del nuevo mapa del pop. Aquí en este artículo te contamos más sobre la artista. 

Vivimos algo que nos esperábamos: El show sorpresa de Olivia Rodrigo.  

La artista no solo nos regaló un set corto con sus grandes éxitos, también tocó un tema con Robert Smith de The Cure y el público enloqueció. Ver compartir escenario a una de las artistas más importantes del pop contemporáneo con uno de los grandes referentes de la música alternativa fue épico.

También volvimos a encontrarnos con PinkPantheress. Ya la habíamos visto antes, pero esta vez hubo algo diferente. Más confianza, más control del escenario, más conexión. Sigue teniendo esa delicadeza tan suya, pero ahora aparece acompañada de una seguridad que confirma que está entrando en otra etapa como performer.

Y por suerte ya hay fecha para volver.

Los tickets para Primavera Sound Barcelona 2027, que se celebrará del 3 al 5 de junio de 2027, ya están disponibles. Haz click aquí.

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Su adaptación cinematográfica, se estreno en cines el pasado 05 de junio gracias a la producción de Warner Bros España. Es por esto que aquí te explicamos un poco sobre qué trata la historia por si aún no te has leído su libro, o no estás totalmente convencido de ver la película. 

Resumen explicativo: Él duelo. 

La historia se sitúa en un pueblo costero llamado Byron Bay en Australia, siguiendo a Leah. Una chica que se siente rota y está  completamente sumida en una fuerte depresión luego de haber perdido a sus padres en un accidente automovilístico. A raíz del cual abandonó su mayor pasión: la pintura. Además, se retiró de sus estudios y se aisló completamente de su entorno social.

La narrativa tiene un tono muy nostálgico y melancólico, ya que muestra los sentimientos más profundos de la protagonista, explorando su depresión y por ende, el dolor de perder a un ser querido. Viviendo en una existencia vacía. 

Luego tenemos a Axel, es el mejor amigo de Oliver, el hermano mayor de Leah; quien tiene que mudarse de estado por trabajo. Así que le pide a su amigo que acoja a su hermana por unos meses en su casa, para que no esté completamente sola. 

El objetivo principal de Axel es ayudar a Leah a aceptar y superar su duelo, aprender a vivir con la ausencia de sus padres sin sentirse culpable por vivir, avanzar, conseguir que sea la misma chica llena de colores vivos que conocía desde hace años y por último, que vuelva a pintar. 

Esperanza y sanación.

A medida que transcurre la trama, podemos notar que Leah tiene un avance significativo gracias a los esfuerzos de Axel, haciendo que ella se permita validar y sentir sus emociones. Pasando por todas las etapas del duelo: negación, ira, negociación, depresión y finalmente aceptación. 

El hecho de que ella vuelva a pintar, nos muestra cómo el arte es un sinónimo de esperanza, ya que ella fue capaz de recuperarse poco a poco de una pérdida y sanar, utilizando la pintura como una herramienta de desahogo y expresión personal. Revelando que no siempre todo está perdido, y hay una oportunidad de continuar haciendo lo que te gusta, aunque quienes te hayan inculcado ese amor por tu pasión ya no estén en este plano terrenal (en este caso, los padres de Leah). También es importante destacar, que es esencial contar con el apoyo y cariño de personas cercanas para lograr esto. 

¿Una historia de romance?

Ya hablamos sobre temas tristes. Pero, ¿qué hay del romance? 

Aunque la trama gira en torno a lo que explicamos anteriormente, también tiene una nota romántica.  Luego de una convivencia por meses, Axel y Leah se enamoran. Durante todo el libro, ambos comparten momentos realmente lindos, un ejemplo de esto es escuchar música de los Beatles juntos, en específico las melodías de: Here comes the sun y Yellow submarine. Las cuales son nombradas en el libro y colaboran a proporcionarle esa estética nostálgica/ romántica a la historia. 

Aquí te dejamos el link de ambas canciones: 

https://www.youtube.com/watch?v=KQetemT1sWc

https://www.youtube.com/watch?v=m2uTFF_3MaA

Todo lo que nunca fuimos es, sin duda, una historia hermosa. Que nos enseña y demuestra, que el amor es paciente. Que existe la posibilidad de sanar teniendo presente a esas personas que extrañas. Y que se necesita de mucha valentía y amor por tu pasión para seguir creando cosas nuevas.  

Si te animas a leer los libros, este es el orden de lectura:

• Todo lo que nunca fuimos.

• Todo lo que somos juntos. 

En este link tienes disponible el tráiler de la película: 

https://www.youtube.com/watch?v=WMXm0KKGrdM

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Su concierto, programado justo antes de la actuación de The Cure, para nosotros, tenía algo de experimento generacional. Sobre el papel, parecía difícil imaginar a los seguidores de una de las bandas más icónicas de la historia compartiendo espacio con una audiencia que descubrió la música de artista favorita través de las redes sociales. Sin embargo, uno de los momentos más fascinantes de la jornada fue precisamente observar cómo esas fronteras desaparecían.

Mientras miles de personas esperaban la llegada de Robert Smith y compañía, el público se dejó arrastrar por una actuación electrizante, repleta de coreografías, visuales hipnóticos y una colección de canciones que demuestran por qué Addison se ha convertido en uno de los nombres imprescindibles del pop actual.

Su ascenso ha sido tan rápido como singular. Nacida en Luisiana en el año 2000, Addison Rae creció admirando a las grandes estrellas del pop de principios de siglo, especialmente a Britney Spears. Como ella misma ha contado en numerosas ocasiones, la historia de una joven procedente de una pequeña localidad que lograba conquistar la industria musical fue una inspiración fundamental durante su adolescencia.

Y esa influencia se percibe claramente en su propuesta artística. No como una simple imitación nostálgica, sino como una reinterpretación contemporánea de aquella era dorada del pop femenino. En sus canciones conviven referencias al electropop de los años 2000, la estética hiperfemenina, los ritmos bailables y una sensibilidad digital completamente contemporánea.

Lo interesante es que Addison Rae forma parte de una generación de artistas que ya no ve a Britney Spears como una advertencia sobre los peligros de la fama, sino como una pionera que abrió el camino para muchas de las estrellas actuales. Esa mirada ha contribuido a recuperar una forma de hacer pop sin complejos, emocional, divertida y visualmente ambiciosa.

En su actuación, hubo energía, carisma y una conexión constante con el público. Pero también algo más difícil de definir: la sensación de estar presenciando el momento exacto en que una artista deja de pertenecer al presente para empezar a formar parte del futuro.

Y si alguien todavía dudaba de que Addison Rae pudiera convertirse en una gran diva del pop, Barcelona acaba de ofrecer una respuesta bastante contundente.

Ve más de la actuación de Addison aquí. 

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La edición de 2026 vuelve a confirmarlo. Durante toda la semana se celebrarán un total de 335 actuaciones, repartidas entre el Parc del Fòrum y diferentes salas y espacios de Barcelona. Artistas procedentes de 37 países compartirán escenario ante un público que llegará desde 145 países distintos, convirtiendo a la ciudad en uno de los puntos de encuentro culturales más importantes del mundo.

Pero los números, por impresionantes que sean, cuentan solo una parte de la historia.

Primavera Sound 2026, comprometido con la diversidad

Desde 2019, Primavera Sound impulsa el protocolo contra agresiones sexuales y discriminación Nobody is Normal, una iniciativa que se ha convertido en una de las señas de identidad del festival. Más que una campaña, es una declaración de principios: la música solo puede disfrutarse plenamente cuando todas las personas se sienten seguras, respetadas y bienvenidas.

La misma filosofía se refleja en la composición del cartel. Este año, el 42% de los artistas programados son mujeres, el 41% hombres, el 15% bandas mixtas y el 1% artistas no binarios. Lejos de entender la paridad como una cuota, Primavera Sound lleva años defendiendo que un festival más diverso es también un festival más interesante, más representativo y, sencillamente, mejor.

Ese compromiso con el futuro también se extiende al plano medioambiental. Por quinto año consecutivo, el festival cuenta con medidas para reducir su impacto ecológico: vasos reutilizables, vajilla compostable, sistemas de hidratación gratuita repartidos por todo el recinto y una infraestructura en la que hasta el 85% de los materiales utilizados tienen una segunda vida edición tras edición.

Detrás de todo ello hay cerca de 9.000 personas trabajando para que el festival sea posible. Veinticuatro días de montaje, ocho de desmontaje y miles de horas de planificación para levantar una ciudad efímera dedicada a la música.

Quizá por eso Primavera Sound sigue siendo mucho más que un festival. Es un espacio donde conviven idiomas, identidades, culturas y formas distintas de entender el mundo. Un lugar donde la diferencia no se tolera: se celebra. Y en un momento histórico en el que tantos discursos intentan dividirnos, esa sigue siendo una de las ideas más poderosas que puede defender un escenario.

Porque si algo ha demostrado Primavera Sound es que nadie es normal. Y precisamente ahí reside toda la riqueza de una comunidad.

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Cuando el grupo apareció en 2021 con Chaise Longue, parecía uno de esos fenómenos improbables que internet genera de vez en cuando: una canción absurda, divertida y perfectamente calibrada para convertirse en obsesión colectiva. Pero lo que vino después fue mucho más grande. En apenas unos años pasaron de ser una banda de culto de la Isla de Wight a conquistar Estados Unidos, Japón, los festivales más importantes del mundo y ganar dos Brit Awards y dos premios Grammy.

El reto, como siempre ocurre con las bandas que explotan de forma repentina, era sobrevivir a su propia narrativa.

En Barcelona, Wet Leg sonó como un grupo que ya ha dejado atrás la sorpresa inicial para convertirse en una banda con identidad propia. El sarcasmo que definió sus primeros éxitos sigue ahí, pero ahora convive con una energía más sólida y una propuesta sonora mucho más ambiciosa. La evolución ya se intuía en Moisturizer, su segundo álbum, donde las canciones abandonan parte de la ironía distante de sus inicios para explorar emociones más personales, relaciones afectivas y nuevas formas de vulnerabilidad.

Buena parte de esa transformación tiene que ver con Rhian Teasdale, cuya presencia escénica se ha convertido en el centro gravitacional del proyecto. Durante los últimos años, la cantante ha hablado abiertamente sobre el vértigo de la fama repentina, los problemas de ansiedad derivados de las giras interminables y el impacto que tuvieron en ella nuevas experiencias personales que terminaron influyendo directamente en la composición del segundo disco.

Sobre el escenario del Primavera, Wet Leg ofreció exactamente lo que muchos esperaban de ellas: una confirmación.

Porque después de los premios, de los titulares y del fenómeno viral, lo realmente difícil es seguir creciendo. Y en la jornada inaugural del Primavera Sound demostraron que todavía tienen mucho que decir.

Fotos: PS 2026 · Christian Bertrand

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¿El K-Pop es el Nuevo Pop? 

Aunque el K-pop se ha posicionado como uno de los géneros musicales más influyentes, con una comunidad de oyentes de 6.1 millones, y más de 7.790 reproducciones mensuales a nivel mundial; compite en simultáneo con la música pop en listas de hits, galardones y premios. 

Las 5 bandas de K- pop que debes escuchar.

Si eres novato en este género, esta es una pequeña lista de las 5 bandas con las que puedes iniciar. 

BTS (Bangtan Sonyeondan)

Conocidos también como Bangtan Boys, es la agrupación masculina más famosa del momento con 7 integrantes y 12 años de trayectoria musical desde su debut en 2013 con la canción No More Dream. Desde principios del mes de abril han causado revuelo y emoción entre la fanaticada, ya que regresaron luego de 4 años en el servicio militar obligatorio, con un nuevo álbum llamado Arirang que puedes escuchar por este link en Spotify.Entre las canciones más reproducidas de este nuevo álbum, destacan: Swim, Hooligan, Body to Body y They don’t know ´bout us. Si te das la oportunidad de escuchar el álbum ¡Cuéntanos tu opinión! 

Twice

Es una agrupación femenina formada por 9 nueve miembros, que debutó en 2015 con el lanzamiento del mini álbum llamado The Story Begins. A nivel mundial, han recopilado distintos éxitos con canciones como Fancy, The feels, What is love?, Feel special y finalmente Can´t stop me. El último álbum de Twice hasta los momentos es This is for producido en 2025, el cual dio inicio para su gira que continuará este año. Haciendo clic aquí puedes ver en YouTube: This is for. 

BlackPink

Es otra agrupación surcoreana femenina, formada en 2016 y tiene solamente 4 miembros. BlackPink debutó ese mismo año con dos sencillos que forman parte de su primer álbum titulado Square One: Whistle y Boombayah. Desde entonces, es considerada de los grupos de K- pop más famosos, ya que cuenta con éxitos mundiales como Ice Cream en colaboración con la cantante Selena Gómez, el cual superó los 79 millones de visitas en la plataforma de YouTube cuando se publicó el video musical en 2020. Otras canciones populares son How you like that, Kill this love y Pink Venom. Este es un grupo bastante completo, ya que aparte de tener buena música, es necesario acotar que han revolucionado la industria de la moda no solo en Corea, si no a nivel mundial, por lo que su influencia es bastante elevada. 

Stray Kids

Esta agrupación de 8 integrantes masculinos se formó en 2017, aunque su debut fue el siguiente año con la canción District 9. Dentro de sus éxitos resaltan: Hellevator, Mirror, Beware, Grow up, Lose my breath y I like it. Su álbum musical más famoso es KARMA. El cual se posicionó como el más reproducido y alcanzó el puesto número 1 en Billboard durante 2025. Es definitivamente una excelente banda para disfrutar su música. 

Enhypen

Como número final en la lista, tenemos este grupo surcoreano masculino también, que está conformado por 6 integrantes.  Es de las agrupaciones de K- pop más recientes, puesto que su debut fue en 2020 con el tema Given-Taken, que pertenece a su mini álbum de 6 canciones que lleva por nombre BORDER: DAY ONE. Como dato curioso, su nombre Enhypen se deriva de la palabra guión (Hyphen en inglés), y el mensaje que quieren transmitir como grupo es “conexión, descubrimiento y crecimiento”. Dentro de sus canciones más famosas se encuentran Moonstruck, Bite me, Sweet Venom, XO, Fever y Polaroid Love. Sus composiciones tienen una temática muy actual, y son perfectos para iniciar en este género del K- pop. 

Más de música

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Algo grande que inició en 1977

Desde su creación en el año 1977, de la mano del Consejo Internacional de Museos (ICOM) , este evento se celebra anualmente cada 18 de mayo, con el objetivo de resaltar y dar suficiente importancia al papel que desempeñan los museos como centros de intercambio cultural y guardianes de la memoria. 

Con el paso de los años ha alcanzado niveles muy altos de popularidad, con la participación de más de 90 países y 20.000 Museos. 

Un día de entendimiento y entretenimiento

El ICOM, como encargado de la organización, coordinación y promoción del evento; cada año escoge un tema de relevancia para realizar las respectivas exposiciones, exhibiciones, visitas guiadas, conversatorios y otras actividades presenciales. Todo esto gratuito . 

El tema de este año es Museos uniendo un mundo dividido, el cual nos invita a ver este día con un enfoque diferente. Percibiendo los museos como espacios seguros no solo para la recreación, si no como puentes para el diálogo, la inclusión, y la paz sin distinciones, logrando que diversas culturas compartan juntas en un mismo lugar. 

El día también está dedicado a los distintos profesionales del área que trabajan en los museos. Dándoles la oportunidad de compartir e informar, mediante encuentros públicos, sobre los desafíos que enfrentan a diario para ofrecer un buen servicio. Esto para sensibilizar a los espectadores y hacerles saber, que estos centros están permanentemente a la disposición y servicio de la sociedad y su desarrollo. Ya que dentro de sus muchas funciones abiertas al público están la adquisión, conservación, investigación y exhibición del patrimonio material de la humanidad, con fines educativos, de estudio y de hobby.

En conclusión, el “Día Internacional de los Museos”, sirve principalmente para concienciar al público sobre los retos actuales que presentan todos los museos del mundo en el desarrollo de la sociedad a nivel internacional. 

¡Te invitamos este 18 de mayo a asistir a un museo cerca de donde vivas y vivir esta bonita experiencia! 

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Pero una pregunta muy interesante es ¿quién fue la pionera de la Met Gala?

Met Gala: Todo comenzó en 1948 

Muchas veces conocemos una cosa común, pero no todo el extenso detalle detrás de esta. La Met Gala, anteriormente llamada “La Fiesta del Año”, fue fundada en 1948 por el publicista Eleanor Lambert, dos años después de que el Instituto del Vestido se trasladará al Museo de Arte Metropolitano. 

Inicialmente era solo una cena benéfica, ya que tenía como objetivo recaudar fondos para cubrir todo el presupuesto anual del Instituto del Vestido y poder financiar la conservación y exposición de piezas de moda históricas. En ese entonces, el ticket de entrada tenía un costo de 50$. Monto que fue escalando con el paso de los años hasta convertirse en más de 25.000$ por ticket. En la actualidad los precios oscilan entre 50.000$ y 300.000$. 

No fue hasta 1960 que la celebración se trasladó al Met. Desde entonces la Gala se ha celebrado en diferentes partes del Museo Metropolitano como el Templo de Dendour, el balcón y el Ala Americana.

El evento creció, sobre todo en fama, cuando en 1972 la ex Editora de la revista Vogue, Diana Vreeland, fue designada como encargada de organizar todo lo relacionado con el evento, como consultora especial del instituto. La primera exposición de Vreeland sería el siguiente año celebrando el trabajo del reconocido diseñador Cristian Balenciaga. 

Diana Vreeland murió en 1989 y dentro de sus exhibiciones más recordadas se encuentra la retrospectiva sobre el modista argentino Yves Saint Laurent.

Finalmente, en el año 1995 Anna Wintour asumió el cargo de co-presidente. Y desde entonces, bajo su liderazgo, la Met Gala se ha convertido en uno de los eventos más importantes del mundo de la moda y del espectáculo, mezclando la alta costura con la cultura pop. Todo esto gracias a la asistencia de celebridades de la industria del cine, la moda, y la música. 

En los últimos años, las exposiciones del Instituto de la Moda han atraído entre 500.000 y 600.000 espectadores en un periodo de aproximadamente tres meses. Demostrando un aumento del interés por la integración de la moda junto con la cultura popular. 

La Met Gala actualmente 

Actualmente la Met Gala, mantiene su objetivo inicial y es considerada “El Óscar de la Moda”. Es, en pocas palabras, un espacio para conmemorar y celebrar la moda. Es por esto que cada año hay una temática distinta y los artistas deben presentar sus mejores looks relacionados o inspirados en ella. La velada, por otro lado, consiste en una alfombra roja -toma de fotos, videos y entrevistas a los artistas- un cóctel, la visita a la exposición y una cena.

La próxima gala, será este 04 de mayo. Y según Vogue, el código de vestimenta será: La moda es arte, y el tema: Costume Art. 

Ambas están fuertemente ligadas, e invitan a los asistentes a experimentar el arte como una forma de expresión utilizando su propio cuerpo como un lienzo en blanco para combinar colores y texturas, logrando una conexión directa entre el cuerpo y la vestimenta. 

Como nota final,  diremos que el evento inspira a aceptar el rol central de la moda como un arte de mera contemplación, capaz allí reside el éxito de esta gala. 

Puedes echar un vistazo a esta cuenta creada por fans para la Met de este año.   

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Todos conocemos la icónica primera entrega de El diablo viste de Prada, estrenada en el año 2006. Una representación muy clara y objetiva no solo del amplio mundo del glamour y el espectáculo, si no de como este tiene influencia en la cultura popular y social. La primera película recalca la importancia del estilo personal en el universo fashion y está basada en el libro titulado Revenge Wears Prada: The Devil Returns, escrito y publicado en el año 2003 por la autora Lauren Weisberger, quién trabajó como segunda asistente de Anna Wintour, editora jefa de la influyente revista de moda Vogue desde 1988 hasta el el año pasado.

En la primera entrega de El diablo viste de Prada, el personaje que interpreta a Anna Wintour, llamada Miranda Priestly, es interprtada por la ya icónica Meryl Streep y es uno de sus papeles favoritos. 

El diablo viste de Prada, un clásico de la cultura POP. 

Poder, exigencia, estilo. Estos adjetivos no solo definen el ecosistema de la moda, sino que sirven como el resumen perfecto de esta película que ya es un clásico de la cultura pop. Por eso, queremos enumerar los mensajes clave por los que nos encanta. 

1. La moda es un método de expresión individual personal. Muestra emociones, sentimientos, historias, vivencias, personalidad y cualidades.
2. Sal de tu zona de confort. Es bueno salir de nuestra zona de confort, y mejorar cada día como persona para así explorar y explotar nuestro potencial al máximo.
3. No abandones tus sueños por nadie. Nos enseña que no debemos dejar de perseguir nuestros sueños por terceras personas. Por ende, se recalca que tener buenas amistades es indispensable para un buen crecimiento profesional.
4. El esfuerzo es la clave. Debes esforzarte por alcanzar lo que deseas lograr.

Por último y no menos importante, la número 5 es: Mantener nuestra autenticidad.

Autenticidad es una palabra muy curiosa. El influyente escritor y filósofo suizo Jean- Jaques Rousseau, sugiere que la autenticidad es “la sinceridad con uno mismo”. Y critica la inautenticidad como producto de la presión o competencia social que obliga a las personas a mostrarse de manera distinta a lo que realmente son, solo para obtener reconocimientos, o simplemente aceptación social.

Si volvemos al mensaje de la película, se interpreta como la importancia de no perder u olvidar aquello que nos hace quienes somos, vestimos o hacemos, solo por un empleo; conforme buscamos el éxito profesional. Así que si te sientes feliz y complacido/a de ser quien eres, no permitas que tu entorno laboral, social u amistoso, decidan por ti, el cómo debes actuar.

¿Y tú cómo definirías la película?.

¿Qué opinión/ mensaje te dejó El diablo viste de Prada?

¿La moda es expresión o superficialidad?

Ve el trailer de la segunda entrega de El diablo viste de Prada haciendo click aquí.

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