La creación hecha por Chris Carter desarrolló temáticas que te hacían cuestionar qué era real y qué no, el pasado y el futuro. A diferencia de sus programas contemporáneos como ER o La ley y el orden, estos estaban más abiertos a asuntos paranormales. También, nos hizo conocer otra manera de hacer televisión y dejó un legado en el género de ciencia ficción que debemos saber.

Creó un nuevo formato para seriados

A finales de los ochenta, la televisión estaba cambiando, dejando de ser como la conocíamos. Las historias comenzaron a tomar elementos del cine para hacer narrativas más complejas. Años después, apareció The X-Files con una manera de hacer seriados inspirada en Moonlighting y Twin Peaks, esta última de David Lynch. Del primero tomó que fueran dos detectives (con tensión romántica) que investigaban un caso distinto en cada episodio. Del segundo que tuviera una sinopsis general que iban desarrollando en simultáneo a las indagaciones de cada episodio y añaden elementos distintos que en este caso eran paranormales. Esto es algo que se repite en los últimos años como The Mentalist y Supernatural.

Fueron el primer drama político

El tema central nunca fue el posible romance entre Scully y Mueller o el horror que generaba las situaciones en las que ellos estaban, era la crítica al gobierno de los Estados Unidos por sus acciones durante la Guerra Fría. Ellos mencionaban los eventos que sucedieron durante los mandatos de JFK, Roosevelt y otros, los miles de experimentos que ocultaron, pero que realizaron para mantenerse delante de los rusos.

Después del estreno de The X-Files, muchas series, entre ellas Homeland y Scandal, intentaron hacer un trabajo similar, sin lograr ser tan reales o críticas verdaderas porque terminaban siendo solo escapismos para su público. Los expedientes secretos X pudieron cuestionar teorías conspirativas de una manera comercial sin censurarse.

The X-Files: Supieron cómo crear su propio universo

Al igual que su antecesor, Twin Peaks, también supieron crear un mundo más complejo, lleno de mitologías y huevos de Pascuas que hacían referencia a otros elementos dentro de la serie. En ninguno de sus episodios había algo que no estuviera conectado a otro hecho, todo estaba planeado con mucha antelación, nada era arbitrario. Además, poseen personajes multidimensionales, lo cual no pasaba en los dramas policiacos de ese tiempo. Por eso podemos ver ahora nuevas historias que utilizan estos elementos para poder crear historias memorables.

The X-Files fue un producto audiovisual que duró 11 temporadas, tiene tres películas y mucho material detrás. Pero que aunque no fue el primero en crear sus propuestas, sí supo innovarlas, hacerlas suyas y promoverlas para que cambiara la manera en la que se hacía ciencia ficción. Gracias a ellos creemos —y sabemos— que hay algo más afuera y que poco a poco lo iremos conociendo.

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Jeanne Lanvin

A pesar de que cuando pensamos en las primeras casas de moda siempre nos viene a la mente Charles Frederick Worth, una de las primeras mujeres en crear su marca fue Jeanne Lanvin en 1889. En sus inicios, se inspiró en su hija, Marguerite, para diseñar vestidos para niñas pequeñas y sus mamás con detalles de bordados delicados. En los años veinte, se expandió a ropa deportiva, abrigos, ropa de hombre y fragancias, hasta convertirse en lo que conocemos actualmente como Lanvin.

Claire McCardell

La creadora de la moda estadounidense que sigue presente actualmente es, nada más y nada menos que, Claire McCardell, quien diseñaba piezas funcionales y elegantes como vestidos con bolsillos, multifuncionales, vestidos de verano hechos de algodón, estampados de cuadros y de jean. Su estilo conquistó los corazones de miles de mujeres durante los años treinta, cuarenta y cincuenta, convirtiéndose en el predominante en el mundo de la moda y haciendo que sus siluetas sigan siendo importantes en la actualidad.

Mary Quant

El origen de la minifalda en los años sesenta tiene la firma de Mary Quant. Ella encontró la inspiración en King’s Road, Londres, donde las jóvenes las usaban. Pero ella quiso traerlas a la vida en faldas y vestidos coloridos y divertidos con los que, según cuenta, pudieran moverse, correr y saltar. De esa manera, revolucionó la industria y ayudó a que muchas mujeres se sintieran libres, reflejando la cultura del momento en la que se estaban luchando por los derechos de las mujeres con el segundo movimiento feminista.

Vivienne Westwood

En los setenta, apareció en las calles de Londres una boutique llamada “SEX”, creada por Vivienne Westwood. Su ideal es capturar el ADN de la mujer irreverente e impresionante. Es conocida por ser la reina del punk por ser quien tuvo la visión de hacer couture las piezas de ropa rotas, corsets, pins, cremalleras, cuero, látex y elementos de bondage que seguimos viendo en todas las pasarelas. 

Carolina Herrera

En Caracas, Venezuela, nació la creadora del estilo elegante sin esfuerzo que conocemos y tanto amamos, Carolina Herrera. Gracias a su amiga y editora en jefe del momento de Vogue, Diana Vreeland, creó su propia línea de ropa que se presentó por primera vez en el Club Metropolitano de Manhattan en 1981. En cada una de sus colecciones, se pudo ver cómo su esencia fue evolucionando para mantenerse siempre actual y versátil sin perder la clase que tanto la caracteriza e identifica.

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Son miles las historias de amor que cada año llegan a la gran pantalla pero pocas las que marcan a una generación.

No basta con la simple narración de un hecho pasional; aquellas que consiguen su lugar en la memoria colectiva son producto de muchos factores, entre las que se pueden contar la complicidad de los protagonistas, la naturalidad del guión y, como no, un desenlace creíble y posible. Por ello, en 2020 celebramos los 25 años de “Antes del amanecer”, la historia de Jesse y Céline.

El film de Richard Linklater no fue un éxito de taquillas (apenas recaudó algo más de 17 millones de dólares). Esto supuso su rápido paso a formatos más populares, tales como el hoy olvidado VHS o los canales de televisión por cable..

El libreto de “Antes del amanecer” no encerraba mayor complejidad. Sin embargo, un guión creíble y fluído, sumado a la química que hubo entre Ethan Hawke y Julie Delpy, ayudaron a que la sencillez venciera al olvido.

El film narra la historia de un estudiante norteamericano (Jesse) que viaja por Europa y conoce, en un tren camino a Viena, a una estudiante francesa (Céline). Aquel encuentro deriva en un posterior paseo por la ciudad austríaca en el que las conversaciones son tan variadas como impredecibles.

Es tal el grado de complicidad entre ambos que al despedirse prometen reencontrarse, seis meses después, en el mismo andén del tren. Es ese el instante mágico en el que el cine traspasa la pantalla y se instala en lo real: el flechazo ya no es cosa de ellos sino que le pertenece a todos los espectadores, quienes empiezan a imaginar aquel reencuentro como algo propio e innegable.

La película es la representación de una vivencia del propio Linklater,.

En el año 1989, durante una visita a su hermana, el director conoció a una chica en una juguetería. La conexión fue instantánea y lo que vivieron, salvando algunos detalles, es lo que años después conocimos como la historia de Jesse y Céline.

«Antes del amanecer» la primera de una trilogía 

Le siguieron “Antes del atardecer” (2004) y “Antes de la medianoche” (2013). No obstante, este año celebramos ese primer encuentro, el primer paseo y, por supuesto, aquel inolvidable primer beso ya hace 25 años de “Antes del amanecer”.

Otro de los clásicos de cumple 30 años Ghost 

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No solo fue famoso por su música también por sus innumerables alter egos que marcaron una generación. Con su estilo lograba mostrar que lo diferente era igual de interesante y que no siempre se debía vivir dentro de los convencionalismos.

Con un físico muy peculiar y ojos disparejos, David Bowie se aventuró -como él mismo dijo- a contribuir con la cultura en la que vivía, sin prejuicios.

Monos ajustados, plataformas, ropa en colores llamativos, maquillaje y cortes sacados de la una película de ciencia ficción, estaban a la orden del día. Aquí algunos de sus looks más famosos.

The Man Who Sold The World, un andrógino David Bowie.

Michael Fish fue el encargado de diseñar el vestido que luciría Bowie en la portada de este disco. Un vestido que hacia viésemos a un David Bowie andrógino, una característica que le acompañaría toda su vida y que se convertiría en un sello de identidad.

Este look fue muy polémico. Bowie afirmo que en algunos lugares más convencionales inclusive la gente le amenazó.

Ziggy Stardust, unos de los alter egos más emblemáticos de Bowie.

Su monos espaciales eran una de las características más llamativas de este personaje extraterrestre que venía a llenar el planeta de esperanza. Como este alter ego tenemos algunos de los look más llamativos de Bowie.

El diseñador Kansai Yamamoto diseño una de las piezas más increíbles y vanguardistas para David Bowie. Este mono con piernas abombadas y rayas ha sido inspiración para marcas contemporáneas. Con Yamamoto, Bowie tendría una fructífera relación creativa.

«Hay un hombre de las estrellas esperando en el cielo. Nos ha dicho que no le hagamos explotar porque sabe que merece la pena». Starman

The Thin White Duke

El disco se llamaba Station to Station y con él nacía en otro alter ego de Bowie The Thin White Duke. Un personaje vestido de cabaret que  ya había dejado verse en la gira de 1975 del artista.

Siempre iba con pantalones ajustados negros, chaleco y camisa blanca.

Algunos dicen que este era el personaje más normal de Bowie, aunque muchos describieron a este Duque Blanco como «un aristócrata loco».

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Laberinto, en las manos de Jim Henson.

En 1986 fue parte del elenco de la película dirigida por Jim Henson -el padre de Los Muppets- Laberinto.

En esta película hacía del Rey de los Duendes y se movía en un universo místico, lleno de criaturas extrañas y música. Aquí Bowie dejó no solo ver todas sus aptitudes actorales, también pudo vivir la fantasía de pertenecer a un mundo lleno de criaturas fantásticas.

En los tiempos que corren muchos piensan que los artistas que se pintan las uñas o usan ropa excéntrica están inventando una nueva forma de expresión. La próxima vez que veas a alguien impresionado por la osadía estética del artista de turno, recuerda que hace décadas ya un artista lo hizo: David Bowie.

¿Quieres saber más sobre Bowie? Puedes encontrar mucha info en la colección de Taschen del artista.

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Fue una sesión antes de un concierto en Nueva York, donde el fotógrafo logró captar toda la esencia del artista y realizó una serie que quedará en la memoria de los fans -y no tan fans- de Nirvana. Kurt  Cobain no se quitaba sus gafas blancas (o rojas) de Christian Roth. 

Esas gafas que discrepaban totalmente con el look descuidado y desprendían elegancia, eran en definitiva una elección inesperada.

No se sabrá nunca el motivo por el cual Kurt uso estas gafas pero la verdad es que se convirtieron en un ícono.

De Audrey Hepburn a Kurt Cobain, pasando por Bad Bunny

Estas tendencia no es una creación del grunge y tampoco de los cantantes de trap.

Antes en 1966, Audrey Hepburn las utilizaba de Oliver Goldsmith y las convirtió sin quererlo en una prenda atemporal, esas que vuelven cada tanto tiempo.  

Audrey o Kurt no imaginarían que estas gafas se abrirían un espacio en el look de los artistas de música urbana de todo le mundo.

Las Clout Goggles son un accesorio obligado no solo a pie de calle, también para las nuevas generaciones de artistas que se unen a la moda en 2020 (y que por lo visto no parece parar). Y es que se han convertido en una herramienta que se podría catalogar de musical para artistas como J Balvin, Bad Bunny o Wiz Khalifa. 

Capaz aquí es donde el grunge y el trap se unen definitivamente.

Las gafas de los influencers

Su nombre nos puede dar pista de su nicho, clout significa influencia, así que son como unas «gafas de influencer», aunque cuesten 6 euros en Internet y todo el mundo las tenga.

Se dice que en 2017 el rapero Denzel Curry las bautizó en un video diciendo: «These ain’t glasses, baby, these are Clout Goggles»/ «Estas no son gafas, bebé, estas son las Clout Goggles». Se dice en la red que gracias a Curry Urban Dictionary las incluyó en su sitio web.  

Pero como siempre, no se sabe a ciencia cierta quién fue el primero que las comenzó a llamar así y tampoco quién fue el primero que las usó.

Los influencers las lucen en sus redes sociales con bastante frecuencia y parece que se han convertido más de 25 años después en uno de los accesorios más comprados. 

Solo en Instagram hay más de 72.000 publicaciones son el HT #CloutGoggles y las gafas se han convertido inclusive en protagonista de memes.

El futuro

Decir esto sería como definir el futuro de la industria de la moda, así que no podemos decir que pasará con estas gafas. Capaz en un año la tenemos dando vueltas de nuevo por la escena musical  y del mundo influencer.

Estas gafas se han convertido en un accesorio tan visto que comienza a cansar, aunque te afirmamos sin ningún temor, nos encantan nuestras Clout Goggles. 

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Marty McFly en total denim

Es verdad que el chaleco rojo es una de las prendas más recordadas del vestuario, pero es que uno de los looks más geniales y que pueden considerarse muy actual es el total denim que usa el personaje. Marty no se cambia mucho de ropa en las películas, pero cuando lo hace queda grabado en nuestra pupila, como si fuese nuestro primer beso.

La maxi cazadora de jean con interior estampado, los Nike blancos y las gafas de aviador podrían ser un look que viésemos en cualquier calle de Madrid o Barcelona.

¿Quién no ama esa chaqueta con texturas de jean y mangas gigantescas? Es una prenda que podrías combinar con cualquier otro color sin problema y en invierno utilizarla con alguna sudadera por debajo sería muy cómodo.

Capa sobre capa

Jennifer interpretada por la actriz Claudia Wells es la novia de Marty. Su vestuario es una absoluta maravilla. Una mezcla de estampados y colores muy propias de la época de los 80´s pero que ahora vuelve y que nos encantaría llevar a cualquier lugar.

También el look de Marty compuesto por estampados mezclados es una maravilla.

Otro de los fashion icons de la película son las gafas que utiliza el personaje, vemos sus gafas de maxi aviador y las famosas wayfarer de Rayban que Marty combina con un sombrero y una cazadora de piel negra o con su look de jean. Estas gafas se convirtieron en el must de una generación.

Michael J. Fox su estilo marcaba también fuera de las cámaras

Para la generación que creció con estas películas el personaje de McFly era un referente absoluto y todos querían copiar su estilo, pero Michael J. Fox tenía un estilo increíble detrás de cámaras.

Los últimos looks de los que hablaremos pueden ser nuestros favoritos pero no salieron en la película. Si nos centramos en sus looks a pie de calle Fox podría ser considerado una especie de James Dean moderno.

Se podría ver al actor con camisas ajustadas y pantalones de pinzas, siempre combinados con elementos más modernos como zapatillas o gafas.

Marty McFly ¿Quieres copiar su estilo?

En estos tiempos no es difícil copiar el estilo de Marty McFly, inclusive Nike ha sacado al mercado en 2016 una edición limitada de las mismas zapatillas futuristas que uso en una de las películas, aunque te advertimos las puedes conseguir desde 999 euros a 30.000 euros en Internet, lo que las convierte en una prenda no para todos los bolsillos.

Ahora sí lo que quieres es usar las clásicas zapatillas Nike blancas que acompañan al personaje a lo largo de la película, pues las tienes en Internet a un precio más razonable, menos de 100 euros.

Hoy es un buen día para sentarte a ver la trilogía de «Volver al futuro», eso sí con una libreta en la mano para apuntar las tendencias. Verás como ves detalles muy actuales en su vestuario ¿Te animas?.

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De la subcultura skate al streetwear

Con la popularidad del skate vino la popularidad de los skaters y todo lo que los rodeaba. Cuando John «Hut» Hutson, Tony Alva, Rodney Mullen o  Patti McGee hacían un heelflip o un ollie, siempre había una multitud mirando. No miraban solo lo que hacían, sino también lo que llevaban puesto. Muy pronto las zapatillas para skate pasaron a ser objeto de deseo más allá del mundo skate.

Para la década de los 90, el estilo de vestir skate ya era mainstream. Su popularidad puede haber fluctuado, pero nunca ha desaparecido y en los últimos años se ha mantenido al alza. Es un look inconfundible en el que la ropa es suelta, cómoda, funcional. Los pantalones cargo, largos o hasta las rodillas. Las camisetas o sudaderas, extra grandes. Son las señas de identidad clásicas del skater, detrás de las que están marcas icónicas como Vans, Thrasher, Emerica y Undefeated.

Hace unos años, sin embargo, el estilo skate irrumpió en el mundo de la ropa de lujo y la alta costura. En la memoria colectiva ha quedado el desfile de Dior Homme de otoño 2016, para el que Kris Van Assche ideó un escenario marcado por luces de neón que parecían imitar las estructuras de concreto de un skate park. En la ropa, un traje entallado bajo un pantalón cargo. Gucci y Louis Vuitton también se han dejado seducir por la estética del monopatín.

Mucho más que unas zapatillas guapas

En el skating, el calzado es un elemento casi tan importante como la propia tabla. Aunque a simple vista no se note, hay diferencias importantes entre las zapatillas para skate y todas las demás.

Para empezar, las suelas, que en las zapatillas de skate son planas, con mucho agarre, flexibilidad y, sobre todo, lo suficientemente delgadas para poder sentir la tabla. La suela tipo cup sole es muy popular, pues la forma en la que rodea la parte superior del zapato protege los sufridos talones y tobillos de la skater.

Es una característica fácilmente reconocible en modelos tan populares como las Numeric 306 y Numeric 272 ORB de New Balance; las colaboraciones de DC con Carrots y Pop Trading; y las AB VMoo2 de Last Resort, la marca del skater sueco Pontus Alv, el fundador de Polar Skate Co.

Y hay otra característica de las zapatillas para skate de la que somos muy fans: son unisex. Rayssa Leal y Leticia Bufoni pisan la tabla con los mismos modelos que Kelvin Hoefler y Nyjah Huston. Y con el mismo virtuosismo.

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El primer paso es no suscribirte a todo.

Formularios online, newsletters, sorteos y descargas “gratuitas” suelen pedir más datos de los necesarios. Antes de introducir tu correo o teléfono, pregúntate si realmente necesitas ese contenido. Lo mismo aplica al mundo offline: tarjetas de fidelización, rifas en centros comerciales o encuestas rápidas también recopilan información que luego se almacena y vende.

Segundo: nunca marques la casilla de ceder tus datos a terceros.

Muchas veces aparece preseleccionada de forma casi invisible. Detente, revisa y desmárcala siempre. Esa casilla permite que tu información circule entre empresas que no conoces y que no puedes controlar.

Tercero: usa contraseñas únicas y fuertes.

Repetir la misma contraseña en varias plataformas es uno de los errores más comunes. Un solo fallo puede abrir la puerta a múltiples cuentas. Los gestores de contraseñas ya no son un lujo, sino una herramienta básica.

Cuarto: desconfía del “gratis”.

Si una app o servicio no cuesta dinero, probablemente el producto seas tú. Revisa permisos, especialmente acceso a contactos, micrófono o ubicación, y limita lo innecesario.

Por último: actualiza tus dispositivos y aplicaciones.

Muchas brechas de seguridad se aprovechan de versiones antiguas. Las actualizaciones no solo añaden funciones: corrigen vulnerabilidades.

Proteger tus datos no significa vivir con miedo, sino con criterio. En Internet, la privacidad no se pierde de golpe, se diluye poco a poco. Recuperar el control empieza por pequeños gestos diarios.

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Aquí te contamos cinco temas que vuelven a sonar con fuerza gracias a la serie y que, más allá de nostalgia, reconstruyen un momento cultural y sentimental que sigue vivo en nuestras playlists:

1. “Kiss Me” — Sixpence None The Richer

Este clásico romántico se ha convertido en sinónimo de juventud y enamoramientos espontáneos. Su habilidad para evocar emociones simples y sinceras lo hace perfecto para escenas que celebran el enamoramiento y la inocencia antes de que las complejidades de la vida adulta entren en juego.

2. “Loaded” — Primal Scream

Representa ese espíritu despreocupado de los 90, una era en la que la cultura pop parecía moverse sin filtros. La energía cruda y casi festiva de este tema subraya el contraste entre apariencias públicas y momentos privados, algo que la serie explora una y otra vez.

3. “Fade Into You” — Mazzy Star

Quizá uno de los momentos más icónicos de la década, este tema trae consigo una melancolía sutil. Su inclusión resalta no solo romanticismo, sino también una sensación de anhelo y vulnerabilidad que define muchas de las secuencias más introspectivas de la serie.

4. “Human Behaviour” — Björk

Elegida por Malone como uno de los puntos culminantes de la curaduría, esta canción introduce una textura sonora más experimental y emocional. No es solo un ejercicio de nostalgia, sino una forma de conectar la psicología interna de los personajes con una estética musical que, en su tiempo, también parecía adelantarse a su época.

5. “This Woman’s Work” — Kate Bush

Clásico atemporal que ha sobrevivido décadas por su capacidad para conmover. Colocar esta pieza en momentos de introspección o transformación le da a la serie una profundidad emocional extra, elevando la experiencia audiovisual a un nivel más íntimo y universal.

Lo que distingue la banda sonora de Love Story es que no se limita a hits fácilmente reconocibles, sino que mezcla himnos generacionales con piezas más sutiles, capaces de hablar tanto a quienes vivieron los 90 como a nuevas audiencias que ahora los están redescubriendo.

En un mundo saturado de música de fondo, estas canciones vuelven no como simples acompañantes, sino como narradoras polifónicas de una historia que sigue resonando en nosotros.

Aquí te dejamos el enlace de Spotify.

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Muchas personas gastan grandes cantidades de dinero en rutinas complejas que, lejos de mejorar la piel, la irritan, la sensibilizan o simplemente no aportan beneficios reales. El problema no es el cuidado facial, sino el exceso.

Una rutina eficaz se basa en lo esencial: limpieza suave, hidratación adecuada y protección solar diaria. Todo lo demás debería responder a una necesidad concreta, no a una tendencia viral. Usar varios productos con activos similares —retinol, ácidos, exfoliantes— puede provocar el efecto contrario al deseado.

Simplificar no significa abandonar el cuidado, sino entender tu piel. No todas necesitan sérums múltiples ni tratamientos intensivos. De hecho, muchas barreras cutáneas se dañan por sobretratamiento, generando dependencia constante de nuevos productos para “arreglar” problemas creados por la propia rutina.

Además, el skincare se ha convertido en una forma de consumo aspiracional. Compramos promesas, no siempre resultados. Simplificar también es una decisión económica y mental: menos pasos, menos gasto, menos ansiedad por “hacerlo mal”.

Escuchar a profesionales, introducir productos de uno en uno y dar tiempo a la piel para reaccionar suele ser más efectivo que cambiar de rutina cada mes. La piel necesita constancia, no saturación.

Cuidarse no debería ser una carrera ni una inversión interminable. A veces, la mejor rutina es la que puedes mantener sin culpa, sin exceso y sin vaciar tu cartera.

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