Algo grande que inició en 1977

Desde su creación en el año 1977, de la mano del Consejo Internacional de Museos (ICOM) , este evento se celebra anualmente cada 18 de mayo, con el objetivo de resaltar y dar suficiente importancia al papel que desempeñan los museos como centros de intercambio cultural y guardianes de la memoria. 

Con el paso de los años ha alcanzado niveles muy altos de popularidad, con la participación de más de 90 países y 20.000 Museos. 

Un día de entendimiento y entretenimiento

El ICOM, como encargado de la organización, coordinación y promoción del evento; cada año escoge un tema de relevancia para realizar las respectivas exposiciones, exhibiciones, visitas guiadas, conversatorios y otras actividades presenciales. Todo esto gratuito . 

El tema de este año es Museos uniendo un mundo dividido, el cual nos invita a ver este día con un enfoque diferente. Percibiendo los museos como espacios seguros no solo para la recreación, si no como puentes para el diálogo, la inclusión, y la paz sin distinciones, logrando que diversas culturas compartan juntas en un mismo lugar. 

El día también está dedicado a los distintos profesionales del área que trabajan en los museos. Dándoles la oportunidad de compartir e informar, mediante encuentros públicos, sobre los desafíos que enfrentan a diario para ofrecer un buen servicio. Esto para sensibilizar a los espectadores y hacerles saber, que estos centros están permanentemente a la disposición y servicio de la sociedad y su desarrollo. Ya que dentro de sus muchas funciones abiertas al público están la adquisión, conservación, investigación y exhibición del patrimonio material de la humanidad, con fines educativos, de estudio y de hobby.

En conclusión, el “Día Internacional de los Museos”, sirve principalmente para concienciar al público sobre los retos actuales que presentan todos los museos del mundo en el desarrollo de la sociedad a nivel internacional. 

¡Te invitamos este 18 de mayo a asistir a un museo cerca de donde vivas y vivir esta bonita experiencia! 

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Pero una pregunta muy interesante es ¿quién fue la pionera de la Met Gala?

Met Gala: Todo comenzó en 1948 

Muchas veces conocemos una cosa común, pero no todo el extenso detalle detrás de esta. La Met Gala, anteriormente llamada “La Fiesta del Año”, fue fundada en 1948 por el publicista Eleanor Lambert, dos años después de que el Instituto del Vestido se trasladará al Museo de Arte Metropolitano. 

Inicialmente era solo una cena benéfica, ya que tenía como objetivo recaudar fondos para cubrir todo el presupuesto anual del Instituto del Vestido y poder financiar la conservación y exposición de piezas de moda históricas. En ese entonces, el ticket de entrada tenía un costo de 50$. Monto que fue escalando con el paso de los años hasta convertirse en más de 25.000$ por ticket. En la actualidad los precios oscilan entre 50.000$ y 300.000$. 

No fue hasta 1960 que la celebración se trasladó al Met. Desde entonces la Gala se ha celebrado en diferentes partes del Museo Metropolitano como el Templo de Dendour, el balcón y el Ala Americana.

El evento creció, sobre todo en fama, cuando en 1972 la ex Editora de la revista Vogue, Diana Vreeland, fue designada como encargada de organizar todo lo relacionado con el evento, como consultora especial del instituto. La primera exposición de Vreeland sería el siguiente año celebrando el trabajo del reconocido diseñador Cristian Balenciaga. 

Diana Vreeland murió en 1989 y dentro de sus exhibiciones más recordadas se encuentra la retrospectiva sobre el modista argentino Yves Saint Laurent.

Finalmente, en el año 1995 Anna Wintour asumió el cargo de co-presidente. Y desde entonces, bajo su liderazgo, la Met Gala se ha convertido en uno de los eventos más importantes del mundo de la moda y del espectáculo, mezclando la alta costura con la cultura pop. Todo esto gracias a la asistencia de celebridades de la industria del cine, la moda, y la música. 

En los últimos años, las exposiciones del Instituto de la Moda han atraído entre 500.000 y 600.000 espectadores en un periodo de aproximadamente tres meses. Demostrando un aumento del interés por la integración de la moda junto con la cultura popular. 

La Met Gala actualmente 

Actualmente la Met Gala, mantiene su objetivo inicial y es considerada “El Óscar de la Moda”. Es, en pocas palabras, un espacio para conmemorar y celebrar la moda. Es por esto que cada año hay una temática distinta y los artistas deben presentar sus mejores looks relacionados o inspirados en ella. La velada, por otro lado, consiste en una alfombra roja -toma de fotos, videos y entrevistas a los artistas- un cóctel, la visita a la exposición y una cena.

La próxima gala, será este 04 de mayo. Y según Vogue, el código de vestimenta será: La moda es arte, y el tema: Costume Art. 

Ambas están fuertemente ligadas, e invitan a los asistentes a experimentar el arte como una forma de expresión utilizando su propio cuerpo como un lienzo en blanco para combinar colores y texturas, logrando una conexión directa entre el cuerpo y la vestimenta. 

Como nota final,  diremos que el evento inspira a aceptar el rol central de la moda como un arte de mera contemplación, capaz allí reside el éxito de esta gala. 

Puedes echar un vistazo a esta cuenta creada por fans para la Met de este año.   

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Todos conocemos la icónica primera entrega de El diablo viste de Prada, estrenada en el año 2006. Una representación muy clara y objetiva no solo del amplio mundo del glamour y el espectáculo, si no de como este tiene influencia en la cultura popular y social. La primera película recalca la importancia del estilo personal en el universo fashion y está basada en el libro titulado Revenge Wears Prada: The Devil Returns, escrito y publicado en el año 2003 por la autora Lauren Weisberger, quién trabajó como segunda asistente de Anna Wintour, editora jefa de la influyente revista de moda Vogue desde 1988 hasta el el año pasado.

En la primera entrega de El diablo viste de Prada, el personaje que interpreta a Anna Wintour, llamada Miranda Priestly, es interprtada por la ya icónica Meryl Streep y es uno de sus papeles favoritos. 

El diablo viste de Prada, un clásico de la cultura POP. 

Poder, exigencia, estilo. Estos adjetivos no solo definen el ecosistema de la moda, sino que sirven como el resumen perfecto de esta película que ya es un clásico de la cultura pop. Por eso, queremos enumerar los mensajes clave por los que nos encanta. 

1. La moda es un método de expresión individual personal. Muestra emociones, sentimientos, historias, vivencias, personalidad y cualidades.
2. Sal de tu zona de confort. Es bueno salir de nuestra zona de confort, y mejorar cada día como persona para así explorar y explotar nuestro potencial al máximo.
3. No abandones tus sueños por nadie. Nos enseña que no debemos dejar de perseguir nuestros sueños por terceras personas. Por ende, se recalca que tener buenas amistades es indispensable para un buen crecimiento profesional.
4. El esfuerzo es la clave. Debes esforzarte por alcanzar lo que deseas lograr.

Por último y no menos importante, la número 5 es: Mantener nuestra autenticidad.

Autenticidad es una palabra muy curiosa. El influyente escritor y filósofo suizo Jean- Jaques Rousseau, sugiere que la autenticidad es “la sinceridad con uno mismo”. Y critica la inautenticidad como producto de la presión o competencia social que obliga a las personas a mostrarse de manera distinta a lo que realmente son, solo para obtener reconocimientos, o simplemente aceptación social.

Si volvemos al mensaje de la película, se interpreta como la importancia de no perder u olvidar aquello que nos hace quienes somos, vestimos o hacemos, solo por un empleo; conforme buscamos el éxito profesional. Así que si te sientes feliz y complacido/a de ser quien eres, no permitas que tu entorno laboral, social u amistoso, decidan por ti, el cómo debes actuar.

¿Y tú cómo definirías la película?.

¿Qué opinión/ mensaje te dejó El diablo viste de Prada?

¿La moda es expresión o superficialidad?

Ve el trailer de la segunda entrega de El diablo viste de Prada haciendo click aquí.

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Grenier, recordado por interpretar a Nate —el novio de Andy—, fue durante años objeto de debate: ¿era un personaje incomprendido o simplemente el obstáculo en su carrera? Su no participación reabre esa conversación desde otro lugar.

Lo interesante es cómo esa ausencia se ha capitalizado. Su reciente colaboración con Starbucks juega con la nostalgia, la cultura pop y la idea de “lo que pudo haber sido”. No necesita aparecer en la película para formar parte de la conversación.

Este tipo de movimientos reflejan una nueva lógica del entretenimiento: no todo ocurre dentro de la pantalla. Las narrativas se expanden a marcas, redes y campañas que reinterpretan personajes y momentos.

Grenier no vuelve, pero tampoco desaparece. Y en esa tensión construye relevancia. En una industria obsesionada con la presencia, saber retirarse también puede ser una estrategia.

Ve el comercial aquí.

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Los que ya habíamos seguido los pasos de la artista catalana en su gira, sabíamos que no sería un show convencional. Y es que Rosalía nos tiene acostumbrados a espectáculos rompedores y la gira de su último álbum LUX no iba a ser la excepción. La presencia escénica de Rosalía llena el espacio y lo convierte en lo que ella desea; y eso precisamente es lo que esperan todos los fans.

Rosalía: Barcelona no solo asistió al concierto, presenció casi un momento místico.

Rosalía paseó por los éxitos como Berghain, adornado al final con la remix de Conrad Taylor, La Perla, La Yugular, la emotiva Magnolias y por supuesto, una de las más esperadas Reliquia, con un guiño a este primer concierto, donde cambió la letra por: «Crecí y el descaro lo aprendí, aquí en Barcelona».

La artista dedicó unas palabras a su ciudad antes de interpretar Mio Cristo Piange Diamanti, dijo: «Siento que el corazón me iba a mil pero por una razón muy concreta, y es porque le estoy cantando a mi ciudad».

Incluso regaló a los asistentes un repaso por temas del ya icónico Motomami como CUUUUuuuuuute, Despechá o Bizcochito ¡Un lujazo!.

LUX y el desamor: Melancolía, odio y resignación.

Durante todo el concierto hubo momentos de euforia, pero también pausas que permitieron sentir la música de una forma, que pocas veces se logra en un espectáculo de este tipo. Y es que en la primera noche del tour en la ciudad condal, los asistentes se transportaron a través de la música de Rosalía viviendo intensamente todos los espectros del desamor, como lo son la melancolía, el odio y la resignación.

También hubo momentos de goce y el público río a carcajadas con la visita al confesionario de la actriz Yolanda Ramos, que explicó una anécdota sobre su relación con «una perla» (forma que ya usamos los fans de Rosalía para referirnos a un hombre, que digamos, no vale para nada).

Esta semana continúa el tour en Barcelona y la expectativa cada vez es más grande. Y es que si Rosalía está sobre el escenario, nadie puede dejar de mirar, le guste o no.

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La creación hecha por Chris Carter desarrolló temáticas que te hacían cuestionar qué era real y qué no, el pasado y el futuro. A diferencia de sus programas contemporáneos como ER o La ley y el orden, estos estaban más abiertos a asuntos paranormales. También, nos hizo conocer otra manera de hacer televisión y dejó un legado en el género de ciencia ficción que debemos saber.

Creó un nuevo formato para seriados

A finales de los ochenta, la televisión estaba cambiando, dejando de ser como la conocíamos. Las historias comenzaron a tomar elementos del cine para hacer narrativas más complejas. Años después, apareció The X-Files con una manera de hacer seriados inspirada en Moonlighting y Twin Peaks, esta última de David Lynch. Del primero tomó que fueran dos detectives (con tensión romántica) que investigaban un caso distinto en cada episodio. Del segundo que tuviera una sinopsis general que iban desarrollando en simultáneo a las indagaciones de cada episodio y añaden elementos distintos que en este caso eran paranormales. Esto es algo que se repite en los últimos años como The Mentalist y Supernatural.

Fueron el primer drama político

El tema central nunca fue el posible romance entre Scully y Mueller o el horror que generaba las situaciones en las que ellos estaban, era la crítica al gobierno de los Estados Unidos por sus acciones durante la Guerra Fría. Ellos mencionaban los eventos que sucedieron durante los mandatos de JFK, Roosevelt y otros, los miles de experimentos que ocultaron, pero que realizaron para mantenerse delante de los rusos.

Después del estreno de The X-Files, muchas series, entre ellas Homeland y Scandal, intentaron hacer un trabajo similar, sin lograr ser tan reales o críticas verdaderas porque terminaban siendo solo escapismos para su público. Los expedientes secretos X pudieron cuestionar teorías conspirativas de una manera comercial sin censurarse.

The X-Files: Supieron cómo crear su propio universo

Al igual que su antecesor, Twin Peaks, también supieron crear un mundo más complejo, lleno de mitologías y huevos de Pascuas que hacían referencia a otros elementos dentro de la serie. En ninguno de sus episodios había algo que no estuviera conectado a otro hecho, todo estaba planeado con mucha antelación, nada era arbitrario. Además, poseen personajes multidimensionales, lo cual no pasaba en los dramas policiacos de ese tiempo. Por eso podemos ver ahora nuevas historias que utilizan estos elementos para poder crear historias memorables.

The X-Files fue un producto audiovisual que duró 11 temporadas, tiene tres películas y mucho material detrás. Pero que aunque no fue el primero en crear sus propuestas, sí supo innovarlas, hacerlas suyas y promoverlas para que cambiara la manera en la que se hacía ciencia ficción. Gracias a ellos creemos —y sabemos— que hay algo más afuera y que poco a poco lo iremos conociendo.

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Jeanne Lanvin

A pesar de que cuando pensamos en las primeras casas de moda siempre nos viene a la mente Charles Frederick Worth, una de las primeras mujeres en crear su marca fue Jeanne Lanvin en 1889. En sus inicios, se inspiró en su hija, Marguerite, para diseñar vestidos para niñas pequeñas y sus mamás con detalles de bordados delicados. En los años veinte, se expandió a ropa deportiva, abrigos, ropa de hombre y fragancias, hasta convertirse en lo que conocemos actualmente como Lanvin.

Claire McCardell

La creadora de la moda estadounidense que sigue presente actualmente es, nada más y nada menos que, Claire McCardell, quien diseñaba piezas funcionales y elegantes como vestidos con bolsillos, multifuncionales, vestidos de verano hechos de algodón, estampados de cuadros y de jean. Su estilo conquistó los corazones de miles de mujeres durante los años treinta, cuarenta y cincuenta, convirtiéndose en el predominante en el mundo de la moda y haciendo que sus siluetas sigan siendo importantes en la actualidad.

Mary Quant

El origen de la minifalda en los años sesenta tiene la firma de Mary Quant. Ella encontró la inspiración en King’s Road, Londres, donde las jóvenes las usaban. Pero ella quiso traerlas a la vida en faldas y vestidos coloridos y divertidos con los que, según cuenta, pudieran moverse, correr y saltar. De esa manera, revolucionó la industria y ayudó a que muchas mujeres se sintieran libres, reflejando la cultura del momento en la que se estaban luchando por los derechos de las mujeres con el segundo movimiento feminista.

Vivienne Westwood

En los setenta, apareció en las calles de Londres una boutique llamada “SEX”, creada por Vivienne Westwood. Su ideal es capturar el ADN de la mujer irreverente e impresionante. Es conocida por ser la reina del punk por ser quien tuvo la visión de hacer couture las piezas de ropa rotas, corsets, pins, cremalleras, cuero, látex y elementos de bondage que seguimos viendo en todas las pasarelas. 

Carolina Herrera

En Caracas, Venezuela, nació la creadora del estilo elegante sin esfuerzo que conocemos y tanto amamos, Carolina Herrera. Gracias a su amiga y editora en jefe del momento de Vogue, Diana Vreeland, creó su propia línea de ropa que se presentó por primera vez en el Club Metropolitano de Manhattan en 1981. En cada una de sus colecciones, se pudo ver cómo su esencia fue evolucionando para mantenerse siempre actual y versátil sin perder la clase que tanto la caracteriza e identifica.

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Son miles las historias de amor que cada año llegan a la gran pantalla pero pocas las que marcan a una generación.

No basta con la simple narración de un hecho pasional; aquellas que consiguen su lugar en la memoria colectiva son producto de muchos factores, entre las que se pueden contar la complicidad de los protagonistas, la naturalidad del guión y, como no, un desenlace creíble y posible. Por ello, en 2020 celebramos los 25 años de “Antes del amanecer”, la historia de Jesse y Céline.

El film de Richard Linklater no fue un éxito de taquillas (apenas recaudó algo más de 17 millones de dólares). Esto supuso su rápido paso a formatos más populares, tales como el hoy olvidado VHS o los canales de televisión por cable..

El libreto de “Antes del amanecer” no encerraba mayor complejidad. Sin embargo, un guión creíble y fluído, sumado a la química que hubo entre Ethan Hawke y Julie Delpy, ayudaron a que la sencillez venciera al olvido.

El film narra la historia de un estudiante norteamericano (Jesse) que viaja por Europa y conoce, en un tren camino a Viena, a una estudiante francesa (Céline). Aquel encuentro deriva en un posterior paseo por la ciudad austríaca en el que las conversaciones son tan variadas como impredecibles.

Es tal el grado de complicidad entre ambos que al despedirse prometen reencontrarse, seis meses después, en el mismo andén del tren. Es ese el instante mágico en el que el cine traspasa la pantalla y se instala en lo real: el flechazo ya no es cosa de ellos sino que le pertenece a todos los espectadores, quienes empiezan a imaginar aquel reencuentro como algo propio e innegable.

La película es la representación de una vivencia del propio Linklater,.

En el año 1989, durante una visita a su hermana, el director conoció a una chica en una juguetería. La conexión fue instantánea y lo que vivieron, salvando algunos detalles, es lo que años después conocimos como la historia de Jesse y Céline.

«Antes del amanecer» la primera de una trilogía 

Le siguieron “Antes del atardecer” (2004) y “Antes de la medianoche” (2013). No obstante, este año celebramos ese primer encuentro, el primer paseo y, por supuesto, aquel inolvidable primer beso ya hace 25 años de “Antes del amanecer”.

Otro de los clásicos de cumple 30 años Ghost 

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No solo fue famoso por su música también por sus innumerables alter egos que marcaron una generación. Con su estilo lograba mostrar que lo diferente era igual de interesante y que no siempre se debía vivir dentro de los convencionalismos.

Con un físico muy peculiar y ojos disparejos, David Bowie se aventuró -como él mismo dijo- a contribuir con la cultura en la que vivía, sin prejuicios.

Monos ajustados, plataformas, ropa en colores llamativos, maquillaje y cortes sacados de la una película de ciencia ficción, estaban a la orden del día. Aquí algunos de sus looks más famosos.

The Man Who Sold The World, un andrógino David Bowie.

Michael Fish fue el encargado de diseñar el vestido que luciría Bowie en la portada de este disco. Un vestido que hacia viésemos a un David Bowie andrógino, una característica que le acompañaría toda su vida y que se convertiría en un sello de identidad.

Este look fue muy polémico. Bowie afirmo que en algunos lugares más convencionales inclusive la gente le amenazó.

Ziggy Stardust, unos de los alter egos más emblemáticos de Bowie.

Su monos espaciales eran una de las características más llamativas de este personaje extraterrestre que venía a llenar el planeta de esperanza. Como este alter ego tenemos algunos de los look más llamativos de Bowie.

El diseñador Kansai Yamamoto diseño una de las piezas más increíbles y vanguardistas para David Bowie. Este mono con piernas abombadas y rayas ha sido inspiración para marcas contemporáneas. Con Yamamoto, Bowie tendría una fructífera relación creativa.

«Hay un hombre de las estrellas esperando en el cielo. Nos ha dicho que no le hagamos explotar porque sabe que merece la pena». Starman

The Thin White Duke

El disco se llamaba Station to Station y con él nacía en otro alter ego de Bowie The Thin White Duke. Un personaje vestido de cabaret que  ya había dejado verse en la gira de 1975 del artista.

Siempre iba con pantalones ajustados negros, chaleco y camisa blanca.

Algunos dicen que este era el personaje más normal de Bowie, aunque muchos describieron a este Duque Blanco como «un aristócrata loco».

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Laberinto, en las manos de Jim Henson.

En 1986 fue parte del elenco de la película dirigida por Jim Henson -el padre de Los Muppets- Laberinto.

En esta película hacía del Rey de los Duendes y se movía en un universo místico, lleno de criaturas extrañas y música. Aquí Bowie dejó no solo ver todas sus aptitudes actorales, también pudo vivir la fantasía de pertenecer a un mundo lleno de criaturas fantásticas.

En los tiempos que corren muchos piensan que los artistas que se pintan las uñas o usan ropa excéntrica están inventando una nueva forma de expresión. La próxima vez que veas a alguien impresionado por la osadía estética del artista de turno, recuerda que hace décadas ya un artista lo hizo: David Bowie.

¿Quieres saber más sobre Bowie? Puedes encontrar mucha info en la colección de Taschen del artista.

¿Quieres saber más sobre moda? Haz click aquí 

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Fue una sesión antes de un concierto en Nueva York, donde el fotógrafo logró captar toda la esencia del artista y realizó una serie que quedará en la memoria de los fans -y no tan fans- de Nirvana. Kurt  Cobain no se quitaba sus gafas blancas (o rojas) de Christian Roth. 

Esas gafas que discrepaban totalmente con el look descuidado y desprendían elegancia, eran en definitiva una elección inesperada.

No se sabrá nunca el motivo por el cual Kurt uso estas gafas pero la verdad es que se convirtieron en un ícono.

De Audrey Hepburn a Kurt Cobain, pasando por Bad Bunny

Estas tendencia no es una creación del grunge y tampoco de los cantantes de trap.

Antes en 1966, Audrey Hepburn las utilizaba de Oliver Goldsmith y las convirtió sin quererlo en una prenda atemporal, esas que vuelven cada tanto tiempo.  

Audrey o Kurt no imaginarían que estas gafas se abrirían un espacio en el look de los artistas de música urbana de todo le mundo.

Las Clout Goggles son un accesorio obligado no solo a pie de calle, también para las nuevas generaciones de artistas que se unen a la moda en 2020 (y que por lo visto no parece parar). Y es que se han convertido en una herramienta que se podría catalogar de musical para artistas como J Balvin, Bad Bunny o Wiz Khalifa. 

Capaz aquí es donde el grunge y el trap se unen definitivamente.

Las gafas de los influencers

Su nombre nos puede dar pista de su nicho, clout significa influencia, así que son como unas «gafas de influencer», aunque cuesten 6 euros en Internet y todo el mundo las tenga.

Se dice que en 2017 el rapero Denzel Curry las bautizó en un video diciendo: «These ain’t glasses, baby, these are Clout Goggles»/ «Estas no son gafas, bebé, estas son las Clout Goggles». Se dice en la red que gracias a Curry Urban Dictionary las incluyó en su sitio web.  

Pero como siempre, no se sabe a ciencia cierta quién fue el primero que las comenzó a llamar así y tampoco quién fue el primero que las usó.

Los influencers las lucen en sus redes sociales con bastante frecuencia y parece que se han convertido más de 25 años después en uno de los accesorios más comprados. 

Solo en Instagram hay más de 72.000 publicaciones son el HT #CloutGoggles y las gafas se han convertido inclusive en protagonista de memes.

El futuro

Decir esto sería como definir el futuro de la industria de la moda, así que no podemos decir que pasará con estas gafas. Capaz en un año la tenemos dando vueltas de nuevo por la escena musical  y del mundo influencer.

Estas gafas se han convertido en un accesorio tan visto que comienza a cansar, aunque te afirmamos sin ningún temor, nos encantan nuestras Clout Goggles. 

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