La teoría del origen

Durante semanas, los rincones más observadores del internet intuyeron que algo se estaba gestando. La sutileza de los detalles —esos ceros misteriosos reemplazando a las letras “O” en sus biografías digitales y una cuenta atrás calculada al milímetro— encendió la conversación global. El título Patient Zero no es casualidad: evoca contagio, el inicio de una historia, el primer eslabón de una metamorfosis creativa.

Fiel a su poética de capas ocultas, Taylor vuelve a jugar con la metáfora médica y emocional. Si en sus eras recientes exploró el duelo, el despecho sofisticado y la nostalgia de la madurez, todo apunta a que este tema indaga en el punto exacto donde una obsesión —o un romance— comienza a expandirse sin control.

«He estado esperando para decirte que mi nuevo sencillo «Patient Zero» saldrá el 25 de septiembre (!!!!!!!!!!!!)» confesó la artista en sus redes al revelar la fecha exacta de estreno. Una sola frase bastó para redefinir la conversación de la semana.

Dakota Johnson y Colin Farrell protagonizan el videoclip junto a la artista

El videoclip de Patient Zero promete ser un auténtico acontecimiento visual. Estará protagonizado por la propia Taylor Swift junto a Dakota Johnson y Colin Farrell. Por si fuera poco, la dirección de fotografía corre a cargo del cineasta mexicano Emmanuel “Chivo” Lubezki, oscarizado maestro detrás de la luz en producciones como Gravity o The Revenant. Este videoclip se estrenará el 27 de septiembre en los MTV Video Music Awards 2026.

Formatos que enamoran a las coleccionistas

En una época dominada por lo efímero de las plataformas de streaming, Swift rescata el valor del objeto tangible. El lanzamiento no viene solo: aterriza acompañado de tres ediciones físicas coleccionables en CD. Además de la versión original, el público podrá disfrutar de una toma acústica y una interpretación al piano, dos formatos desnudos que sugieren que la arquitectura emocional del tema es tan sólida que no necesita grandes arreglos de producción para brillar.

Mañana podremos escuchar este nuevo sencillo.

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En este artículo nos centramos en dos de sus manifestaciones más icónicas: el muralismo y el graffiti. Te explicamos en qué consiste cada una y cuáles son sus diferencias fundamentales.

Origen e historia

Tanto el muralismo contemporáneo como el graffiti tienen sus raíces compartidas a finales de los años 60 en las calles de Nueva York y Filadelfia. Allí, jóvenes de diversos barrios comenzaron a usar la creatividad como herramienta de resistencia, interviniendo paredes con firmas y mensajes de protesta para visibilizar la marginación social y reclamar su derecho al espacio público.

Diferencias clave entre ambos

Aunque ambas expresiones conviven bajo el paraguas del arte callejero, responden a dinámicas, técnicas y propósitos distintos:

• El graffiti: Se enfoca en el trazo rápido, estilizado y espontáneo de palabras, letras, firmas (tags) o mensajes breves. Su naturaleza es efímera e ilegal en muchos contextos, por lo que prioriza la velocidad de ejecución y el uso de aerosoles de secado rápido.

• El muralismo: Requiere una planificación previa, elaboración de bocetos y un alto dominio técnico para plasmar composiciones a gran escala sobre muros completos. Suele integrar narrativas visuales complejas vinculadas a la comunidad, la historia o la cultura local, y permite el uso de múltiples herramientas y materiales (pinturas acrílicas, pinceles, rodillos y plantillas).

El mensaje del arte urbano

El poder del arte en la calle reside en su capacidad para invitar al transeúnte a la reflexión sobre los problemas de nuestro tiempo. Funciona como un espejo incómodo pero necesario que denuncia el abuso de poder, las guerras, la pobreza, el racismo y la desigualdad de género. Al mismo tiempo, alerta sobre la crisis climática, rescata la memoria de las raíces indígenas e historias locales, y nos recuerda que el espacio público pertenece a la ciudadanía, no solo a las corporaciones.

Su relación en la actualidad

El graffiti es considerado el precursor directo del street art moderno. Con el paso de las décadas, esta corriente ha evolucionado hasta fusionarse con las artes plásticas tradicionales en lo que hoy conocemos como muralismo contemporáneo. Aunque ambas disciplinas comparten la calle como lienzo, sus intenciones y lenguajes siguen manteniendo una identidad propia y fascinante.

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En QMode te explicamos de qué trata esta corriente y cuál es su profunda conexión con la música.

Del clean look al indie sleaze

El impecable clean look ha quedado oficialmente en el pasado. Aunque durante un tiempo dominaron el maquillaje pulcro, los peinados perfectos y las prendas neutras sin estampados, la tendencia actual va en una dirección completamente opuesta.

La moda de hoy abraza el smokey eyes (sombra de ojos ahumada) ligeramente corrido, recreando ese aspecto rebelde de haber estado de fiesta toda la noche. El cabello se lleva con textura natural, despeinado con intención. Para el armario, las piezas clave son las prendas oversize, las chaquetas de cuero desgastadas, los jeans rotos, las camisetas con logos de bandas de rock, el encaje, el terciopelo, el animal print, las faldas a cuadros, las pañoletas y las botas militares o Converse. El toque final: mezclar accesorios dorados y plateados sin preocuparse por coordinar o buscar la perfección.

Influencia cultural y musical

Esta estética estuvo y sigue estando fuertemente impulsada por el indie rock, género que emergió como subgénero del rock alternativo a finales de los años 80 en el Reino Unido y Estados Unidos (con Londres y Nueva York como epicentros). El estilo buscaba una absoluta libertad creativa, lo que se tradujo en una expresión visual donde lo desaliñado es sinónimo de autenticidad.

Entre los pioneros neoyorquinos que dieron forma al movimiento destacan:

• The Strokes: Con su histórico álbum debut Is This It (2001), chaquetas de cuero y una actitud desinteresada, le dieron forma y uniformidad visual a toda una generación.

• Yeah Yeah Yeahs: Liderados por la magnética Karen O, fusionaron el art punk con el garage rock en una propuesta visual vibrante. Canciones como «Burning» reflejan perfectamente la fuerza estética de la banda.

• Interpol: Aportaron una versión más oscura y elegante del post-punk, combinando la crudeza del sonido con trajes oscuros e impecables.

Por su parte, los pioneros británicos sumaron su propia esencia:

• The Libertines: Se encargaron de inyectar la faceta más caótica, bohemia y romántica al movimiento.

• Arctic Monkeys: Su álbum debut, Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not, retrató a la perfección la realidad y crudeza de la vida nocturna juvenil de la época.

• The Kills: Mezclaron garage rock crudo con una estética minimalista que exudaba la actitud rebelde y desenfadada tan característica de los 2000.

Y a ti, ¿te representa más la sobriedad del clean look o la rebeldía del indie sleaze?

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Pero comencemos por el principio ¿dónde se forman los diamantes?.

Hablar de un diamante es hablar de una auténtica cápsula del tiempo. La mayoría de estas gemas se formó hace entre 1 000 y 3 300 millones de años a más de 150 kilómetros bajo nuestros pies ¿Impresionante no?.

Allí, en las profundidades del manto terrestre, a temperaturas brutales que superan los 1 000 °C, una presión colosal obliga a los átomos de carbono a apretarse hasta crear el material natural más duro que se conoce. Si a eso le sumamos que solo salieron a la superficie gracias a erupciones volcánicas violentas ocurridas hace eones, el simple hecho de tener uno en la mano definitivamente parece un milagro geológico.

Los diamantes y la cultura POP.

Esa misma mística es la que alimentó su enorme impacto en la cultura popular a lo largo de las décadas. Basta recordar el legendario Diamante Hope, una gema azul de 112 quilates traída desde la India en el siglo XVII que pasó por las manos de reyes como Luis XIV y María Antonieta antes de inspirar la joya de ficción «Corazón del Mar» en la famosa película Titanic. Un diamante que se puede ver en el Museo Smithsonian de Washington D.C.

Los diamantes eran protagonistas en el cine clásico de Hollywood, donde estas piezas inmortalizaron el concepto moderno del glamour en producciones como Desayuno con diamantes (1961) con la increíble Audrey Hepburn o en aquella inolvidable escena de Marilyn Monroe cantando «Diamonds Are a Girl’s Best Friend» sobre los mejores amigos de una chica en Los caballeros las prefieren rubias (1953). 

Otros usos de los diamantes.

Pero la historia de estas gemas va mucho más allá de la moda. Por sus propiedades físicas tan singulares, el diamante es también un recurso técnico indispensable en la industria moderna. Se utiliza habitualmente en sierras y brocas industriales para perforar hormigón o rocas de alta densidad, en bisturís de microscopio para cirugías oculares y odontológicas de máxima precisión, y hasta como un potente disipador de calor en los microchips de última generación gracias a su insuperable conductividad térmica.

La industria del diamante natural atraviesa una etapa de cambio donde el origen de la gema importa tanto como su corte o su pureza. Al final, lo que vuelve realmente valiosa a una pieza no es únicamente su deslumbrante brillo exterior, sino la certeza absoluta sobre la historia, el camino y el trabajo ético que recorrió desde las entrañas de la Tierra hasta llegar a tus manos.

#QSelection

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En España, el comercio electrónico no para de cambiar, no solo impulsado por la interacción a tiempo real, también por lo atractivo que es consumir videos cortos que logren mejorar nuestro estilo de vida. Por esta razón, marcas como Nina Torres eligieron la plataforma para lanzar un producto que muchas estábamos esperando: la creatina para mujeres.

Una creatina formulada especialmente para el consumo femenino.

Seamos sinceras: la creatina siempre ha sido el típico suplemento encasillado en el gimnasio pesado y con un marketing diseñado por y para hombres. La propuesta de Nina Torres rompe completamente con ese cliché y está hecho para que sea 100% usada por el público femenino.

A diferencia de las fórmulas tradicionales enfocadas solo a machacarse en el gym, esta propuesta integra colágeno y aminoácidos, prescindiendo por completo de los azúcares añadidos. Y ojo, porque la creatina no es una moda pasajera: es uno de los suplementos más estudiados que existen y está demostrado que ayuda a rendir mejor en los entrenamientos de fuerza. Al final responde a lo que buscamos hoy: entrenar con más energía, notar el progreso y cuidarnos sin complicaciones.

Adiós a la publicidad fría: creadoras reales.

En lugar de publicar anuncios corporativos y anuncios poco cercanos, la marca ha buscado creadoras de contenido que muestran en sus vídeos (shoppeables) cómo integran el suplemento en su mañana, entre el café, cuando pasean a su mascota o cuando están en el trabajo o en el entrenamiento.

Lo interesante de este formato es la fluidez: la usuaria ve la recomendación, resuelve sus dudas en la sección de comentarios y puede comprar el producto con un par de toques a través del botón directo, sin salir en ningún momento de la aplicación de TikTok. Generando así un entorno de compra muy cercano, casi como la recomendación que te haría una compañera del trabajo, tu hermana o una amiga.

Hecho aquí y con todas las garantías.

Estamos claras en que, cuando hablamos de nutrición o suplementos, no nos la podemos jugar. Hay que saber qué nos estamos metiendo en el cuerpo. En este sentido, la producción de Nina Torres se realiza de manera íntegra en España y cuenta con todos los registros sanitarios y normativas exigidas por las autoridades. Tranquilidad absoluta para las compradoras.

El social commerce ha venido para quedarse.

Lo de Nina Torres no es casualidad. En España ya hay casi un 20% de usuarias comprando su cuidado personal directamente en redes. El social commerce ha venido para quedarse, y marcas de salud y belleza que sepan meterse donde la gente pasa el rato viendo vídeos, son las que van a llegar de verdad a los consumidores a largo plazo.

Categorías como salud y belleza se han consolidado como uno de los motores con mayor volumen de interacciones y ventas digitales, demostrando que el futuro del sector pasa por estar donde la comunidad conversa, comparte y consume contenido a diario.

Publicado el 3 de agosto de 2026 #QModeSelection

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Konnakol: Un arte clásico

El concepto tras el álbum de Zayn va mucho más allá de un simple título. El konnakol es un arte clásico carnático de la percusión vocal originario del sur de la India. Consiste en interpretar patrones y ritmos complejos utilizando sílabas fonéticas mientras se marca el compás con las palmas de las manos.

En la actualidad, este método de composición permite a los intérpretes y músicos crear y estructurar ritmos de forma muy rica sin necesidad de utilizar instrumentos musicales tradicionales.

La inspiración tras el concepto

El artista utilizó esta forma de expresión musical para dar forma a las distintas canciones del disco, recurriendo a esta herencia cultural para transmitir al público un concepto no solo musical, sino también espiritual y de autodescubrimiento.

En una transmisión en vivo para la plataforma Talk Show Live, el cantante explicó que este trabajo era una forma de rendir homenaje a sus raíces —ya que su padre es de ascendencia paquistaní, conectada con el subcontinente indio y Asia Central— y, al mismo tiempo, de experimentar con nuevos matices en su voz.

Recepción del público y la crítica

La respuesta de los seguidores ante el álbum ha sido masiva, superando rápidamente las decenas de millones de reproducciones en Spotify. Asimismo, el cantante recibió comentarios muy favorables por parte de la crítica especializada.

Neil Z. Yeung, de AllMusic, señaló que «la voz confiable de Malik y la excelente calidad de producción cumplen con lo prometido, aunque cabe esperar que las ideas contenidas en Konnakol den lugar a un enfoque más liberado la próxima vez». Por su parte, Mary Chiney, de Beats Per Minute, elogió la propuesta afirmando: «En una industria donde muchos artistas se contentan con seguir tendencias algorítmicas, Zayn Malik ha hecho algo mucho más difícil: mantenerse firme, mirar hacia dentro y construir un mundo musical que finalmente suena como en casa». Finalmente, Robin Murray, de la revista Clash, describió el proyecto como «un retorno potente de un ícono del pop que volvió a asumir el papel de personaje principal, pero desde una sutilidad con composiciones discretas y sonidos nocturnos que le dan espacio para perderse».

Las canciones de Konnakol

Entre los temas más populares destacan «Die for Me» (el sencillo principal) y «Sideways», que han acumulado millones de reproducciones en Spotify.

A continuación, te dejamos la lista completa de las 15 canciones que integran este increíble trabajo:

1. Nusrat

2. Betting Folk

3. Used to the Blues

4. Sideways

5. 5th Element

6. Prayers

7. Side Effects

8. Met Tonight

9. Fatal

10. Take Turns

11. Blooming

12. Like I Have You

13. Loving the Way I Do

14. Breathe

15. Die for Me

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Hay artistas que se distinguen por una canción. Otros, por una época. Y luego están quienes pueden reconocerse con apenas una frase. La voz de Bonnie Tyler pertenece a esa categoría casi irrepetible: áspera, poderosa, profundamente emocional y capaz de convertir una balada en un acontecimiento.

Una cirugía que le cambio la voz

Lo curioso es que ese rasgo que terminó definiendo toda su carrera nunca estuvo en los planes.

Nacida como Gaynor Hopkins en un pequeño pueblo de Gales, Bonnie Tyler comenzó cantando en clubes locales durante la década de los setenta. Su talento era evidente, pero aún tenía una voz muy distinta a la que terminaría conquistando el mundo. Todo cambió en 1977, cuando tuvo que someterse a una operación para extirpar unos nódulos en las cuerdas vocales.

Los médicos le recomendaron guardar reposo absoluto durante varias semanas. Sin embargo, Tyler rompió esa indicación y comenzó a hablar antes de tiempo. El resultado fue inesperado: sus cuerdas vocales cicatrizaron de una manera distinta y su voz adquirió ese timbre rasgado que, lejos de perjudicarla, terminó convirtiéndose en una de las firmas sonoras más inconfundibles de la música popular.

Lo que para muchos habría supuesto el final de una carrera, para ella fue el comienzo.

Bonnie Tyler, le reina de los 80´s

Durante los años ochenta alcanzó el estatus de estrella internacional con canciones que hoy forman parte de la historia del pop y del rock. «Total Eclipse of the Heart», escrita por Jim Steinman, se convirtió en un fenómeno global gracias a una interpretación que mezclaba vulnerabilidad y potencia como pocas voces podían hacerlo. Poco después llegaría «Holding Out for a Hero», otro himno que trascendió generaciones y encontró nuevas vidas en películas, series, videojuegos y redes sociales.

Pero reducir a Bonnie Tyler a dos éxitos sería injusto. Su carrera supera las cinco décadas y ha demostrado una extraordinaria capacidad para mantenerse vigente sin renunciar nunca a su identidad. Mientras la industria cambiaba de sonido y de protagonistas, ella siguió defendiendo una forma de cantar donde la emoción siempre estaba por encima de la perfección técnica.

Quizá por eso siguió conectando con nuevas generaciones. En un momento en el que muchas voces parecen buscar una precisión casi quirúrgica, Bonnie Tyler nos recordaba que las imperfecciones también pueden convertirse en belleza. Que una cicatriz puede transformarse en una firma artística. Y que, a veces, aquello que creemos que nos rompe acaba siendo precisamente lo que nos hace inolvidables.

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Además, es un día con un amplio contexto histórico y cultural y te lo vamos a contar. 

28 de junio de 1969: Los disturbios.

El contexto original de esta fecha, es gracias a una serie de manifestaciones espontáneas que nacieron a raíz de una redada policial en la madrugada del 29 de junio de 1969, en un bar -de ambiente gay- conocido como Stonewall Inn, en el barrio neoyorquino de Greenwich Village.

Aproximadamente entre los años 1950 hasta 1971, era rutinario que las autoridades policiales hicieran redadas brutales en este tipo de bares.

Donde los pertenecientes a la comunidad podían pasar años en la cárcel, incluso, todo el resto de su vida o podían ser recluidos en centros psiquiátricos. De hecho, eran aceptadas distintas prácticas, entre ellas la terapia de “electrochoque” para intentar “curar” a los homosexuales de sus deseos. Puesto que la homosexualidad era considerada un crimen, además de una enfermedad mental y se les llamaba “ofensores sexuales”. 

Una redada: Varias respuestas.

Fue en este día, que la comunidad que frecuentaba el bar, incluyendo personas trans, gays, trabajadoras sexuales y adolescentes sin hogar; decidieron levantar la voz y pasar de someterse pasivamente a los arrestos y diversos maltratos, a hacer frente a estos abusos. Iniciando así los primeros movimientos de lucha en busca del respeto por los derechos para la diversidad sexual y de género, y demostrar que los homosexuales y heterosexuales podían convivir juntos en una misma sociedad, sin miedo al rechazo o el desprecio. 

Estos movimientos consistían en lanzarles objetos a los agentes que perpetraron estas injusticias obligándolos a ocultarse dentro del propio bar. Y continuaron así durante varios días. 

Rompimiento del silencio y la actualidad.

Aunque en ese momento el país estaba fuertemente reprimido, Stonewal logró hacer uso de su voz y juntos rompieron el silencio – también el miedo- frente a las arbitrariedades y prejuicios que sufrían día a día. Marcando un momento de inflexión, originando así el activismo organizado globalmente hablando y convirtiéndose en un ejemplo para la comunidad actual. 

Aquí te dejamos un vídeo sobre los disturbios de Stonewal para completar tu lectura:

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Pero una pregunta muy interesante es ¿quién fue la pionera de la Met Gala?

Met Gala: Todo comenzó en 1948 

Muchas veces conocemos una cosa común, pero no todo el extenso detalle detrás de esta. La Met Gala, anteriormente llamada “La Fiesta del Año”, fue fundada en 1948 por el publicista Eleanor Lambert, dos años después de que el Instituto del Vestido se trasladará al Museo de Arte Metropolitano. 

Inicialmente era solo una cena benéfica, ya que tenía como objetivo recaudar fondos para cubrir todo el presupuesto anual del Instituto del Vestido y poder financiar la conservación y exposición de piezas de moda históricas. En ese entonces, el ticket de entrada tenía un costo de 50$. Monto que fue escalando con el paso de los años hasta convertirse en más de 25.000$ por ticket. En la actualidad los precios oscilan entre 50.000$ y 300.000$. 

No fue hasta 1960 que la celebración se trasladó al Met. Desde entonces la Gala se ha celebrado en diferentes partes del Museo Metropolitano como el Templo de Dendour, el balcón y el Ala Americana.

El evento creció, sobre todo en fama, cuando en 1972 la ex Editora de la revista Vogue, Diana Vreeland, fue designada como encargada de organizar todo lo relacionado con el evento, como consultora especial del instituto. La primera exposición de Vreeland sería el siguiente año celebrando el trabajo del reconocido diseñador Cristian Balenciaga. 

Diana Vreeland murió en 1989 y dentro de sus exhibiciones más recordadas se encuentra la retrospectiva sobre el modista argentino Yves Saint Laurent.

Finalmente, en el año 1995 Anna Wintour asumió el cargo de co-presidente. Y desde entonces, bajo su liderazgo, la Met Gala se ha convertido en uno de los eventos más importantes del mundo de la moda y del espectáculo, mezclando la alta costura con la cultura pop. Todo esto gracias a la asistencia de celebridades de la industria del cine, la moda, y la música. 

En los últimos años, las exposiciones del Instituto de la Moda han atraído entre 500.000 y 600.000 espectadores en un periodo de aproximadamente tres meses. Demostrando un aumento del interés por la integración de la moda junto con la cultura popular. 

La Met Gala actualmente 

Actualmente la Met Gala, mantiene su objetivo inicial y es considerada “El Óscar de la Moda”. Es, en pocas palabras, un espacio para conmemorar y celebrar la moda. Es por esto que cada año hay una temática distinta y los artistas deben presentar sus mejores looks relacionados o inspirados en ella. La velada, por otro lado, consiste en una alfombra roja -toma de fotos, videos y entrevistas a los artistas- un cóctel, la visita a la exposición y una cena.

La próxima gala, será este 04 de mayo. Y según Vogue, el código de vestimenta será: La moda es arte, y el tema: Costume Art. 

Ambas están fuertemente ligadas, e invitan a los asistentes a experimentar el arte como una forma de expresión utilizando su propio cuerpo como un lienzo en blanco para combinar colores y texturas, logrando una conexión directa entre el cuerpo y la vestimenta. 

Como nota final,  diremos que el evento inspira a aceptar el rol central de la moda como un arte de mera contemplación, capaz allí reside el éxito de esta gala. 

Puedes echar un vistazo a esta cuenta creada por fans para la Met de este año.   

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Todos conocemos la icónica primera entrega de El diablo viste de Prada, estrenada en el año 2006. Una representación muy clara y objetiva no solo del amplio mundo del glamour y el espectáculo, si no de como este tiene influencia en la cultura popular y social. La primera película recalca la importancia del estilo personal en el universo fashion y está basada en el libro titulado Revenge Wears Prada: The Devil Returns, escrito y publicado en el año 2003 por la autora Lauren Weisberger, quién trabajó como segunda asistente de Anna Wintour, editora jefa de la influyente revista de moda Vogue desde 1988 hasta el el año pasado.

En la primera entrega de El diablo viste de Prada, el personaje que interpreta a Anna Wintour, llamada Miranda Priestly, es interprtada por la ya icónica Meryl Streep y es uno de sus papeles favoritos. 

El diablo viste de Prada, un clásico de la cultura POP. 

Poder, exigencia, estilo. Estos adjetivos no solo definen el ecosistema de la moda, sino que sirven como el resumen perfecto de esta película que ya es un clásico de la cultura pop. Por eso, queremos enumerar los mensajes clave por los que nos encanta. 

1. La moda es un método de expresión individual personal. Muestra emociones, sentimientos, historias, vivencias, personalidad y cualidades.
2. Sal de tu zona de confort. Es bueno salir de nuestra zona de confort, y mejorar cada día como persona para así explorar y explotar nuestro potencial al máximo.
3. No abandones tus sueños por nadie. Nos enseña que no debemos dejar de perseguir nuestros sueños por terceras personas. Por ende, se recalca que tener buenas amistades es indispensable para un buen crecimiento profesional.
4. El esfuerzo es la clave. Debes esforzarte por alcanzar lo que deseas lograr.

Por último y no menos importante, la número 5 es: Mantener nuestra autenticidad.

Autenticidad es una palabra muy curiosa. El influyente escritor y filósofo suizo Jean- Jaques Rousseau, sugiere que la autenticidad es “la sinceridad con uno mismo”. Y critica la inautenticidad como producto de la presión o competencia social que obliga a las personas a mostrarse de manera distinta a lo que realmente son, solo para obtener reconocimientos, o simplemente aceptación social.

Si volvemos al mensaje de la película, se interpreta como la importancia de no perder u olvidar aquello que nos hace quienes somos, vestimos o hacemos, solo por un empleo; conforme buscamos el éxito profesional. Así que si te sientes feliz y complacido/a de ser quien eres, no permitas que tu entorno laboral, social u amistoso, decidan por ti, el cómo debes actuar.

¿Y tú cómo definirías la película?.

¿Qué opinión/ mensaje te dejó El diablo viste de Prada?

¿La moda es expresión o superficialidad?

Ve el trailer de la segunda entrega de El diablo viste de Prada haciendo click aquí.

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