Su concierto, programado justo antes de la actuación de The Cure, para nosotros, tenía algo de experimento generacional. Sobre el papel, parecía difícil imaginar a los seguidores de una de las bandas más icónicas de la historia compartiendo espacio con una audiencia que descubrió la música de artista favorita través de las redes sociales. Sin embargo, uno de los momentos más fascinantes de la jornada fue precisamente observar cómo esas fronteras desaparecían.

Mientras miles de personas esperaban la llegada de Robert Smith y compañía, el público se dejó arrastrar por una actuación electrizante, repleta de coreografías, visuales hipnóticos y una colección de canciones que demuestran por qué Addison se ha convertido en uno de los nombres imprescindibles del pop actual.

Su ascenso ha sido tan rápido como singular. Nacida en Luisiana en el año 2000, Addison Rae creció admirando a las grandes estrellas del pop de principios de siglo, especialmente a Britney Spears. Como ella misma ha contado en numerosas ocasiones, la historia de una joven procedente de una pequeña localidad que lograba conquistar la industria musical fue una inspiración fundamental durante su adolescencia.

Y esa influencia se percibe claramente en su propuesta artística. No como una simple imitación nostálgica, sino como una reinterpretación contemporánea de aquella era dorada del pop femenino. En sus canciones conviven referencias al electropop de los años 2000, la estética hiperfemenina, los ritmos bailables y una sensibilidad digital completamente contemporánea.

Lo interesante es que Addison Rae forma parte de una generación de artistas que ya no ve a Britney Spears como una advertencia sobre los peligros de la fama, sino como una pionera que abrió el camino para muchas de las estrellas actuales. Esa mirada ha contribuido a recuperar una forma de hacer pop sin complejos, emocional, divertida y visualmente ambiciosa.

En su actuación, hubo energía, carisma y una conexión constante con el público. Pero también algo más difícil de definir: la sensación de estar presenciando el momento exacto en que una artista deja de pertenecer al presente para empezar a formar parte del futuro.

Y si alguien todavía dudaba de que Addison Rae pudiera convertirse en una gran diva del pop, Barcelona acaba de ofrecer una respuesta bastante contundente.

Ve más de la actuación de Addison aquí. 

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La edición de 2026 vuelve a confirmarlo. Durante toda la semana se celebrarán un total de 335 actuaciones, repartidas entre el Parc del Fòrum y diferentes salas y espacios de Barcelona. Artistas procedentes de 37 países compartirán escenario ante un público que llegará desde 145 países distintos, convirtiendo a la ciudad en uno de los puntos de encuentro culturales más importantes del mundo.

Pero los números, por impresionantes que sean, cuentan solo una parte de la historia.

Primavera Sound 2026, comprometido con la diversidad

Desde 2019, Primavera Sound impulsa el protocolo contra agresiones sexuales y discriminación Nobody is Normal, una iniciativa que se ha convertido en una de las señas de identidad del festival. Más que una campaña, es una declaración de principios: la música solo puede disfrutarse plenamente cuando todas las personas se sienten seguras, respetadas y bienvenidas.

La misma filosofía se refleja en la composición del cartel. Este año, el 42% de los artistas programados son mujeres, el 41% hombres, el 15% bandas mixtas y el 1% artistas no binarios. Lejos de entender la paridad como una cuota, Primavera Sound lleva años defendiendo que un festival más diverso es también un festival más interesante, más representativo y, sencillamente, mejor.

Ese compromiso con el futuro también se extiende al plano medioambiental. Por quinto año consecutivo, el festival cuenta con medidas para reducir su impacto ecológico: vasos reutilizables, vajilla compostable, sistemas de hidratación gratuita repartidos por todo el recinto y una infraestructura en la que hasta el 85% de los materiales utilizados tienen una segunda vida edición tras edición.

Detrás de todo ello hay cerca de 9.000 personas trabajando para que el festival sea posible. Veinticuatro días de montaje, ocho de desmontaje y miles de horas de planificación para levantar una ciudad efímera dedicada a la música.

Quizá por eso Primavera Sound sigue siendo mucho más que un festival. Es un espacio donde conviven idiomas, identidades, culturas y formas distintas de entender el mundo. Un lugar donde la diferencia no se tolera: se celebra. Y en un momento histórico en el que tantos discursos intentan dividirnos, esa sigue siendo una de las ideas más poderosas que puede defender un escenario.

Porque si algo ha demostrado Primavera Sound es que nadie es normal. Y precisamente ahí reside toda la riqueza de una comunidad.

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Cuando el grupo apareció en 2021 con Chaise Longue, parecía uno de esos fenómenos improbables que internet genera de vez en cuando: una canción absurda, divertida y perfectamente calibrada para convertirse en obsesión colectiva. Pero lo que vino después fue mucho más grande. En apenas unos años pasaron de ser una banda de culto de la Isla de Wight a conquistar Estados Unidos, Japón, los festivales más importantes del mundo y ganar dos Brit Awards y dos premios Grammy.

El reto, como siempre ocurre con las bandas que explotan de forma repentina, era sobrevivir a su propia narrativa.

En Barcelona, Wet Leg sonó como un grupo que ya ha dejado atrás la sorpresa inicial para convertirse en una banda con identidad propia. El sarcasmo que definió sus primeros éxitos sigue ahí, pero ahora convive con una energía más sólida y una propuesta sonora mucho más ambiciosa. La evolución ya se intuía en Moisturizer, su segundo álbum, donde las canciones abandonan parte de la ironía distante de sus inicios para explorar emociones más personales, relaciones afectivas y nuevas formas de vulnerabilidad.

Buena parte de esa transformación tiene que ver con Rhian Teasdale, cuya presencia escénica se ha convertido en el centro gravitacional del proyecto. Durante los últimos años, la cantante ha hablado abiertamente sobre el vértigo de la fama repentina, los problemas de ansiedad derivados de las giras interminables y el impacto que tuvieron en ella nuevas experiencias personales que terminaron influyendo directamente en la composición del segundo disco.

Sobre el escenario del Primavera, Wet Leg ofreció exactamente lo que muchos esperaban de ellas: una confirmación.

Porque después de los premios, de los titulares y del fenómeno viral, lo realmente difícil es seguir creciendo. Y en la jornada inaugural del Primavera Sound demostraron que todavía tienen mucho que decir.

Fotos: PS 2026 · Christian Bertrand

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Grenier, recordado por interpretar a Nate —el novio de Andy—, fue durante años objeto de debate: ¿era un personaje incomprendido o simplemente el obstáculo en su carrera? Su no participación reabre esa conversación desde otro lugar.

Lo interesante es cómo esa ausencia se ha capitalizado. Su reciente colaboración con Starbucks juega con la nostalgia, la cultura pop y la idea de “lo que pudo haber sido”. No necesita aparecer en la película para formar parte de la conversación.

Este tipo de movimientos reflejan una nueva lógica del entretenimiento: no todo ocurre dentro de la pantalla. Las narrativas se expanden a marcas, redes y campañas que reinterpretan personajes y momentos.

Grenier no vuelve, pero tampoco desaparece. Y en esa tensión construye relevancia. En una industria obsesionada con la presencia, saber retirarse también puede ser una estrategia.

Ve el comercial aquí.

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Los que ya habíamos seguido los pasos de la artista catalana en su gira, sabíamos que no sería un show convencional. Y es que Rosalía nos tiene acostumbrados a espectáculos rompedores y la gira de su último álbum LUX no iba a ser la excepción. La presencia escénica de Rosalía llena el espacio y lo convierte en lo que ella desea; y eso precisamente es lo que esperan todos los fans.

Rosalía: Barcelona no solo asistió al concierto, presenció casi un momento místico.

Rosalía paseó por los éxitos como Berghain, adornado al final con la remix de Conrad Taylor, La Perla, La Yugular, la emotiva Magnolias y por supuesto, una de las más esperadas Reliquia, con un guiño a este primer concierto, donde cambió la letra por: «Crecí y el descaro lo aprendí, aquí en Barcelona».

La artista dedicó unas palabras a su ciudad antes de interpretar Mio Cristo Piange Diamanti, dijo: «Siento que el corazón me iba a mil pero por una razón muy concreta, y es porque le estoy cantando a mi ciudad».

Incluso regaló a los asistentes un repaso por temas del ya icónico Motomami como CUUUUuuuuuute, Despechá o Bizcochito ¡Un lujazo!.

LUX y el desamor: Melancolía, odio y resignación.

Durante todo el concierto hubo momentos de euforia, pero también pausas que permitieron sentir la música de una forma, que pocas veces se logra en un espectáculo de este tipo. Y es que en la primera noche del tour en la ciudad condal, los asistentes se transportaron a través de la música de Rosalía viviendo intensamente todos los espectros del desamor, como lo son la melancolía, el odio y la resignación.

También hubo momentos de goce y el público río a carcajadas con la visita al confesionario de la actriz Yolanda Ramos, que explicó una anécdota sobre su relación con «una perla» (forma que ya usamos los fans de Rosalía para referirnos a un hombre, que digamos, no vale para nada).

Esta semana continúa el tour en Barcelona y la expectativa cada vez es más grande. Y es que si Rosalía está sobre el escenario, nadie puede dejar de mirar, le guste o no.

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No solo fue famoso por su música también por sus innumerables alter egos que marcaron una generación. Con su estilo lograba mostrar que lo diferente era igual de interesante y que no siempre se debía vivir dentro de los convencionalismos.

Con un físico muy peculiar y ojos disparejos, David Bowie se aventuró -como él mismo dijo- a contribuir con la cultura en la que vivía, sin prejuicios.

Monos ajustados, plataformas, ropa en colores llamativos, maquillaje y cortes sacados de la una película de ciencia ficción, estaban a la orden del día. Aquí algunos de sus looks más famosos.

The Man Who Sold The World, un andrógino David Bowie.

Michael Fish fue el encargado de diseñar el vestido que luciría Bowie en la portada de este disco. Un vestido que hacia viésemos a un David Bowie andrógino, una característica que le acompañaría toda su vida y que se convertiría en un sello de identidad.

Este look fue muy polémico. Bowie afirmo que en algunos lugares más convencionales inclusive la gente le amenazó.

Ziggy Stardust, unos de los alter egos más emblemáticos de Bowie.

Su monos espaciales eran una de las características más llamativas de este personaje extraterrestre que venía a llenar el planeta de esperanza. Como este alter ego tenemos algunos de los look más llamativos de Bowie.

El diseñador Kansai Yamamoto diseño una de las piezas más increíbles y vanguardistas para David Bowie. Este mono con piernas abombadas y rayas ha sido inspiración para marcas contemporáneas. Con Yamamoto, Bowie tendría una fructífera relación creativa.

«Hay un hombre de las estrellas esperando en el cielo. Nos ha dicho que no le hagamos explotar porque sabe que merece la pena». Starman

The Thin White Duke

El disco se llamaba Station to Station y con él nacía en otro alter ego de Bowie The Thin White Duke. Un personaje vestido de cabaret que  ya había dejado verse en la gira de 1975 del artista.

Siempre iba con pantalones ajustados negros, chaleco y camisa blanca.

Algunos dicen que este era el personaje más normal de Bowie, aunque muchos describieron a este Duque Blanco como «un aristócrata loco».

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Laberinto, en las manos de Jim Henson.

En 1986 fue parte del elenco de la película dirigida por Jim Henson -el padre de Los Muppets- Laberinto.

En esta película hacía del Rey de los Duendes y se movía en un universo místico, lleno de criaturas extrañas y música. Aquí Bowie dejó no solo ver todas sus aptitudes actorales, también pudo vivir la fantasía de pertenecer a un mundo lleno de criaturas fantásticas.

En los tiempos que corren muchos piensan que los artistas que se pintan las uñas o usan ropa excéntrica están inventando una nueva forma de expresión. La próxima vez que veas a alguien impresionado por la osadía estética del artista de turno, recuerda que hace décadas ya un artista lo hizo: David Bowie.

¿Quieres saber más sobre Bowie? Puedes encontrar mucha info en la colección de Taschen del artista.

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Marty McFly en total denim

Es verdad que el chaleco rojo es una de las prendas más recordadas del vestuario, pero es que uno de los looks más geniales y que pueden considerarse muy actual es el total denim que usa el personaje. Marty no se cambia mucho de ropa en las películas, pero cuando lo hace queda grabado en nuestra pupila, como si fuese nuestro primer beso.

La maxi cazadora de jean con interior estampado, los Nike blancos y las gafas de aviador podrían ser un look que viésemos en cualquier calle de Madrid o Barcelona.

¿Quién no ama esa chaqueta con texturas de jean y mangas gigantescas? Es una prenda que podrías combinar con cualquier otro color sin problema y en invierno utilizarla con alguna sudadera por debajo sería muy cómodo.

Capa sobre capa

Jennifer interpretada por la actriz Claudia Wells es la novia de Marty. Su vestuario es una absoluta maravilla. Una mezcla de estampados y colores muy propias de la época de los 80´s pero que ahora vuelve y que nos encantaría llevar a cualquier lugar.

También el look de Marty compuesto por estampados mezclados es una maravilla.

Otro de los fashion icons de la película son las gafas que utiliza el personaje, vemos sus gafas de maxi aviador y las famosas wayfarer de Rayban que Marty combina con un sombrero y una cazadora de piel negra o con su look de jean. Estas gafas se convirtieron en el must de una generación.

Michael J. Fox su estilo marcaba también fuera de las cámaras

Para la generación que creció con estas películas el personaje de McFly era un referente absoluto y todos querían copiar su estilo, pero Michael J. Fox tenía un estilo increíble detrás de cámaras.

Los últimos looks de los que hablaremos pueden ser nuestros favoritos pero no salieron en la película. Si nos centramos en sus looks a pie de calle Fox podría ser considerado una especie de James Dean moderno.

Se podría ver al actor con camisas ajustadas y pantalones de pinzas, siempre combinados con elementos más modernos como zapatillas o gafas.

Marty McFly ¿Quieres copiar su estilo?

En estos tiempos no es difícil copiar el estilo de Marty McFly, inclusive Nike ha sacado al mercado en 2016 una edición limitada de las mismas zapatillas futuristas que uso en una de las películas, aunque te advertimos las puedes conseguir desde 999 euros a 30.000 euros en Internet, lo que las convierte en una prenda no para todos los bolsillos.

Ahora sí lo que quieres es usar las clásicas zapatillas Nike blancas que acompañan al personaje a lo largo de la película, pues las tienes en Internet a un precio más razonable, menos de 100 euros.

Hoy es un buen día para sentarte a ver la trilogía de «Volver al futuro», eso sí con una libreta en la mano para apuntar las tendencias. Verás como ves detalles muy actuales en su vestuario ¿Te animas?.

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De la subcultura skate al streetwear

Con la popularidad del skate vino la popularidad de los skaters y todo lo que los rodeaba. Cuando John «Hut» Hutson, Tony Alva, Rodney Mullen o  Patti McGee hacían un heelflip o un ollie, siempre había una multitud mirando. No miraban solo lo que hacían, sino también lo que llevaban puesto. Muy pronto las zapatillas para skate pasaron a ser objeto de deseo más allá del mundo skate.

Para la década de los 90, el estilo de vestir skate ya era mainstream. Su popularidad puede haber fluctuado, pero nunca ha desaparecido y en los últimos años se ha mantenido al alza. Es un look inconfundible en el que la ropa es suelta, cómoda, funcional. Los pantalones cargo, largos o hasta las rodillas. Las camisetas o sudaderas, extra grandes. Son las señas de identidad clásicas del skater, detrás de las que están marcas icónicas como Vans, Thrasher, Emerica y Undefeated.

Hace unos años, sin embargo, el estilo skate irrumpió en el mundo de la ropa de lujo y la alta costura. En la memoria colectiva ha quedado el desfile de Dior Homme de otoño 2016, para el que Kris Van Assche ideó un escenario marcado por luces de neón que parecían imitar las estructuras de concreto de un skate park. En la ropa, un traje entallado bajo un pantalón cargo. Gucci y Louis Vuitton también se han dejado seducir por la estética del monopatín.

Mucho más que unas zapatillas guapas

En el skating, el calzado es un elemento casi tan importante como la propia tabla. Aunque a simple vista no se note, hay diferencias importantes entre las zapatillas para skate y todas las demás.

Para empezar, las suelas, que en las zapatillas de skate son planas, con mucho agarre, flexibilidad y, sobre todo, lo suficientemente delgadas para poder sentir la tabla. La suela tipo cup sole es muy popular, pues la forma en la que rodea la parte superior del zapato protege los sufridos talones y tobillos de la skater.

Es una característica fácilmente reconocible en modelos tan populares como las Numeric 306 y Numeric 272 ORB de New Balance; las colaboraciones de DC con Carrots y Pop Trading; y las AB VMoo2 de Last Resort, la marca del skater sueco Pontus Alv, el fundador de Polar Skate Co.

Y hay otra característica de las zapatillas para skate de la que somos muy fans: son unisex. Rayssa Leal y Leticia Bufoni pisan la tabla con los mismos modelos que Kelvin Hoefler y Nyjah Huston. Y con el mismo virtuosismo.

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El primer paso es no suscribirte a todo.

Formularios online, newsletters, sorteos y descargas “gratuitas” suelen pedir más datos de los necesarios. Antes de introducir tu correo o teléfono, pregúntate si realmente necesitas ese contenido. Lo mismo aplica al mundo offline: tarjetas de fidelización, rifas en centros comerciales o encuestas rápidas también recopilan información que luego se almacena y vende.

Segundo: nunca marques la casilla de ceder tus datos a terceros.

Muchas veces aparece preseleccionada de forma casi invisible. Detente, revisa y desmárcala siempre. Esa casilla permite que tu información circule entre empresas que no conoces y que no puedes controlar.

Tercero: usa contraseñas únicas y fuertes.

Repetir la misma contraseña en varias plataformas es uno de los errores más comunes. Un solo fallo puede abrir la puerta a múltiples cuentas. Los gestores de contraseñas ya no son un lujo, sino una herramienta básica.

Cuarto: desconfía del “gratis”.

Si una app o servicio no cuesta dinero, probablemente el producto seas tú. Revisa permisos, especialmente acceso a contactos, micrófono o ubicación, y limita lo innecesario.

Por último: actualiza tus dispositivos y aplicaciones.

Muchas brechas de seguridad se aprovechan de versiones antiguas. Las actualizaciones no solo añaden funciones: corrigen vulnerabilidades.

Proteger tus datos no significa vivir con miedo, sino con criterio. En Internet, la privacidad no se pierde de golpe, se diluye poco a poco. Recuperar el control empieza por pequeños gestos diarios.

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Aquí te contamos cinco temas que vuelven a sonar con fuerza gracias a la serie y que, más allá de nostalgia, reconstruyen un momento cultural y sentimental que sigue vivo en nuestras playlists:

1. “Kiss Me” — Sixpence None The Richer

Este clásico romántico se ha convertido en sinónimo de juventud y enamoramientos espontáneos. Su habilidad para evocar emociones simples y sinceras lo hace perfecto para escenas que celebran el enamoramiento y la inocencia antes de que las complejidades de la vida adulta entren en juego.

2. “Loaded” — Primal Scream

Representa ese espíritu despreocupado de los 90, una era en la que la cultura pop parecía moverse sin filtros. La energía cruda y casi festiva de este tema subraya el contraste entre apariencias públicas y momentos privados, algo que la serie explora una y otra vez.

3. “Fade Into You” — Mazzy Star

Quizá uno de los momentos más icónicos de la década, este tema trae consigo una melancolía sutil. Su inclusión resalta no solo romanticismo, sino también una sensación de anhelo y vulnerabilidad que define muchas de las secuencias más introspectivas de la serie.

4. “Human Behaviour” — Björk

Elegida por Malone como uno de los puntos culminantes de la curaduría, esta canción introduce una textura sonora más experimental y emocional. No es solo un ejercicio de nostalgia, sino una forma de conectar la psicología interna de los personajes con una estética musical que, en su tiempo, también parecía adelantarse a su época.

5. “This Woman’s Work” — Kate Bush

Clásico atemporal que ha sobrevivido décadas por su capacidad para conmover. Colocar esta pieza en momentos de introspección o transformación le da a la serie una profundidad emocional extra, elevando la experiencia audiovisual a un nivel más íntimo y universal.

Lo que distingue la banda sonora de Love Story es que no se limita a hits fácilmente reconocibles, sino que mezcla himnos generacionales con piezas más sutiles, capaces de hablar tanto a quienes vivieron los 90 como a nuevas audiencias que ahora los están redescubriendo.

En un mundo saturado de música de fondo, estas canciones vuelven no como simples acompañantes, sino como narradoras polifónicas de una historia que sigue resonando en nosotros.

Aquí te dejamos el enlace de Spotify.

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