No solo fue famoso por su música también por sus innumerables alter egos que marcaron una generación. Con su estilo lograba mostrar que lo diferente era igual de interesante y que no siempre se debía vivir dentro de los convencionalismos.

Con un físico muy peculiar y ojos disparejos, David Bowie se aventuró -como él mismo dijo- a contribuir con la cultura en la que vivía, sin prejuicios.

Monos ajustados, plataformas, ropa en colores llamativos, maquillaje y cortes sacados de la una película de ciencia ficción, estaban a la orden del día. Aquí algunos de sus looks más famosos.

The Man Who Sold The World, un andrógino David Bowie.

Michael Fish fue el encargado de diseñar el vestido que luciría Bowie en la portada de este disco. Un vestido que hacia viésemos a un David Bowie andrógino, una característica que le acompañaría toda su vida y que se convertiría en un sello de identidad.

Este look fue muy polémico. Bowie afirmo que en algunos lugares más convencionales inclusive la gente le amenazó.

Ziggy Stardust, unos de los alter egos más emblemáticos de Bowie.

Su monos espaciales eran una de las características más llamativas de este personaje extraterrestre que venía a llenar el planeta de esperanza. Como este alter ego tenemos algunos de los look más llamativos de Bowie.

El diseñador Kansai Yamamoto diseño una de las piezas más increíbles y vanguardistas para David Bowie. Este mono con piernas abombadas y rayas ha sido inspiración para marcas contemporáneas. Con Yamamoto, Bowie tendría una fructífera relación creativa.

«Hay un hombre de las estrellas esperando en el cielo. Nos ha dicho que no le hagamos explotar porque sabe que merece la pena». Starman

The Thin White Duke

El disco se llamaba Station to Station y con él nacía en otro alter ego de Bowie The Thin White Duke. Un personaje vestido de cabaret que  ya había dejado verse en la gira de 1975 del artista.

Siempre iba con pantalones ajustados negros, chaleco y camisa blanca.

Algunos dicen que este era el personaje más normal de Bowie, aunque muchos describieron a este Duque Blanco como «un aristócrata loco».

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Laberinto, en las manos de Jim Henson.

En 1986 fue parte del elenco de la película dirigida por Jim Henson -el padre de Los Muppets- Laberinto.

En esta película hacía del Rey de los Duendes y se movía en un universo místico, lleno de criaturas extrañas y música. Aquí Bowie dejó no solo ver todas sus aptitudes actorales, también pudo vivir la fantasía de pertenecer a un mundo lleno de criaturas fantásticas.

En los tiempos que corren muchos piensan que los artistas que se pintan las uñas o usan ropa excéntrica están inventando una nueva forma de expresión. La próxima vez que veas a alguien impresionado por la osadía estética del artista de turno, recuerda que hace décadas ya un artista lo hizo: David Bowie.

¿Quieres saber más sobre Bowie? Puedes encontrar mucha info en la colección de Taschen del artista.

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Marty McFly en total denim

Es verdad que el chaleco rojo es una de las prendas más recordadas del vestuario, pero es que uno de los looks más geniales y que pueden considerarse muy actual es el total denim que usa el personaje. Marty no se cambia mucho de ropa en las películas, pero cuando lo hace queda grabado en nuestra pupila, como si fuese nuestro primer beso.

La maxi cazadora de jean con interior estampado, los Nike blancos y las gafas de aviador podrían ser un look que viésemos en cualquier calle de Madrid o Barcelona.

¿Quién no ama esa chaqueta con texturas de jean y mangas gigantescas? Es una prenda que podrías combinar con cualquier otro color sin problema y en invierno utilizarla con alguna sudadera por debajo sería muy cómodo.

Capa sobre capa

Jennifer interpretada por la actriz Claudia Wells es la novia de Marty. Su vestuario es una absoluta maravilla. Una mezcla de estampados y colores muy propias de la época de los 80´s pero que ahora vuelve y que nos encantaría llevar a cualquier lugar.

También el look de Marty compuesto por estampados mezclados es una maravilla.

Otro de los fashion icons de la película son las gafas que utiliza el personaje, vemos sus gafas de maxi aviador y las famosas wayfarer de Rayban que Marty combina con un sombrero y una cazadora de piel negra o con su look de jean. Estas gafas se convirtieron en el must de una generación.

Michael J. Fox su estilo marcaba también fuera de las cámaras

Para la generación que creció con estas películas el personaje de McFly era un referente absoluto y todos querían copiar su estilo, pero Michael J. Fox tenía un estilo increíble detrás de cámaras.

Los últimos looks de los que hablaremos pueden ser nuestros favoritos pero no salieron en la película. Si nos centramos en sus looks a pie de calle Fox podría ser considerado una especie de James Dean moderno.

Se podría ver al actor con camisas ajustadas y pantalones de pinzas, siempre combinados con elementos más modernos como zapatillas o gafas.

Marty McFly ¿Quieres copiar su estilo?

En estos tiempos no es difícil copiar el estilo de Marty McFly, inclusive Nike ha sacado al mercado en 2016 una edición limitada de las mismas zapatillas futuristas que uso en una de las películas, aunque te advertimos las puedes conseguir desde 999 euros a 30.000 euros en Internet, lo que las convierte en una prenda no para todos los bolsillos.

Ahora sí lo que quieres es usar las clásicas zapatillas Nike blancas que acompañan al personaje a lo largo de la película, pues las tienes en Internet a un precio más razonable, menos de 100 euros.

Hoy es un buen día para sentarte a ver la trilogía de «Volver al futuro», eso sí con una libreta en la mano para apuntar las tendencias. Verás como ves detalles muy actuales en su vestuario ¿Te animas?.

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De la subcultura skate al streetwear

Con la popularidad del skate vino la popularidad de los skaters y todo lo que los rodeaba. Cuando John «Hut» Hutson, Tony Alva, Rodney Mullen o  Patti McGee hacían un heelflip o un ollie, siempre había una multitud mirando. No miraban solo lo que hacían, sino también lo que llevaban puesto. Muy pronto las zapatillas para skate pasaron a ser objeto de deseo más allá del mundo skate.

Para la década de los 90, el estilo de vestir skate ya era mainstream. Su popularidad puede haber fluctuado, pero nunca ha desaparecido y en los últimos años se ha mantenido al alza. Es un look inconfundible en el que la ropa es suelta, cómoda, funcional. Los pantalones cargo, largos o hasta las rodillas. Las camisetas o sudaderas, extra grandes. Son las señas de identidad clásicas del skater, detrás de las que están marcas icónicas como Vans, Thrasher, Emerica y Undefeated.

Hace unos años, sin embargo, el estilo skate irrumpió en el mundo de la ropa de lujo y la alta costura. En la memoria colectiva ha quedado el desfile de Dior Homme de otoño 2016, para el que Kris Van Assche ideó un escenario marcado por luces de neón que parecían imitar las estructuras de concreto de un skate park. En la ropa, un traje entallado bajo un pantalón cargo. Gucci y Louis Vuitton también se han dejado seducir por la estética del monopatín.

Mucho más que unas zapatillas guapas

En el skating, el calzado es un elemento casi tan importante como la propia tabla. Aunque a simple vista no se note, hay diferencias importantes entre las zapatillas para skate y todas las demás.

Para empezar, las suelas, que en las zapatillas de skate son planas, con mucho agarre, flexibilidad y, sobre todo, lo suficientemente delgadas para poder sentir la tabla. La suela tipo cup sole es muy popular, pues la forma en la que rodea la parte superior del zapato protege los sufridos talones y tobillos de la skater.

Es una característica fácilmente reconocible en modelos tan populares como las Numeric 306 y Numeric 272 ORB de New Balance; las colaboraciones de DC con Carrots y Pop Trading; y las AB VMoo2 de Last Resort, la marca del skater sueco Pontus Alv, el fundador de Polar Skate Co.

Y hay otra característica de las zapatillas para skate de la que somos muy fans: son unisex. Rayssa Leal y Leticia Bufoni pisan la tabla con los mismos modelos que Kelvin Hoefler y Nyjah Huston. Y con el mismo virtuosismo.

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El primer paso es no suscribirte a todo.

Formularios online, newsletters, sorteos y descargas “gratuitas” suelen pedir más datos de los necesarios. Antes de introducir tu correo o teléfono, pregúntate si realmente necesitas ese contenido. Lo mismo aplica al mundo offline: tarjetas de fidelización, rifas en centros comerciales o encuestas rápidas también recopilan información que luego se almacena y vende.

Segundo: nunca marques la casilla de ceder tus datos a terceros.

Muchas veces aparece preseleccionada de forma casi invisible. Detente, revisa y desmárcala siempre. Esa casilla permite que tu información circule entre empresas que no conoces y que no puedes controlar.

Tercero: usa contraseñas únicas y fuertes.

Repetir la misma contraseña en varias plataformas es uno de los errores más comunes. Un solo fallo puede abrir la puerta a múltiples cuentas. Los gestores de contraseñas ya no son un lujo, sino una herramienta básica.

Cuarto: desconfía del “gratis”.

Si una app o servicio no cuesta dinero, probablemente el producto seas tú. Revisa permisos, especialmente acceso a contactos, micrófono o ubicación, y limita lo innecesario.

Por último: actualiza tus dispositivos y aplicaciones.

Muchas brechas de seguridad se aprovechan de versiones antiguas. Las actualizaciones no solo añaden funciones: corrigen vulnerabilidades.

Proteger tus datos no significa vivir con miedo, sino con criterio. En Internet, la privacidad no se pierde de golpe, se diluye poco a poco. Recuperar el control empieza por pequeños gestos diarios.

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Aquí te contamos cinco temas que vuelven a sonar con fuerza gracias a la serie y que, más allá de nostalgia, reconstruyen un momento cultural y sentimental que sigue vivo en nuestras playlists:

1. “Kiss Me” — Sixpence None The Richer

Este clásico romántico se ha convertido en sinónimo de juventud y enamoramientos espontáneos. Su habilidad para evocar emociones simples y sinceras lo hace perfecto para escenas que celebran el enamoramiento y la inocencia antes de que las complejidades de la vida adulta entren en juego.

2. “Loaded” — Primal Scream

Representa ese espíritu despreocupado de los 90, una era en la que la cultura pop parecía moverse sin filtros. La energía cruda y casi festiva de este tema subraya el contraste entre apariencias públicas y momentos privados, algo que la serie explora una y otra vez.

3. “Fade Into You” — Mazzy Star

Quizá uno de los momentos más icónicos de la década, este tema trae consigo una melancolía sutil. Su inclusión resalta no solo romanticismo, sino también una sensación de anhelo y vulnerabilidad que define muchas de las secuencias más introspectivas de la serie.

4. “Human Behaviour” — Björk

Elegida por Malone como uno de los puntos culminantes de la curaduría, esta canción introduce una textura sonora más experimental y emocional. No es solo un ejercicio de nostalgia, sino una forma de conectar la psicología interna de los personajes con una estética musical que, en su tiempo, también parecía adelantarse a su época.

5. “This Woman’s Work” — Kate Bush

Clásico atemporal que ha sobrevivido décadas por su capacidad para conmover. Colocar esta pieza en momentos de introspección o transformación le da a la serie una profundidad emocional extra, elevando la experiencia audiovisual a un nivel más íntimo y universal.

Lo que distingue la banda sonora de Love Story es que no se limita a hits fácilmente reconocibles, sino que mezcla himnos generacionales con piezas más sutiles, capaces de hablar tanto a quienes vivieron los 90 como a nuevas audiencias que ahora los están redescubriendo.

En un mundo saturado de música de fondo, estas canciones vuelven no como simples acompañantes, sino como narradoras polifónicas de una historia que sigue resonando en nosotros.

Aquí te dejamos el enlace de Spotify.

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Muchas personas gastan grandes cantidades de dinero en rutinas complejas que, lejos de mejorar la piel, la irritan, la sensibilizan o simplemente no aportan beneficios reales. El problema no es el cuidado facial, sino el exceso.

Una rutina eficaz se basa en lo esencial: limpieza suave, hidratación adecuada y protección solar diaria. Todo lo demás debería responder a una necesidad concreta, no a una tendencia viral. Usar varios productos con activos similares —retinol, ácidos, exfoliantes— puede provocar el efecto contrario al deseado.

Simplificar no significa abandonar el cuidado, sino entender tu piel. No todas necesitan sérums múltiples ni tratamientos intensivos. De hecho, muchas barreras cutáneas se dañan por sobretratamiento, generando dependencia constante de nuevos productos para “arreglar” problemas creados por la propia rutina.

Además, el skincare se ha convertido en una forma de consumo aspiracional. Compramos promesas, no siempre resultados. Simplificar también es una decisión económica y mental: menos pasos, menos gasto, menos ansiedad por “hacerlo mal”.

Escuchar a profesionales, introducir productos de uno en uno y dar tiempo a la piel para reaccionar suele ser más efectivo que cambiar de rutina cada mes. La piel necesita constancia, no saturación.

Cuidarse no debería ser una carrera ni una inversión interminable. A veces, la mejor rutina es la que puedes mantener sin culpa, sin exceso y sin vaciar tu cartera.

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Originario de Escocia, el curling combina precisión, lectura del hielo, trabajo en equipo y toma de decisiones bajo presión. Cada lanzamiento puede alterar el desarrollo completo de un partido, lo que lo convierte en un deporte tan táctico como un juego de ajedrez en movimiento.

Stefania Constantini y el curling

En los últimos años, el curling ha ganado visibilidad gracias a figuras que han redefinido su narrativa, entre ellas la italiana Stefania Constantini. Su nombre quedó grabado en la historia tras su actuación impecable en la prueba de dobles mixtos, donde demostró que el curling no es solo tradición, sino también evolución y excelencia contemporánea.

Constantini destacó no solo por su técnica —precisa, constante, casi matemática— sino por su temple. En un deporte donde el error mínimo se paga caro, su capacidad para mantener la concentración y liderar el ritmo del juego fue clave. Su éxito ayudó a posicionar a Italia en un deporte históricamente dominado por países como Canadá, Suecia o Reino Unido.

El curling olímpico, lejos de ser una rareza, representa una nueva forma de entender el deporte: menos velocidad, más inteligencia; menos fuerza bruta, más estrategia. Y atletas como Constantini son prueba de que la excelencia también puede ser silenciosa.

A medida que los Juegos buscan conectar con nuevas audiencias, el curling se consolida como uno de esos deportes que, una vez comprendidos, resultan profundamente adictivos. Y su futuro parece tan pulido como el hielo sobre el que se juega.

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El programa, creado y presentado por Tyra Banks, fue pionero en llevar el mundo del modelaje a la televisión masiva. Sin embargo, el documental expone prácticas que hoy resultan difíciles de justificar: humillaciones públicas, estándares de belleza rígidos, presiones psicológicas y dinámicas de poder cuestionables.

Muchas exconcursantes relatan experiencias de manipulación emocional, comentarios sobre sus cuerpos y decisiones editoriales que afectaron su autoestima durante años. Lo que antes se vendía como “formación” ahora se lee como maltrato normalizado por el formato televisivo de la época.

America’s Next Top Model y Tyra Banks

El foco inevitable recae sobre Tyra Banks, no solo como presentadora, sino como figura de autoridad. El documental no busca un linchamiento fácil, pero sí plantea preguntas incómodas sobre responsabilidad, liderazgo y silencio. ¿Hasta qué punto una creadora es responsable del daño generado por su propio formato?

Más allá del caso concreto, el documental funciona como espejo cultural. Nos obliga a revisar qué aplaudimos, qué consumimos y qué normalizamos en nombre del entretenimiento. America’s Next Top Model no fue un caso aislado, sino parte de una televisión que priorizó el impacto sobre el bienestar.

Revisar el pasado no es cancelarlo, es entenderlo. Y este documental deja claro que el glamour televisivo también tiene sombras que ya no pueden ignorarse.

Descubre más sobre series. 

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1. No sacrifiques tu juicio por conveniencia.
La IA puede generar ideas, textos o análisis espectaculares, pero tu criterio humano es insustituible. Siempre revisa y contextualiza.

2. Confirma con expertos para asuntos críticos.
Si una IA te ofrece consejo médico, financiero o legal, úsalo como punto de partida — nunca como diagnóstico definitivo. Consulta siempre a profesionales cualificados.

3. Protege tu privacidad como un tesoro.
Compartir prompts y datos con algoritmos puede acelerar tu flujo creativo, pero resguarda tu información sensible. Selecciona plataformas de confianza y comprende qué datos compartes.

4. Eleva tu creatividad — No la reemplaces.
Usa IA como colaboradora: desde moodboards de estilo hasta borradores de textos. Pero recuerda: el toque humano transforma lo bueno en icónico. Una IA puede sugerir un look, tú decides si te gusta.

5. Sé crítica con los sesgos.
La IA aprende de datos — y esos datos no siempre son neutrales. Cuestiona lo que te ofrece, identifica posibles estereotipos, y elige siempre un camino que promueva diversidad, inclusión y justicia.

Integrar IA en 2026 no es solo cuestión de adoptar tecnología: es una inversión en inteligencia emocional, ética y estética. Con estos mandamientos, puedes convertir la IA en una aliada poderosa, sin perder tu voz auténtica ni tu estilo distintivo.

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Valentino no solo creó moda: construyó sueños, vistió a mujeres que marcaron la historia y definió una idea de belleza atemporal, romántica y poderosa. Su visión convirtió la feminidad en algo eterno, lejos de tendencias fugaces, y su nombre quedó grabado en la memoria colectiva como sinónimo de lujo, precisión y glamour absoluto. Por eso haremos un repaso por 5 cosas que capaz no sabías del diseñador italiano.

Su nombre real era Valentino Clemente Ludovico Garavani: Nació en 1932 en la pequeña ciudad italiana de Voghera, y desde muy joven supo que su destino era el diseño.

Él fue quien bautizó al icónico “Valentino red” : ese rojo intenso que no solo definió su casa de moda, sino que revolucionó la forma en que pensamos el color en la alta costura. Legendariamente, se inspiró en una mujer en una ópera en Barcelona que estaba vestida de rojo y lo dejó marcado para siempre.

Diseñó uno de los vestidos más recordados de la historia: el vestido de novia de Jackie Kennedy cuando se casó con Aristóteles Onassis en 1968.

Sus pasiones iban más allá de las pasarelas: fue pionero en llevar el prêt-à-porter (ready-to-wear) italiano al mundo y fundó una organización cultural y educativa para expandir su visión artística más allá de la moda.

Amaba a sus pugs: Sí, Valentino tenía una gran colección de estos perros, todos con nombres que empezaban con “M”.

Hoy decimos adiós a un ícono, pero celebramos una vida dedicada a la belleza. Porque Valentino no se va del todo: permanece en cada silueta perfecta, en cada costura impecable y en ese rojo inolvidable que seguirá caminando por las pasarelas del mundo.

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