Hay artistas que se distinguen por una canción. Otros, por una época. Y luego están quienes pueden reconocerse con apenas una frase. La voz de Bonnie Tyler pertenece a esa categoría casi irrepetible: áspera, poderosa, profundamente emocional y capaz de convertir una balada en un acontecimiento.

Una cirugía que le cambio la voz

Lo curioso es que ese rasgo que terminó definiendo toda su carrera nunca estuvo en los planes.

Nacida como Gaynor Hopkins en un pequeño pueblo de Gales, Bonnie Tyler comenzó cantando en clubes locales durante la década de los setenta. Su talento era evidente, pero aún tenía una voz muy distinta a la que terminaría conquistando el mundo. Todo cambió en 1977, cuando tuvo que someterse a una operación para extirpar unos nódulos en las cuerdas vocales.

Los médicos le recomendaron guardar reposo absoluto durante varias semanas. Sin embargo, Tyler rompió esa indicación y comenzó a hablar antes de tiempo. El resultado fue inesperado: sus cuerdas vocales cicatrizaron de una manera distinta y su voz adquirió ese timbre rasgado que, lejos de perjudicarla, terminó convirtiéndose en una de las firmas sonoras más inconfundibles de la música popular.

Lo que para muchos habría supuesto el final de una carrera, para ella fue el comienzo.

Bonnie Tyler, le reina de los 80´s

Durante los años ochenta alcanzó el estatus de estrella internacional con canciones que hoy forman parte de la historia del pop y del rock. «Total Eclipse of the Heart», escrita por Jim Steinman, se convirtió en un fenómeno global gracias a una interpretación que mezclaba vulnerabilidad y potencia como pocas voces podían hacerlo. Poco después llegaría «Holding Out for a Hero», otro himno que trascendió generaciones y encontró nuevas vidas en películas, series, videojuegos y redes sociales.

Pero reducir a Bonnie Tyler a dos éxitos sería injusto. Su carrera supera las cinco décadas y ha demostrado una extraordinaria capacidad para mantenerse vigente sin renunciar nunca a su identidad. Mientras la industria cambiaba de sonido y de protagonistas, ella siguió defendiendo una forma de cantar donde la emoción siempre estaba por encima de la perfección técnica.

Quizá por eso siguió conectando con nuevas generaciones. En un momento en el que muchas voces parecen buscar una precisión casi quirúrgica, Bonnie Tyler nos recordaba que las imperfecciones también pueden convertirse en belleza. Que una cicatriz puede transformarse en una firma artística. Y que, a veces, aquello que creemos que nos rompe acaba siendo precisamente lo que nos hace inolvidables.

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Y no es una percepción. En esta edición, el 42% de los artistas programados fueron mujeres, el 41% hombres, el 15% bandas mixtas y el 1% artistas no binarios, reafirmando una idea que Primavera lleva años defendiendo: cuando un cartel es más diverso, también es más interesante.

Primavera Sound 2026: Comenzamos esta edición con Wet Leg.

Cuando esta banda apareció hace unos años parecía imposible separar el fenómeno viral del proyecto musical. Pero en Barcelona demostraron algo mucho más interesante: ya no son la banda del momento, son una banda con identidad propia. Sobre el escenario se sintieron mucho menos interesados en reproducir el personaje que Internet construyó. Manteniendo el humor, la ironía y esa capacidad para hacer que una canción parezca espontánea aunque esté perfectamente medida. Puedes leer nuestra crónica completa aquí. 

Y aunque el jueves la lluvia amenazó con cambiar el ritmo del festival por un momento, logramos disfrutar de una de las actuaciones que más queríamos ver, la de LaBlackie. Bajo una lluvia que habría vaciado cualquier otro recinto, ella siguió adelante y el público también. Hubo algo muy Primavera en ese momento: quedarse, bailar igual y convertir una situación incómoda en una anécdota más del festival.

Propuestas cargadas de originalidad y potencia.

Hay artistas que generan público y otras que generan comunidad. Lo de Ashnikko fue una celebración colectiva. El público coreó prácticamente cada canción y convirtió el concierto en una especie de rave pop, exagerada, teatral y completamente entregada. Ella dominó el escenario con una presencia inmensa.

Otro concierto que terminó convirtiéndose en conversación fue el de Amaarae. Hipnótica, elegante y completamente magnética. Su propuesta sigue demostrando que el pop global ya no necesita pedir permiso ni adaptarse a fórmulas tradicionales para llenar un escenario.

Probablemente uno de los momentos más interesantes del festival fue la actuación de Addison Rae por lo que representó. Tocando antes de The Cure, parecía que el público estaría dividido entre quienes esperaban a Robert Smith y quienes venían a verla. Pasó justo lo contrario. Las fronteras generacionales desaparecieron y durante una hora vimos convivir a fans del pop más reciente con personas que llevan décadas yendo a conciertos. Addison ya no parece una celebridad jugando a hacer música. Hay algo mucho más claro ocurriendo: está ocupando un lugar dentro del nuevo mapa del pop. Aquí en este artículo te contamos más sobre la artista. 

Vivimos algo que nos esperábamos: El show sorpresa de Olivia Rodrigo.  

La artista no solo nos regaló un set corto con sus grandes éxitos, también tocó un tema con Robert Smith de The Cure y el público enloqueció. Ver compartir escenario a una de las artistas más importantes del pop contemporáneo con uno de los grandes referentes de la música alternativa fue épico.

También volvimos a encontrarnos con PinkPantheress. Ya la habíamos visto antes, pero esta vez hubo algo diferente. Más confianza, más control del escenario, más conexión. Sigue teniendo esa delicadeza tan suya, pero ahora aparece acompañada de una seguridad que confirma que está entrando en otra etapa como performer.

Y por suerte ya hay fecha para volver.

Los tickets para Primavera Sound Barcelona 2027, que se celebrará del 3 al 5 de junio de 2027, ya están disponibles. Haz click aquí.

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La edición de 2026 vuelve a confirmarlo. Durante toda la semana se celebrarán un total de 335 actuaciones, repartidas entre el Parc del Fòrum y diferentes salas y espacios de Barcelona. Artistas procedentes de 37 países compartirán escenario ante un público que llegará desde 145 países distintos, convirtiendo a la ciudad en uno de los puntos de encuentro culturales más importantes del mundo.

Pero los números, por impresionantes que sean, cuentan solo una parte de la historia.

Primavera Sound 2026, comprometido con la diversidad

Desde 2019, Primavera Sound impulsa el protocolo contra agresiones sexuales y discriminación Nobody is Normal, una iniciativa que se ha convertido en una de las señas de identidad del festival. Más que una campaña, es una declaración de principios: la música solo puede disfrutarse plenamente cuando todas las personas se sienten seguras, respetadas y bienvenidas.

La misma filosofía se refleja en la composición del cartel. Este año, el 42% de los artistas programados son mujeres, el 41% hombres, el 15% bandas mixtas y el 1% artistas no binarios. Lejos de entender la paridad como una cuota, Primavera Sound lleva años defendiendo que un festival más diverso es también un festival más interesante, más representativo y, sencillamente, mejor.

Ese compromiso con el futuro también se extiende al plano medioambiental. Por quinto año consecutivo, el festival cuenta con medidas para reducir su impacto ecológico: vasos reutilizables, vajilla compostable, sistemas de hidratación gratuita repartidos por todo el recinto y una infraestructura en la que hasta el 85% de los materiales utilizados tienen una segunda vida edición tras edición.

Detrás de todo ello hay cerca de 9.000 personas trabajando para que el festival sea posible. Veinticuatro días de montaje, ocho de desmontaje y miles de horas de planificación para levantar una ciudad efímera dedicada a la música.

Quizá por eso Primavera Sound sigue siendo mucho más que un festival. Es un espacio donde conviven idiomas, identidades, culturas y formas distintas de entender el mundo. Un lugar donde la diferencia no se tolera: se celebra. Y en un momento histórico en el que tantos discursos intentan dividirnos, esa sigue siendo una de las ideas más poderosas que puede defender un escenario.

Porque si algo ha demostrado Primavera Sound es que nadie es normal. Y precisamente ahí reside toda la riqueza de una comunidad.

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Aquí te contamos cinco temas que vuelven a sonar con fuerza gracias a la serie y que, más allá de nostalgia, reconstruyen un momento cultural y sentimental que sigue vivo en nuestras playlists:

1. “Kiss Me” — Sixpence None The Richer

Este clásico romántico se ha convertido en sinónimo de juventud y enamoramientos espontáneos. Su habilidad para evocar emociones simples y sinceras lo hace perfecto para escenas que celebran el enamoramiento y la inocencia antes de que las complejidades de la vida adulta entren en juego.

2. “Loaded” — Primal Scream

Representa ese espíritu despreocupado de los 90, una era en la que la cultura pop parecía moverse sin filtros. La energía cruda y casi festiva de este tema subraya el contraste entre apariencias públicas y momentos privados, algo que la serie explora una y otra vez.

3. “Fade Into You” — Mazzy Star

Quizá uno de los momentos más icónicos de la década, este tema trae consigo una melancolía sutil. Su inclusión resalta no solo romanticismo, sino también una sensación de anhelo y vulnerabilidad que define muchas de las secuencias más introspectivas de la serie.

4. “Human Behaviour” — Björk

Elegida por Malone como uno de los puntos culminantes de la curaduría, esta canción introduce una textura sonora más experimental y emocional. No es solo un ejercicio de nostalgia, sino una forma de conectar la psicología interna de los personajes con una estética musical que, en su tiempo, también parecía adelantarse a su época.

5. “This Woman’s Work” — Kate Bush

Clásico atemporal que ha sobrevivido décadas por su capacidad para conmover. Colocar esta pieza en momentos de introspección o transformación le da a la serie una profundidad emocional extra, elevando la experiencia audiovisual a un nivel más íntimo y universal.

Lo que distingue la banda sonora de Love Story es que no se limita a hits fácilmente reconocibles, sino que mezcla himnos generacionales con piezas más sutiles, capaces de hablar tanto a quienes vivieron los 90 como a nuevas audiencias que ahora los están redescubriendo.

En un mundo saturado de música de fondo, estas canciones vuelven no como simples acompañantes, sino como narradoras polifónicas de una historia que sigue resonando en nosotros.

Aquí te dejamos el enlace de Spotify.

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La era que se aproxima es más que un simple retorno: es una declaración estética. La portada del disco, donde Styles posa bajo una bola de discoteca suspendida en un paisaje onírico, sugiere un enfoque sonoro más juguetón, inspirado en el disco y la nostalgia moderna — un equilibrio perfecto entre lo retro y lo futurista.

La anticipación no llegó de la nada. A principios de enero, carteles minimalistas con el mensaje “We Belong Together” aparecieron en ciudades de todo el mundo, impulsando a fans y fashionistas por igual a especular sobre lo que vendría. Esta estrategia de teaser no solo encendió las redes sociales, sino que reintrodujo a Styles como un maestro del misterio cultural, un creador que entiende que una era nueva comienza antes incluso de que suene la primera nota.

Recordemos que la gira mundial Love On Tour fue un fenómeno global para su álbum anterior, consolidándolo no solo como un músico brillante sino como un intérprete magnético cuyo estilo ha influido en wardrobes de celebrities y street style de ciudades desde Nueva York hasta Tokio. Ahora, con este nuevo capítulo, todo indica que su estética será tan celebrada como su música: piensa lentejuelas, sastrería oversize, texturas disco y una paleta cromática que hace guiños a los 70 sin perder modernidad.

Mientras el mundo espera el single principal, muchas publicaciones predicen que esta nueva era será un renacimiento sonoro y cultural.

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Una de las claves más potentes de Lux es cómo Rosalía echa mano de figuras femeninas de distintas culturas como fuente de inspiración para construir su narrativa. Podemos encontrar en su trabajo referencias a Santa Teresa, Juana de Arco o  Hildegarda de Bingen, entre muchas otras.

Estas mujeres no se utilizan sólo como guiños históricos, sino como arquetipos de resistencia, transformación, entrega y libertad: mujeres que, en distintos contextos, escaparon a la norma, se ofrecieron a algo mayor o redefinieron sus destinos. Rosalía parece conectar con esa línea para pensarse a sí misma: como artista, como mujer y como buscadora. El resultado es un álbum que funciona casi como un “salterio de mujeres” contemporáneas, un homenaje creativo a esa genealogía.

Un álbum que se pasea entre lo emocional y lo sagrado.

En Lux, Rosalía mueve su discurso entre lo íntimo, lo emocional y lo sagrado. Se habla de rupturas amorosas, del orgullo dañado, de la culpa, de la reivindicación, pero también de la devoción, de lo espiritual y de lo maravilloso. La misma estructura lo deja claro: dividido en cuatro movimientos y cantado en más de trece idiomas, Rosalía quiere que la obra se escuche como un viaje, no como una selección de hits.

La identidad femenina de Lux.

Otra dimensión clave es la forma en que Rosalía explora la identidad femenina desde múltiples ángulos: artista, mujer, icono, creyente, amada y también abandonada. No presenta mujeres intocables y perfectas, sino mujeres que tomaron decisiones radicales, que se liberaron del daño, que dieron forma a su voz. Y lo hace siendo consciente de que el mundo del pop tiene muchas trampas (visibilidad, explotación). Así, el álbum se convierte también en una declaración: como mujer, como artista transgresora, como creadora que no pide permiso.

Lux es ambicioso, valiente, reflexivo. Rosalía se arriesga, construye un universo propio, y lo hace apuntando a las mujeres que vinieron antes, a la espiritualidad, al corazón herido y al poder de reinventarse. Para quienes estén preparados para sumergirse, la recompensa es grande: una obra donde la luz (lux) —literalmente— se convierte en metáfora de liberación, de feminidad, de arte sin compromisos.

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Escucha el álbum aquí. 

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Desde los primeros compases, el escenario se transformó en una catedral del exceso: luces rojas, estructuras góticas, fuego, humo y un vestuario que cambiaba al ritmo de cada beat. Gaga emergió de un telón que parecía un organismo vivo y, acompañada por un cuerpo de baile impecable, enlazó clásicos como “Bad Romance”, “Born This Way” y “Poker Face” con temas de su nuevo álbum Mayhem. El resultado fue un recorrido por toda su trayectoria, pero reinterpretado desde una estética más oscura y cinematográfica.

El público, miles de “Little Monsters” entregados, respondió con una energía que hizo vibrar el recinto. En uno de los momentos más íntimos de la noche, Gaga se acercó al extremo del escenario para interpretar una versión minimalista de “Shallow”, rodeada de luces LED y con el público coreando cada verso. Ese equilibrio entre grandilocuencia y cercanía definió el tono del espectáculo.

Más allá del despliegue visual, lo que impresionó fue la solidez vocal y emocional de Gaga. Su capacidad para pasar del susurro al rugido sin perder autenticidad sigue siendo su sello distintivo. En Barcelona, reafirmó su posición como una de las artistas más completas y visionarias del pop contemporáneo.

Con Mayhem Ball, Lady Gaga no solo ofreció un concierto, sino una declaración artística: la prueba de que, incluso después de dos décadas de carrera, sigue reinventando el espectáculo y convirtiendo cada noche en una celebración de identidad, exceso y libertad.

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Lejos de los ritmos urbanos que la consagraron, Berghain se construye sobre una arquitectura sonora majestuosa: cuerdas, coros y percusiones de intensidad casi litúrgica. La producción —que involucra a la London Symphony Orchestra— articula un crescendo que pasa de lo etéreo a lo abrumador, con una precisión técnica que impresiona. Rosalía canta en tres idiomas —alemán, español e inglés— como quien invoca distintas dimensiones de sí misma.

La colaboración con Björk y Yves Tumor refuerza esa idea de multiplicidad. La islandesa aporta una presencia casi divina en el tramo final, mientras Tumor irrumpe con una voz carnal y desafiante. Entre ambos, la catalana equilibra lo celestial y lo terrenal, lo delicado y lo feroz. Es una comunión de fuerzas que expande los límites de la canción pop hacia lo performativo.

El videoclip, dirigido por Nicolás Méndez, traduce visualmente ese viaje. Vemos a Rosalía marchando junto a una orquesta vestida de negro a través de escenarios que oscilan entre lo cotidiano y lo mítico. Aparecen símbolos de culpa y redención —cruces, manzanas, animales cegados— que remiten tanto a la iconografía religiosa como al imaginario del club. Todo vibra con una mezcla de sensualidad y misticismo que resulta hipnótica.

Líricamente, Berghain habla del miedo, del amor y de la fusión con el otro: “Su miedo es mi miedo, su sangre es mi sangre”, recita en alemán al inicio. 

Esta canción no ha sido pensanda para sonar en todas las playlists, tampoco está hecha para que todo el mundo la entienda, aunque se pretenda que sí, convirtiéndola casi en una declaración de estatus cultural.  

Si esperas algo como Motomami, te vas a decepcionar. Con Berghain, simplemente explorarás lo inesperado. 

En tiempos donde la música pop tiende a la homogeneidad, Berghain destaca por su ambición estética y emocional. Es la declaración de una artista que se atreve a cruzar las puertas de su propio mito, invitando al público a acompañarla en un viaje donde lo divino y lo profano se funden en una sola voz.

Ve Berghain aquí. 

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Cada conjunto interpreta, desde el vestuario, la energía única de sus conciertos. Aquí, la moda se convierte en parte del setlist.

Team: Artistic Director/Stylist: Iván Aguilera @Ivanaguilera.style · Photography & Retouch: Irina Güemez @irinaguemez · Photo assistant: Marisa Bataner @marissa.illust · Model: Carla Alós @carlaalos_ Agency: @towandamodels · Muah: Paula Conde @paulacmarquez.muah · Styling assistant: Raquel Arroyo @raquearroyo

Look 1 – Neón arquitectónico para el set de Charli XCX

El minivestido chartreuse verde de mangas maxi‑lazo brilla con la misma energía hyper‑pop que se espera de Charli XCX en el escenario principal. Botines en denim que soportan horas de baile y un bolso trenzado artesanalmente firman un outfit pensado para corear “Vroom Vroom” sin sacrificar estilo. Pura visibilidad en medio del Fórum cuando retumben los sintetizadores.

Dress : Celia B @celiabdesigner

Boots: Twentyfourhaitch @twentyfourhaitch

Bag: Komorebi  @komorebibrandd

Look 2 – Look noventero para Beabadoobee

Twin‑set mandarina y crochet lima: ligereza perfecta para perderse en la actuación de de Beabadoobee. La textura artesanal del punto encaja con su universo nostálgico, mientras los clips pop y el mix de colores aportan frescura en clave noventera. Ideal para un show donde el grunge y la delicadeza caminan de la mano.

Total look:Pinko @pinkoofficial

Shoes:Buffalo @buffaloshoes

Bag: Kurtgeiger @kurtgeiger

Look 3 – Lentejuelas para el after‑hours con Amaia

El vestido convierte al público en bola de espejos justo a tiempo para el pop introspectivo y luminoso de  Amaia. Los destellos plateados reflejan la emoción de cada acorde, mientras las plataformas celestes aportan un aire onírico sin renunciar al confort. Una elección ideal para dejarse llevar y corear cada uno de sus temas. 

Dress: Twentyfourhaitch @twentyfourhaitch

Glasses: Galferdexign @galfer_eyerwear

Shoes:Buffalo @buffaloshoes

Look 4 – Encaje blanco para soñar con Sabrina Carpenter

Un minivestido de encaje etéreo que dialoga a la perfección con la estética coquette de Sabrina Carpenter. Fresco, femenino y con textura romántica, este look captura la luz del día y acompaña el ritmo vibrante de “Espresso” con un aire effortless digno de estrella pop.

Dress: Charo Ruiz Ibiza @charoruizibiza

Shoes:Kurtgeiger @kurtgeiger

Bag: @karllagerfeld

Look 5 – Sastrería rosa & sparkle para Chappell Roan

Traje fluido rosa empolvado combinado con sujetador de lentejuelas ton sur ton: elegancia dramática con un punto teatral que encaja con la energía queer y maximalista de Chappell Roan. Un outfit que mezcla glamour y libertad, perfecto para vivir su actuación como una declaración de identidad bajo las luces del escenario.

Total Look:Twentyfourhaitch @twentyfourhaitch

Glasses: Galferdexign @galfer_eyerwear

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“Toda la música que he hecho… ahora me pertenece.”

Desde sus letras, sus grabaciones, hasta los visuales que acompañan su arte: todo es suyo.

Taylor explica que esta decisión no solo fue para proteger su legado, sino también para inspirar a otros artistas a luchar por sus derechos.

“Gracias por apoyarme… Las mejores cosas que me han pasado han sido gracias a ustedes.”

Un momento histórico para la industria musical y un ejemplo de fortaleza artística.

Lee la traducción de la carta publicada en www.taylorswift.com aquí:

Hola.

Estoy intentando reunir mis pensamientos en algo coherente, pero ahora mismo mi mente es solo un torbellino. Un torbellino nostálgico, alegre y agradecido. Recuperé lo que perdí hace mucho tiempo, y me lo quiero llevar conmigo por el resto de mi vida. No puedo creer que esto esté pasando. Nunca pensé que sucedería. Casi dejé de intentarlo. Casi me convencí de que no iba a suceder… después de 10 años de luchar por ello. Pero no podía dejarlo. No podía dejar de intentarlo. Y si tú estás leyendo esto, tú también formaste parte de esa lucha. Parte de por qué nunca dejé de intentarlo.

Desde que me enteré de que esto realmente iba a suceder, no podía esperar para decir esto:

Toda la música que he hecho… ahora me pertenece.

Todo mi arte musical.
Todo mi trabajo.
Mis escritos.
Mis vídeos y fotografías.
Las ilustraciones que acompañan a los álbumes.
La música. La música. La locura.
Cada nota.
Mi historia de vida.

Decir que este es el mayor sueño de mi vida hecho realidad suena como si no le estuviera haciendo justicia. A mis fans, que me apoyaron con tanto amor, incluso cuando no entendían del todo por qué estaba tan determinada a volver a grabar mi trabajo, gracias. Esta fue una elección que hice por mi bienestar y por la forma en que quiero contar mi historia. Y gracias a ustedes, eso se convirtió en una posibilidad real.

Todo lo que siempre quise fue la oportunidad de poseer mi propio trabajo. Para poder estar lo suficientemente orgullosa como para comprar mi música y mostrarla sin vergüenza en las plataformas donde consumo música. Para poder interpretarla con alegría y sin dolor. Esta fue una decisión que tomé para preservar y honrar mi pasado y mi legado. Y sé que suena tonto, pero esta fue una elección que tomé para demostrarle a los jóvenes artistas que merecen poseer su trabajo.

Sé que sabes qué pasó. (Reputation TV – total transparencia – aún no se ha regrabado porque es algo muy específico para mí). Esa época fue tan turbulenta y emocional para mí que aún estoy procesando completamente todo lo que pasó. Nunca supe si me sentiría lista para abordar ese álbum. Pero estoy trabajando en ello. Lo prometo.

Me siento profundamente conmovida por la forma en que ustedes me han respaldado en esta misión. Me han mostrado una y otra vez que creen en mí. Que creen que los artistas merecen poseer su trabajo. Que creen en mí como persona y como ser humano. Y no tienen idea de cuánto significa eso para mí. Su creencia en mí me hizo seguir adelante. Y ahora… se siente como si pudiera cerrar una puerta y mirar por la ventana a una vista llena de esperanza y gratitud.

Estoy profundamente conmovida por las conversaciones que esto ha iniciado sobre la propiedad, los derechos de los artistas y el valor de nuestro trabajo. Cada artista tiene su historia única con esto. Nada se ha sentido más personal para mí que esta reconstrucción.

Gracias por apoyarme en esto. Gracias por sorprenderme constantemente con tu pensamiento generoso y tu devoción. Me has enseñado que puede haber belleza en rehacer lo que perdiste, y fuerza en volver a hacerlo mejor que antes.

Gracias por tu lealtad, tu investigación, tu aliento…
Las mejores cosas que me han pasado en la vida han sido gracias a ti.

Emocionada y asombrada,
Taylor

Foto: Instagram de Taylor Swift

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