Todos conocemos la icónica primera entrega de El diablo viste de Prada, estrenada en el año 2006. Una representación muy clara y objetiva no solo del amplio mundo del glamour y el espectáculo, si no de como este tiene influencia en la cultura popular y social. La primera película recalca la importancia del estilo personal en el universo fashion y está basada en el libro titulado Revenge Wears Prada: The Devil Returns, escrito y publicado en el año 2003 por la autora Lauren Weisberger, quién trabajó como segunda asistente de Anna Wintour, editora jefa de la influyente revista de moda Vogue desde 1988 hasta el el año pasado.

En la primera entrega de El diablo viste de Prada, el personaje que interpreta a Anna Wintour, llamada Miranda Priestly, es interprtada por la ya icónica Meryl Streep y es uno de sus papeles favoritos. 

El diablo viste de Prada, un clásico de la cultura POP. 

Poder, exigencia, estilo. Estos adjetivos no solo definen el ecosistema de la moda, sino que sirven como el resumen perfecto de esta película que ya es un clásico de la cultura pop. Por eso, queremos enumerar los mensajes clave por los que nos encanta. 

1. La moda es un método de expresión individual personal. Muestra emociones, sentimientos, historias, vivencias, personalidad y cualidades.
2. Sal de tu zona de confort. Es bueno salir de nuestra zona de confort, y mejorar cada día como persona para así explorar y explotar nuestro potencial al máximo.
3. No abandones tus sueños por nadie. Nos enseña que no debemos dejar de perseguir nuestros sueños por terceras personas. Por ende, se recalca que tener buenas amistades es indispensable para un buen crecimiento profesional.
4. El esfuerzo es la clave. Debes esforzarte por alcanzar lo que deseas lograr.

Por último y no menos importante, la número 5 es: Mantener nuestra autenticidad.

Autenticidad es una palabra muy curiosa. El influyente escritor y filósofo suizo Jean- Jaques Rousseau, sugiere que la autenticidad es “la sinceridad con uno mismo”. Y critica la inautenticidad como producto de la presión o competencia social que obliga a las personas a mostrarse de manera distinta a lo que realmente son, solo para obtener reconocimientos, o simplemente aceptación social.

Si volvemos al mensaje de la película, se interpreta como la importancia de no perder u olvidar aquello que nos hace quienes somos, vestimos o hacemos, solo por un empleo; conforme buscamos el éxito profesional. Así que si te sientes feliz y complacido/a de ser quien eres, no permitas que tu entorno laboral, social u amistoso, decidan por ti, el cómo debes actuar.

¿Y tú cómo definirías la película?.

¿Qué opinión/ mensaje te dejó El diablo viste de Prada?

¿La moda es expresión o superficialidad?

Ve el trailer de la segunda entrega de El diablo viste de Prada haciendo click aquí.

La entrada El diablo viste de Prada: Poder, exigencia y estilo. aparece primero en Magazine QMode.

La creación hecha por Chris Carter desarrolló temáticas que te hacían cuestionar qué era real y qué no, el pasado y el futuro. A diferencia de sus programas contemporáneos como ER o La ley y el orden, estos estaban más abiertos a asuntos paranormales. También, nos hizo conocer otra manera de hacer televisión y dejó un legado en el género de ciencia ficción que debemos saber.

Creó un nuevo formato para seriados

A finales de los ochenta, la televisión estaba cambiando, dejando de ser como la conocíamos. Las historias comenzaron a tomar elementos del cine para hacer narrativas más complejas. Años después, apareció The X-Files con una manera de hacer seriados inspirada en Moonlighting y Twin Peaks, esta última de David Lynch. Del primero tomó que fueran dos detectives (con tensión romántica) que investigaban un caso distinto en cada episodio. Del segundo que tuviera una sinopsis general que iban desarrollando en simultáneo a las indagaciones de cada episodio y añaden elementos distintos que en este caso eran paranormales. Esto es algo que se repite en los últimos años como The Mentalist y Supernatural.

Fueron el primer drama político

El tema central nunca fue el posible romance entre Scully y Mueller o el horror que generaba las situaciones en las que ellos estaban, era la crítica al gobierno de los Estados Unidos por sus acciones durante la Guerra Fría. Ellos mencionaban los eventos que sucedieron durante los mandatos de JFK, Roosevelt y otros, los miles de experimentos que ocultaron, pero que realizaron para mantenerse delante de los rusos.

Después del estreno de The X-Files, muchas series, entre ellas Homeland y Scandal, intentaron hacer un trabajo similar, sin lograr ser tan reales o críticas verdaderas porque terminaban siendo solo escapismos para su público. Los expedientes secretos X pudieron cuestionar teorías conspirativas de una manera comercial sin censurarse.

The X-Files: Supieron cómo crear su propio universo

Al igual que su antecesor, Twin Peaks, también supieron crear un mundo más complejo, lleno de mitologías y huevos de Pascuas que hacían referencia a otros elementos dentro de la serie. En ninguno de sus episodios había algo que no estuviera conectado a otro hecho, todo estaba planeado con mucha antelación, nada era arbitrario. Además, poseen personajes multidimensionales, lo cual no pasaba en los dramas policiacos de ese tiempo. Por eso podemos ver ahora nuevas historias que utilizan estos elementos para poder crear historias memorables.

The X-Files fue un producto audiovisual que duró 11 temporadas, tiene tres películas y mucho material detrás. Pero que aunque no fue el primero en crear sus propuestas, sí supo innovarlas, hacerlas suyas y promoverlas para que cambiara la manera en la que se hacía ciencia ficción. Gracias a ellos creemos —y sabemos— que hay algo más afuera y que poco a poco lo iremos conociendo.

Lee más sobre cines y series

La entrada ‘The X-Files’ y su aporte al mundo audiovisual de ciencia ficción aparece primero en Magazine QMode.

Son miles las historias de amor que cada año llegan a la gran pantalla pero pocas las que marcan a una generación.

No basta con la simple narración de un hecho pasional; aquellas que consiguen su lugar en la memoria colectiva son producto de muchos factores, entre las que se pueden contar la complicidad de los protagonistas, la naturalidad del guión y, como no, un desenlace creíble y posible. Por ello, en 2020 celebramos los 25 años de “Antes del amanecer”, la historia de Jesse y Céline.

El film de Richard Linklater no fue un éxito de taquillas (apenas recaudó algo más de 17 millones de dólares). Esto supuso su rápido paso a formatos más populares, tales como el hoy olvidado VHS o los canales de televisión por cable..

El libreto de “Antes del amanecer” no encerraba mayor complejidad. Sin embargo, un guión creíble y fluído, sumado a la química que hubo entre Ethan Hawke y Julie Delpy, ayudaron a que la sencillez venciera al olvido.

El film narra la historia de un estudiante norteamericano (Jesse) que viaja por Europa y conoce, en un tren camino a Viena, a una estudiante francesa (Céline). Aquel encuentro deriva en un posterior paseo por la ciudad austríaca en el que las conversaciones son tan variadas como impredecibles.

Es tal el grado de complicidad entre ambos que al despedirse prometen reencontrarse, seis meses después, en el mismo andén del tren. Es ese el instante mágico en el que el cine traspasa la pantalla y se instala en lo real: el flechazo ya no es cosa de ellos sino que le pertenece a todos los espectadores, quienes empiezan a imaginar aquel reencuentro como algo propio e innegable.

La película es la representación de una vivencia del propio Linklater,.

En el año 1989, durante una visita a su hermana, el director conoció a una chica en una juguetería. La conexión fue instantánea y lo que vivieron, salvando algunos detalles, es lo que años después conocimos como la historia de Jesse y Céline.

«Antes del amanecer» la primera de una trilogía 

Le siguieron “Antes del atardecer” (2004) y “Antes de la medianoche” (2013). No obstante, este año celebramos ese primer encuentro, el primer paseo y, por supuesto, aquel inolvidable primer beso ya hace 25 años de “Antes del amanecer”.

Otro de los clásicos de cumple 30 años Ghost 

La entrada Antes del amanecer, la película que marcó a una generación aparece primero en Magazine QMode.

El programa, creado y presentado por Tyra Banks, fue pionero en llevar el mundo del modelaje a la televisión masiva. Sin embargo, el documental expone prácticas que hoy resultan difíciles de justificar: humillaciones públicas, estándares de belleza rígidos, presiones psicológicas y dinámicas de poder cuestionables.

Muchas exconcursantes relatan experiencias de manipulación emocional, comentarios sobre sus cuerpos y decisiones editoriales que afectaron su autoestima durante años. Lo que antes se vendía como “formación” ahora se lee como maltrato normalizado por el formato televisivo de la época.

America’s Next Top Model y Tyra Banks

El foco inevitable recae sobre Tyra Banks, no solo como presentadora, sino como figura de autoridad. El documental no busca un linchamiento fácil, pero sí plantea preguntas incómodas sobre responsabilidad, liderazgo y silencio. ¿Hasta qué punto una creadora es responsable del daño generado por su propio formato?

Más allá del caso concreto, el documental funciona como espejo cultural. Nos obliga a revisar qué aplaudimos, qué consumimos y qué normalizamos en nombre del entretenimiento. America’s Next Top Model no fue un caso aislado, sino parte de una televisión que priorizó el impacto sobre el bienestar.

Revisar el pasado no es cancelarlo, es entenderlo. Y este documental deja claro que el glamour televisivo también tiene sombras que ya no pueden ignorarse.

Descubre más sobre series. 

La entrada La polémica de America’s Next Top Model aparece primero en Magazine QMode.

Entre 2000 y 2006, Julia Quinn escribió una serie de ocho libros y un epílogo que narran las andanzas de la familia Bridgerton, ocho hermanos y su madre, la viuda del vizconde Lord Edmund Bridgerton. En el Londres del periodo de la Regencia –entre 1813 y 1827- esta familia tiene todo lo que hay que tener para sobrevivir en la alta sociedad: fortuna y títulos nobiliarios.

Cada una de las novelas de la serie Bridgerton –todas ellas con nombres distintos, por cierto- narra las aventuras de un miembro del aristocrático clan en su búsqueda del amor. Sin embargo, las historias están entrelazadas, así es que es importante leer los ocho libros en el orden pensado por la autora.

1. El duque y yo

Simon Basset, Duque de Hastings, regresa a Inglaterra tras la muerte de su padre. Es el soltero de oro y la expectativa es que proponga matrimonio a una de las debutantes más célebres de la sociedad, Daphne Bridgerton. El Duque no tiene el menor interés en casarse, pero ¿podrá evitar enamorarse de la mayor de los Bridgerton?

2. El vizconde que me amó

Sigue las vicisitudes amorosas del vizconde Anthony Bridgerton, que ha decidido casarse con la maravillosa Edwina Sheffield. Pero un giro inesperado cambiará sus intenciones.

3. Te doy mi corazón

Sophie Beckett, hija de un conde, ha sido relegada al papel de sirvienta por su madrastra. Al mejor estilo de Cenicienta, logra estar presente en el baile de máscaras de Lady Bridgerton y, como si fuera poco, bailar con Benedict Bridgerton. ¿Será el comienzo de un romance?

Cada una de las novelas de la serie Bridgerton narra las aventuras de un miembro del aristocrático clan en su búsqueda del amor

4. Seduciendo a Mr. Bridgerton

Penelope Featherington ha adorado en secreto a Colin Bridgerton durante toda su vida. Él, por su parte, está cansado de que se le considere un encantador cabeza hueca. Cuando regresa a Londres de un viaje al extranjero, descubre que nada en su vida es igual, ¡especialmente Penelope!

5. A Sir Phillip, con amor

Sir Phillip Crane y Eloise Bridgerton descubrieron que la idea que tenían el uno del otro era completamente equivocada. No eran lo que esperaban, pero la atracción es innegable.

6. El corazón de una Bridgerton

Después de sólo dos años de matrimonio, Francesca Bridgerton enviuda trágicamente. Encuentra consuelo en Michael Stirling, pero éste huye del país por temor a que se descubra un amor que considera prohibido. Cuatro años después regresa dispuesto a sacrificarlo todo para recuperar el amor de Francesca.

7. Por un beso

Hyacint, la última hija soltera de la familia Bridgerton, ahuyenta a todos los pretendientes con su fuerte carácter. Excepto a Gareth St. Clair, el seductor con peor reputación entre la alta sociedad londinense. Juntos se embarcarán en una aventura en la que descubrirán que son tal para cual.

8. Buscando esposa

Gregory Bridgerton cree que Hermione Watson es la elegida por su corazón, pero ella está enamorada de otro. Lady Lucinda Abernathy ofrece a Gregory su ayuda para conquistar a Hermione, pero el destino tiene otros planes.

9. Bridgerton: felices para siempre

Julia Quinn responde a la curiosidad de sus lectores por saber qué pasó con todos sus personajes una vez que encontraron el amor.

La entrada Libros de Los Bridgerton: orden en el que debes leerlos aparece primero en Magazine QMode.

La historia parte de un secuestro: Michelle Fuller (Stone), una ejecutiva de una poderosa compañía de pesticidas, es raptada por dos primos convencidos de que ella no es humana. Desde esa premisa, Lanthimos despliega un juego de espejos donde la víctima y el victimario intercambian papeles, y donde la verdad resulta siempre esquiva. No hay certezas morales; solo tensiones y ambigüedades.

Emma Stone ofrece una de sus interpretaciones más complejas: domina la pantalla con frialdad, humor y vulnerabilidad, construyendo un personaje que muta constantemente entre la tiranía y la fragilidad. Plemons, por su parte, aporta un magnetismo inquietante; su fanatismo se vuelve casi comprensible, lo que hace que el espectador dude de su propia empatía. Esa oscilación emocional es, precisamente, uno de los grandes logros del filme.

Visualmente, Bugonia es un festín. Con fotografía de Robbie Ryan y diseño de producción de James Price, el universo del film equilibra la simetría quirúrgica típica del director con una paleta más cálida y texturas orgánicas que refuerzan la tensión entre lo artificial y lo natural. El título remite a un antiguo mito griego según el cual de la carne muerta nacían abejas: una metáfora perfecta para esta historia sobre destrucción y regeneración, sobre la vida que surge del colapso.

Bugonia no ofrece respuestas, más bien abre un espacio para pensar en la era de las conspiraciones, la desinformación y la catástrofe medioambiental. Lanthimos propone una idea, la paranoia como una forma de resistencia, que convierte a lo absurdo en una lente bastante lúcida, que nos mira.

Bugonia brilla por su valentía temática. Es un filme que incomoda, sí, pero también que seduce, atrapando al espectador entre la risa nerviosa y la inquietud moral. En el Festival de Sitges, su paso no dejó indiferente: confirmó que Lanthimos sigue dispuesto a explorar los límites del cine como un territorio donde la belleza nace, inevitablemente, del desconcierto.

La entrada Bugonia, un espacio para pensar en la era de las conspiraciones y la desinformación. aparece primero en Magazine QMode.

Estas mujeres no solo han demostrado su talento en la gran pantalla, sino que también han inspirado a millones de personas a través de sus logros, su compromiso social y su valentía. A continuación, enumeraré a algunas de las actrices más icónicas y empoderadas de Hollywood de todos los tiempos.

1. Meryl Streep: Conocida como «la Dama de Hierro de Hollywood», Meryl Streep es una de las actrices más aclamadas y respetadas en la historia del cine. Ha ganado numerosos premios Oscar y ha destacado en una variedad de roles, demostrando su versatilidad y maestría actoral.
2. Katharine Hepburn: Esta leyenda de Hollywood fue una de las actrices más influyentes del siglo XX. Hepburn desafió las normas de género de su época y dejó una huella imborrable en la industria del cine.
3. Audrey Hepburn: Con su gracia y estilo inimitables, Audrey Hepburn se convirtió en un ícono de la moda y la elegancia. Además de su carrera en el cine, trabajó incansablemente como embajadora de UNICEF, dedicando gran parte de su vida a obras benéficas.
4. Angelina Jolie: Angelina Jolie no solo es una talentosa actriz, sino que también ha demostrado su compromiso con causas humanitarias en todo el mundo. Su trabajo como embajadora de buena voluntad de las Naciones Unidas la ha convertido en una defensora de los derechos humanos.
5. Marilyn Monroe: La icónica Marilyn Monroe dejó una marca indeleble en la cultura popular. A pesar de sus desafíos personales, su legado como símbolo sexual y actriz sigue siendo relevante hoy en día.
6. Julia Roberts: Julia Roberts se destacó en la década de 1990 con papeles memorables en películas como «Pretty Woman». Su encanto y talento la convirtieron en una de las actrices más queridas de Hollywood.
7. Jodie Foster: Ganadora de varios premios Oscar, Jodie Foster es conocida por su talento actoral y su valentía al abordar temas controvertidos en su trabajo. También es una defensora de los derechos LGBT+.
8. Charlize Theron: Charlize Theron ha demostrado ser una actriz versátil que puede asumir una amplia gama de roles. Además de su carrera en el cine, ha trabajado en proyectos que abordan cuestiones sociales importantes.
9. Emma Watson: Conocida por su papel como Hermione en la serie de películas de Harry Potter, Emma Watson se ha convertido en una defensora de la igualdad de género y ha trabajado activamente en proyectos feministas.
10. Cate Blanchett: Esta actriz australiana es conocida por su destreza en una variedad de géneros cinematográficos. También ha abogado por el cambio en la industria del cine en relación con la igualdad de género.

Estas actrices no solo han dejado una marca indeleble en la industria del entretenimiento, sino que también han utilizado su plataforma para abogar por causas importantes y empoderar a las mujeres en todo el mundo. Sus contribuciones al cine y a la sociedad las convierten en verdaderas leyendas de Hollywood.

Más sobre cine

Síguenos en Instagram

La entrada Las actrices más famosas y empoderadas de todos los tiempos aparece primero en Magazine QMode.

Iconos de estilo en el universo de David Lynch

Rita – ‘Mulholland Drive’ (2001)

David Lynch es conocido por causar shock en sus audiencias y una de las producciones más recordadas por esa razón es Mulholland Drive, protagonizada por Naomi Watts. Pero es su compañera, Laura Harring es quien interpreta a Rita que tiene los conjuntos cautivantes, para hacer contraste con Betty. Aquí, ella es una mujer llena de glamour, dinero y sexualidad, representando el lado oscuro y todo lo que el personaje principal desea en ella.

Alice Wakefield – ‘Lost Highway’ (1997)

Alice Wakefield (Patricia Arquette) es la luz en Lost Highway, es el contraste y alter ego de Renee Madison. Para plasmarlo, Lynch la muestra usando colores claros y poco a poco la acerca a lo que era la pelirroja, con estampados de leopardo y tonos oscuros, para cerrar el arco de su historia dentro de la película y completar su transformación de la luz a la oscuridad de la femme fatale de la que huye el protagonista. 

Sailor Ripley – ‘Wild at Heart’ (1990)

En una de las escenas de Wild at Heart, Ripley, o Nicolas Cage, menciona que su chaqueta de serpiente representa su individualidad y su creencia en libertad personal, razón por la que Amy Stofsky, conocida por trabajar con David Lynch en múltiples producciones, desarrolló todo su vestuario alrededor de ella. Pantalones pegados y un peinado varonil son esenciales para capturar la esencia masculina de esta versión de “hombres malos” á la James Dean o Marlon Brando. Es uno de los pocos personajes masculinos del universo del director que tiene outfits que destacan y son tan icónicos como su contraparte femenina.

Dorothy Vallens – ‘Blue Velvet’ (1986)

Isabella Rossellini fue una de las principales colaboradoras de Lynch y trajo a la vida mujeres cautivantes como Dorothy Vallens en Blue Velvet (1986). Ella es una cantante de un bar víctima de la obsesión del líder de una pandilla que controla la ciudad, esto se hace ver en la manera en la que se viste que mezcla vulnerabilidad con sensualidad. Sus looks son oscuros y fríos, que van desde el azul velvet, como la canción y el título del film, hasta negro. Pero cuando todo termina, se transforma en colores más cálidos y una estética más maternal.

Más sobre cine aquí 

La entrada Los iconos de estilo en el universo de David Lynch aparece primero en Magazine QMode.

La entrada Las 5 películas dirigidas por mujeres más importantes del Festival de Cannes aparece primero en Magazine QMode.

«The Tortured Poets Department», compuesto por más de 31 temas, ha batido récords desde su lanzamiento. En un solo día, logró superar las 300 millones de reproducciones en Spotify convirtiéndose en el lanzamiento más prolífico de Taylor Swift hasta el momento.

El lanzamiento del primer sencillo, «Fortnight», en colaboración con Post Malone, marcó un hito especial no solo por ser una de las colaboraciones más esperadas, también al incluir una referencia muy significativa al universo de Swift: la icónica película «El club de los poetas muertos».

El Club de los Poetas Muertos, nueva referencia Swiftie. 

«El club de los poetas muertos» se convierte así en una nueva referencia obligada para los seguidores de Swift. Esta película de culto, estrenada en 1989, el mismo año en que nació la artista, ha dejado una huella indeleble en la cultura popular.

Con un elenco estelar encabezado por el desaparecido Robin Williams, la película ha inspirado a generaciones con su mensaje de liberación que nos dice que vivir la vida como queremos, no siempre será un camino de rosas, aunque al final vale la pena. 

Fortnight ft Post Malone 

En el video musical de «Fortnight», dos de los actores principales de «El club de los poetas muertos», Ethan Hawke y Josh Charles, hacen una aparición especial junto a Post Malone. Este emocionante encuentro entre la música contemporánea y el legado cinematográfico fue recibido con gran entusiasmo por los fans, quienes no pudieron contener su emoción al ver a sus ídolos reunidos en pantalla.

La inclusión de referencias a «El club de los poetas muertos» en el video de «Fortnight» no es casualidad. La película narra la historia de John Keating, un maestro inconformista, interpretado por Williams, que despierta la mente de sus alumnos con métodos poco convencionales y logra que aprendan lecciones para cambiar el mundo. 

El secreto sobre la participación de Hawke y Charles en el video fue difícil de mantener, como reveló Josh Charles en una publicación en Instagram: «No me gusta guardar secretos, así que fue difícil. ¡Ni siquiera se lo dije a mis hijos hasta el otro día! Aquí hay un par de viejos poetas torturados a punto de abordar un vuelo temprano para ser estrellas del pop por un día. He pasado por mucho con este tipo a lo largo de los años, pero con seguridad puedo decir que este fue un día más que memorable».

«The Tortured Poets Department» promete ser un viaje emocionante a través de la mente creativa y experiencias de Taylor Swift. No te pierdas la oportunidad de conocer este universo único.

Fotos Instagram de Ethan Hawke y Josh Charles

La entrada El Club de los Poetas Muertos entra al universo de Taylor Swift  aparece primero en Magazine QMode.