Helena Rubinstein nació en Polonia en 1872 en el seno de una familia tradicional polaca. Su madre la alentó “a cambiar el mundo a través del amor y la belleza”, palabras que Helena se tomó muy en serio y que la acompañaron a lo largo de su carrera. 

El imperio de Helena se comenzó a gestar en Australia en el año 1902, cuando su padre la envió a estudiar a ese país. 

Helena distribuía cremas que había usado su madre y que hacían ellas mismas con una receta familiar. Con la producción de esta crema llamada Valaze, no solo logró ganar clientela y facturar más de 24.000 dólares en los dos primeros años, también se ganó el aprecio de de una mujer adinerada que había probado sus productos y que la ayudó monetariamente.

Gracias al éxito de su crema -y digamos de una pizca de sororidad- abre su primer local en Melbourne. Con la distribución de las cremas comenzó la marca de belleza y luego la expansión. Abrió locales en París y Londres y aunque la guerra la obligó a moverse a Estados Unidos, había adquirido una experiencia fundamental para establecer su imperio de belleza en el nuevo mundo. 

Con los años Helena no solo había logrado abrir salones en las ciudades más importantes de Estados Unidos, y codearse con estrellas de la talla de Dalí, también se le podía ver en Hollywood maquillando a las estrellas y enseñándoles cuidados de la piel. 

Helena Rubinstein: embajadora de la vida sana y cuidado personal

Helena Rubinstein fue una gran defensora de la vida sana y del cuidado de la piel. Quienes la conocieron decían que era una mujer enérgica y muy decidida. Además era una apasionada de la moda y durante su vida se codeó con diseñadores tan famosos como Coco Chanel o Yves Saint Laurent, de este último fue una de sus primeras clientes. 

A ella se le atribuye la inclusión del cepillo dentro de la máscara de pestañas y hasta la versión waterproof. Muchos dicen que era una mujer superficial, pero la verdad es que para Helena la belleza era un arma emancipadora de la mujer. Siempre invitó a las mujeres a ser independientes, salir de casa y a arreglarse para ellas mismas. Para ella la belleza era poder. 

Helena Rubinstein estableció las reglas en una época donde las mujeres no podían regir su propia vida ¿Admirable? ¡Claro que sí! Por eso la incluimos en nuestro #QModeICON

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Vamos a conocer su historia.

La historia de Wendy Carlos

Wendy Carlos nació como Walter en 1939. En 1972 se sometió a una terapia de cambio de sexo y abrió un camino para mucha mujeres trans.

Su última publicación como Walter fue en el año 1975, su primera publicación como Wendy fue Switched-On Brandenburgs en 1979, aunque ya se había cambiado el nombre tiempo atrás. Ese mismo año Wendy fue entrevistada por la revista Playboy, una entrevista que molestó mucho a la artista por cómo se trató el tema de su transexualidad, más tarde declaró que le había parecido una entrevista de «mal gusto».

Wendy fue una mujer que rompió muchas barreras, no solo en la música, su valentía logró que muchas mujeres trans comenzaran a tener esperanza de vivir la vida que siempre soñaron.

Su pasión por la música

Wendy era una apasionada del piano desde muy pequeña, tocaba desde los 6 años y su primera composición vio la luz cuando solo tenía 10 años. Su interés por la electrónica también era muy obvio, en la secundaria le apasionaban los ordenadores, llegando incluso a construir uno.

En la Universidad de Columbia obtuvo una maestría en composición, durante esa época universitaria conocería a ingeniero Robert Moog. Se dice que gracias al conocimiento de Wendy y algunos comentarios a Moog, se terminarían de definir los primeros sintetizadores.

Su primer álbum Switched-On Bach, donde usaba el sintetizador de Moog para reinterpretar la música de Bach, ganó tres Premios Grammy y fue un éxito, ganando disco de platino en Estados Unidos.  

Wendy Carlos y el cine

Wendy Carlos también participó en obras maestras del cine junto a directores tan famosos como Stanley Kubrick.

Películas como «A Clockwork Orange», «Tron» o «The Shining» son obras maestras no solo por sus historias, también por sus bandas sonoras que han perdurado en el tiempo, bandas sonoras hechas por Wendy.   

Hoy en día es reconocida como una de las  pioneras de la música electrónica y como un ejemplo para todas las mujeres trans. 

Wendy logró desarrollar su carrera y vida personal de la forma que quiso, en una época en que no era tan común y por eso es un #QModeICON en toda regla.

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La película era una adaptación moderna y neoyorquina de la novela francesa del siglo XVIII Las relaciones peligrosas. Blair interpretaba a una ingenua adolescente envuelta en las redes de Sarah Michelle Gellar y Ryan Phillippe. Aquella se convirtió en una película de culto, lanzó al estrellato a Reese Witherspoon y posicionó a Blair como una actriz que, aunque actuaba en películas mainstream, tenía el aura de las musas del cine independiente.

Del cine comercial al independiente

La posición de Blair se asentó en la década de los 2000. Participó en decenas de películas, pero algunos papeles quedaron grabados en la memoria popular. Todos recordamos su transformación de preppy harpía a aliada de Witherspoon en Una rubia muy legal. O a la torpemente encantadora amiga de Cameron Diaz y Christina Applegate en La cosa más dulce.

Ha combinado súper producciones como Hellboy con películas independientes en las que interpreta a personajes intensos. En The póker house es una mujer adicta a las drogas y el alcohol, incapaz de hacerse cargo de sus tres hijas. Waz nos la presentó como una vengadora sádica. Fue una típica madre de clase media estadounidense a la que sus hijos conducen a la locura, en Mamá y Papá.

Musa de moda

Desde el principio de su carrera Blair ha sido un ícono de moda. En 2002 apareció en el célebre calendario Pirelli. Esa capacidad camaleónica de conectar con el gran público a la vez que con audiencias más específicas la ha llevado a ser la imagen de marcas tan distantes entre sí como Chanel y GAP.

Ejemplo de entereza

En los últimos años, Selma Blair ha tenido que hacer frente a dos situaciones que han puesto a prueba, de una forma muy pública, su entereza emocional. En 2017, tras haber participado confidencialmente en una investigación del periódico Los Angeles Times, Blair decidió revelar que el director James Toback la había acosado sexualmente al inicio de su carrera.

Un año después, hizo público que le había sido diagnosticada esclerosis múltiple, una enfermedad autoinmune que afecta el cerebro y el sistema nervioso central. Le dificulta vestirse, la causa un dolor intenso y una fatiga tal que dejar a su hijo en la escuela implica un largo periodo de recuperación.

Ha compartido sin pudor los altibajos físicos y emocionales de la enfermedad, con el objetivo de que otras mujeres que la sufren encuentren una fuente de empatía en su experiencia. Con sus recientes apariciones en la alfombra roja apoyándose en un bastón, al igual que su deseo de crear una línea de ropa adaptada a necesidades de movilidad especiales sin renunciar al estilo, busca dar visibilidad a las personas con discapacidades. No es su intención convertirse en una bandera de fortaleza, pero lo ha hecho.

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En 1983 Susan Kare fue reclutada por Andy Hertzfeld, para que trabajara en el equipo liderado por Steve Jobs y que desarrollaba lo que sería el primer ordenador de la marca.

Kare aceptó el reto y se dedicó a desarrollar un lenguaje visual que hoy en día es reconocido y usado por millones de personas en todo el mundo: los famosos iconos.

Un disquete como icono de guardar, un reloj que nos refleja que está procesando algo nuestro ordenador, una lupa con un + para hacer zoom…son infinidad de iconos que hoy en día se siguen utilizando en sus nuevas versiones, pero que nacieron del trabajo de Susan Kare, quien desarrolló un lenguaje visual que permite moverse en los dispositivos haciendo click en imágenes.

«Creo en la sencillez y en la labor manual, la cual garantiza parte del éxito de estos trabajos» Susan Kare

Se inspiró en las agujas de coser de las manualidades de su madre y en bordados diminutos. Trabajó en hojas con pequeñas cuadrículas y comenzó a diseñar elementos que fuesen reconocibles.

Otro reto al que se enfrentó Kare fue diseñar las primeras tipografías no monoespaciadas para ordenador. No era fácil, era un entorno desconocido y ella no tenía ningún tipo de experiencia en diseño de fuentes, pero igual creo tipografías que durante años marcaron la pauta. Chicago, Geneva, New York o San Francisco fueron las favoritas de una generación para crear documentos.

«La complejidad visual no es siempre directamente proporcional a la eficacia, la clave del proceso creativo sigue siendo conseguir una imagen que funcione como un símbolo para su público objetivo». Susan Kare

Susan ha sido directora creativa de NeXT y recibido numerosos premios de la industria.

Así que ya sabes, cuando uses el cubo de pintura de alguna aplicación o el lazo, recuerda que esos iconos fueron diseñados por Susan Kare, una mujer que rompió esquemas.

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Hija de una familia acomodada decidió dedicarse a la enfermería cuando todavía era considerada un oficio para mujeres de clase trabajadora y no se definía como una profesión.

Se formó en sus viajes a países como Francia, Italia, Suiza, Grecia o Egipto. Se convirtió en una experta frecuentando los centros sanitarios, estudiando de forma minuciosa cómo cuidar a un enfermo y elaborando estadísticas que ayudarían a la medicina.

Siempre tuvo facilidad por las matemáticas y recibió una educación típica de las mujeres de clase alta de la época, aprendiendo idiomas y filosofía.

Su hermana dijo sobre Florence: «Le gustan las matemáticas… la absorben y trabaja duro en ellas»

Florence Nightingale tenía una fuerte determinación y siempre supo que quería ser enfermera y aunque su familia se opuso, logró poco a poco demostrar que eso era lo que quería hacer de su vida.

En 1853 logró ser nombrada superintendente en un hospital de mujeres en Londres y así comenzaría la carrera de Florence.

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Guerra de Crimea tocó la puerta de Florence Nightingale

Sidney Herbert -Secretario de Guerra- encargó a Florence a llevar 38 enfermeras al hospital militar en Scutari, en Turquía.

Al llegar allí se encontraron con un panorama desolador e insalubre. El suelo del hospital de campaña estaba sucio, lleno de heces y sangre. Florence dio la orden a las enfermeras, debían limpiar el lugar para hacerlo apto para cuidar a los heridos.

También pidió que todos los soldados estuviesen limpios y bien alimentados, para asegurar que su recuperación fuese más rápida.

Florence Nightingale: La Dama de la Lámpara

Fue conocida como la dama de la lámpara gracias a un retrato que hicieron de ella cuidado soldados, Florence se convirtió en una celebridad dentro y fuera de su país.

Inclusive llamó la atención de la Reina Victoria quien era una fan declarada de Florence.

Con el respaldo de la Reina estableció una comisión para investigar la salud del ejército. En ese estudio se relevó que las perdidas de vida se debían en gran parte a las infecciones y no a la herida en sí.

Durante 1859 publicó dos de sus más famosos libros, «Notas sobre enfermería» y «Notas sobre hospitales». En 1860 fundó una escuela de enfermería con su nombre.

Los libros no solo hablaba sobre los cuidados en hospitales, también consciente de que no todos tenían acceso privado a cuidados, intentaba educar al ciudadano común en el cuidado a enfermos, por si acaso tenían que cuidar a un familiar o vecino.

Algunos estudios de Florence también fueron un pilar fundamental de la creación del Sistema Sanitario de Salud del cual disfrutan los ciudadanos del Reino Unido hoy en día, aunque fue fundado 40 años después de su muerte.

Siempre tuvo ideas reformistas y contribuyó a desarrollar todos los procesos de cuidados al enfermo.

Florence murió con 90 años debido a una brucelosis crónica que dicen contrajo en Crimea. Fue la primera mujer en recibir la Orden de Mérito de Reino Unido y ya que nació un 12 de mayo, ese día se celebra en todo el mundo el Día Internacional de la Enfermería en honor a Florence Nightingale.

Una mujer inspiradora sin duda.

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Edie Sedgwick nació en 1943 en el seno de una familia adinerada. Estudió en una colegio que su familia construyó solo para ella. Vivía en Nueva York en un piso de 14 de habitaciones en Park Avenue y contaba con un servicio doméstico que bien se le podría adjudicar a al realeza.

La partygirl de la época tenía problemas serios, la anorexia y depresión estaba a a orden del día, tanto que estuvo ingresada en un manicomio antes de mudarse a Nueva York.

Edie Sedgwick, conocer a Warhol le cambió la vida.

Edie Sedgwick y Andy Warhol se conocieron en una noche de fiesta donde Warhol le dijo al oído: “Quiero que hagas una película para mí”. 

Warhol la convirtió en los que él hubiera sido de haber nacido mujer. La admiraba no solo por su estilo indiscutible y su talento al moverse por los círculos sociales, también porque a diferencia de Warhol, Edie descendía de una familia casi aristocrática gracias al dinero del petróleo.

A partir de ese episodio no solo se convirtió su musa y casi en su sombra -hasta lucían físicamente parecidos- también logro que el famoso Chuck Wein se convirtiera en su agente. Wein fue un promotor y gerente que no solo organizó eventos, también -gracias a su relación con Warhol- lanzó al estrellato a Sedgwick.

Edie Sedgwick participo a los pocos meses de llegar a Nueva York participó en Horse y fue la protagonista de Poor Little Rich Girl, la película que Andy Warhol había escrito para ella y le ofreció esa noche que se conocieron.

Salió en prestigiosas revistas como Vogue o Life, y era considerada como el reflejo de la juventud de la época.

Siempre se le podía encontrar en la Factory, ese espacio creado por Warhol donde habían fiestas, orgías y drogas. En la Factory, Edie se encontraba cara a cara con todas las drogas: ácido, speed, hachís, anfetaminas, etc…Su imagen se vio muy afectada.

Según Gloria Schiff, antigua editora de Vogue «En las columnas de sociedad identificaban a Edie Sedgwick con la escena de artistas que consumían drogas…Las drogas habían hecho tanto daño a gente joven, creativa y brillante que teníamos como política oponernos a ese mundo»

Que te identificarán como consumidora de drogas no era una buena referencia y la imagen de la modelo fue perdiendo fuerza, tanto que Warhol comenzó a perder el interés y la dejó a un lado definitivamente. La luna de miel artística había terminado.

Bob Dylan y Edie Sedgwick.

Luego de que Warhol se olvido de ella, Edie llamó a Bob Dylan y entabló una relación de amistad o romántica -se especula mucho al respecto- con el artista.

Edie se obsesiona con Dylan a un punto que muchos consideraban enfermizo. El problema de esta nueva etapa de su vida es que solo había cambiado el entorno de la Factory al Chelsea Hotel y de las películas artísticas a canciones.

Edie sería la misma, un trofeo de carne y hueso que cuando servía lo tenían a su lado y cuando no lo descartaban.

Bob Dylan se casó e secreto con la aspirante a modelos Sara Lownds en 1965 y Warhol -no se sabe si en un ataque de celos- le dio a Edie la noticia.

Ella se afectó mucho, a tal punto que a partir de eso no llamó más a Dylan y sacó definitivamente a Warhol de su vida.

Luego de ruptura con Dylan y Warhol, Edie mantuvo una relación con Bob Neuwirth, compositor y cantante colaborador de Dylan. Al fin de cuentas Neuwirth la dejó a un lado, se dice que no podía más lidiar con los vicios y la personalidad de Edie.

Cottage Hospital y Michael Post.

En 1969 fue internada en el Cottage Hospital, allí conoció a quien fuese su pareja hasta el final de sus días: Michael Post. 

En la época de Post, se podía ver a una Edie más tranquila y que de cierta forma cumplió con sus responsabilidades laborales. Pero esa etapa de falsa tranquilidad no duraría mucho, Edie luchaba contra sus demonios internos.

Comenzó a tener problemas graves de salud y tenía una gran obsesión por los tranquilizantes.

El 15 de noviembre de 1971 acudió a un desfile drogada. Luego de que algunos asistentes la increparán por su estado, llamo a Post para que la sacara de allí.

Él la rescató y llevó a casa, le dio algo para dormir y la dejó en su habitación.

Edie se levantó en la noche y consumió más tranquilizantes, al día siguiente había fallecido.

Se dice que cuando llamaron a Warhol para contarle de la muerte de Edie solo pregunto «Quién va a heredar todo el dinero de Edie», despidiéndose así de quien fue su musa.

Edie fue una mujer muy atormentada a la cual una vida llena de excesos destruyó.

Si quieres saber más de la modelo y actriz puedes ver la película Factory Girl de 2006 con Sienna Miller como Edie.

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Nació en Álamos (Sonora) en el año 1914. Su padre tenía descendencia indígena yanqui y su madre española. Tuvo quince hermanos de los que solo sobrevivieron once. Comenzó a destacar en concursos de belleza a temprana edad y su vida estuvo llena de historias y encuentros maravillosos.

Tuvo muchos romances y se reveló en contra de los convencionalismos de forma apabullante.

La diva mexicana participó en centenares de películas y siempre decidió que quería hacer de su carrera.

Su belleza era indiscutible, el novelista, pintor y dramaturgo Jean Cocteau al conocerla en 1950 la definió “Tanta y tan intensa es su hermosura, que duele” , una belleza que la convirtió en una de las mujeres más importantes de la época de oro del cine mexicano.

Cuando le preguntaron una vez si quería hacer cine respondió:

“Si me da la gana, lo haré. Pero cuando yo quiera. Y será por la puerta grande”

Su primera película fue con el gran Jorge Negrete, uno de los actores más importantes de la época de oro del cine mexicano. Así que María Félix entró por la puerta grande en toda la extensión de la frase.

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También estuvo casada con el actor, pero el matrimonio no duró más de un año, Negrete ya estaba enfermo cuando se casó con Félix.

La conocían como «La Doña» porque participó en el año 1943 en la versión cinematográfica de la novela escrita por el venezolano Rómulo Gallegos «Doña Bárbara». Donde interpretaba a una mujer dura e independiente.

«Tenemos que ser más autónomas, más dueñas y señoras de nuestro destino, así podremos hacer más por este país»

Este personaje marcó la vida de María Félix fuera de la pantalla, pues logró desarrollar un propio personaje que al final de la historia la definiría y se convertiría en parte fundamental de su personalidad.

También fue conocida como «María Bonita», debido a una canción que el gran compositor Agustín Lara compuso para ella como regalo de bodas. Estuvo casada con el compositor durante varios años.

María Félix, rebeldía y pasión

María Félix era una mujer que no se conformaba y que siempre luchó por hacer de su vida lo que quiso.

Desafió de manera continua las normas y evitó entrar en convencionalismos de la época.

«Estoy hasta arriba de la cabeza de los pendejos y, sobre todo, de los que nos quieren seguir viendo la cara. Y como algunos hombres no se ponen los pantalones, nosotras hoy nos los vamos a poner»

Inspiró a grandes artistas y escritores como Leonora Carrington, Remedios Varo, Pita Amor, Jean Cocteau u Octavio Paz.

No solo fue una de las divas definitivas del cine mexicano, también tuvo una larga vida llena de aventuras, desamores y leyendas. Una de las anécdotas más sonadas, es aquella donde un periodista argentino le pregunta si es lesbiana, a lo que ella respondió: «Si todos los hombres fuesen como usted, inmediatamente»

Murió en 2002 a la edad de 88 años mientras dormía, una forma de despedirse que mucho afirman fue el último acto independiente de la Félix.

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A esta famosa actriz norteamericana la recordamos por papeles tan memorables como «Miracle on 34th Street», «Rebelde sin causa»  o «West Side Story». 

La carrera de Natalie Wood comenzó a temprana edad, en 1946 ya estaba haciendo su primera aparición en la película «Tomorrow is Forever».

Su madre -una bailarina rusa- se implicó en la carrera de Wood y su principal motivación era convertirla en una estrella.

Se dice que la manera en que la madre de Wood la obligaba a llorar o participar en los proyectos era exagerada. Su madre le decía: «No importa lo que te pidan hacer, siempre di que sí. Puedes aprender más tarde”.

En su carrera como estrella infantil no solo fue la famosa pequeña que no creía en Santa en Miracle on 34th Street, también fue hija de estrellas de las talla de James Stewart o Bette Davis. 

A través de sus proyectos se fue desarrollando su talento como actriz.

Natalie Wood  de Rebelde sin causa

Natalie Wood se enfrentó a esa situación a la que llegan las estrellas infantiles, dar el paso de estrella infantil a adulta. En 1955 protagonizó junto al famoso James Dean, una las películas más icónicas de la historia. «Rebelde sin causa». 

Esta película no solo logró que Natalie fuese considerada una estrella a su corta edad, también le valió su primera nominación a los premios de la academia.

Natalie creció frente a la cámara y por eso muchos críticos de cine afirman que a través de su carrera se puede observar la evolución de la femineidad.

Porque podemos ver una mujer desde que era niña, hasta mediana edad interpretando diferentes papeles.

Durante los años 60 participo en muchas películas exitosas. Por ejemplo «Esplendor en la hierba» le valió su segunda nominación a los Oscar.

También participo en el famoso musical «West Side Story». Comedia musical que obtuvo más de 10 premios Oscar, pero ninguna nominación para Natalie.

Un año después de «West Side Story» se metió en la piel de una artista de striptease en «Gipsy» y el año siguiente fue parte de la película «Love with the Proper Stranger», junto al famoso Steve McQueen un rol por el que la nominaron por tercera vez a los premios Oscar.

De hecho Natalie Wood fue la actriz más joven en estar nominada tres veces a un premio de la academia, récord que se mantuvo hasta 2014 cuando Jennifer Lawrence destronó a Wood.

Una vida amorosa llena de desencuentros y un gran amor

Se le relacionó con el propio James Dean y con Elvis, pero se termino casando con Robert Wagner el 28 de diciembre de 1957.

Su vida amorosa fue muy convulsa, se divorció de Wagner, salió con Warren Beatty, se casó con el director Richard Gregson y tuvo una hija, para separse luego y volver a casarse con Wagner.

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Natalie Wood: Una carrera fructífera con un final trágico

Natalie Wood participó durante su vida 27 películas, parece poco, pero no para una persona que murió tan joven como ella.

Natalie murió con 43 años en una trágico accidente en un bote, mientras estaba con Robert Wagner y el actor Christopher Walken, con quien estaba trabajando en una película.

Alrededor de su muerte existen muchas incógnitas y se sigue especulando. En 2011 se reabrió el caso y en 2018 los investigadores calificaron la muerte de sospechosa.

Los restos de Natalie descansan en el Cementerio Westwood Village Memorial Park en Los Ángeles.

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Como hija de padres divorciados, viví gran parte de mi infancia y adolescencia como la acompañante oficial de mi mamá, una mujer que me inspiró en muchos sentidos. Recuerdo cuando fui a una fiesta de niños, o como las llamamos en mi país, Venezuela, una piñata, y conocí a una arreglada señora a la que llamaban La Señorita Margot.

La Señorita Margot Benacerraf es una mítica ciudadana de Caracas y del mundo, directora de cine, guionista y productora de cine. Se formó en París, donde estudió en el Instituto de Altos Estudios Cinematográficos y debutó en el año 1958.

Respetada por el jurado del Festival de Cannes y la única venezolana que ha ganado el Premio de la Crítica –el mismo año que Hiroshima Mon Amour de Alain Resnais se proyectaba en el famoso festival-.

Siendo una mujer latina y de origen judío sefardí, Margot Benacerraf se adentró en el apasionante mundo del cine. Vio con sus propios ojos la fundación de la legendaria Cinemateca de París, trayendo a su lugar de nacimiento la misma organización.

Es fácil imaginarse la vida de la guapa joven en una de las mejores ciudades del mundo y al menos yo caigo en buscarle un espacio a La Señorita en Medianoche en París, la película de Woody Allen.

El impacto de esta mujer que rompió las barreras sociales que implicaban ser practicante de la fe judía durante la época, y el mismo hecho de ser mujer, hacen que para mí, Margot entre en el abecedario de mujeres increíbles que todos deben conocer.

No solo por su labor como cineasta, sino como una de las colaboradoras más fuertes del séptimo arte del continente Latinoamericano.

Se destaca como documentalista. Sus trabajos más llamativos y laureados son Araya y Reverón.

Margot Benacerraf y Cannes

La primera pieza retrata la realidad de los trabajadores de las salinas de Araya, una ciudad de Venezuela, película con la que consiguió el Premio de la Crítica en el XVII Festival de Cannes en 1959; así como también se propuso unir el arte y el cine.

Trabajó con Armando Reverón, uno de los más importantes pintores venezolanos del siglo XX para crear Reverón.

Así como años más tarde lo hizo con el mismísimo Pablo Picasso, aunque las cintas se hayan perdido y no se haya visto su trabajo.

Margot Benacerraf nunca se casó, tampoco tuvo hijos. Dedicó su vida a lo que quería, sin más.

Una rebelde de corazón, fue en contra de lo estipulado en la época para las mujeres para lograr lo que quería, estudiando bachillerato y graduándose de la universidad, una suerte que mi propia abuela ni se atrevía a soñar.

Hoy en día disfruta la tranquilidad de su vida en Caracas. ¿Quieres saber más de ella? Puedes ver Madame Cinema, un documental firmado por Jonathan Reverón, un joven cineasta caraqueño.

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Nacida en Polonia en 1898, es conocida por sus retratos de mujeres estilo art déco. Fue educada por su abuela, su madre y su tía. Tuvo una educación privilegiada, conoció el mundo, aprendió idiomas y se desenvolvía en las altas esferas de la sociedad.

Tamara de Lempicka comenzó a estudiar pintura en 1918 cuando se mudó a París y comenzó a exponer sus obras de forma esporádica en 1922.

En 1925, Tamara de Lempicka realizó su primera exposición en solitario donde los asistentes pudieron disfrutar de 28 obras que hizo en menos de 6 meses.

Tamara de Lempicka fue la primera mujer con presencia en el movimiento art déco. 

Sus obras llenas de colores vibrantes, influencias cubistas y escenas sofisticadas son increíbles y tienen un estilo único, que podemos identificar de inmediato.

Es considerada una de las mayores representantes del estilo art déco  y logró en vida lo que muchos artistas no logran, fue tremendamente famosa entre las altas esferas de la sociedad desde París a Nueva York.

Una de sus obras más conocidas Autorretrato en el Bugatti verde (1929) una obra que captura la belleza, independencia y riqueza de la mujer, de ella misma.

Sus pinturas fueron muy adelantadas para la época, pues mostraban a mujeres modernas y cargadas de seducción. En sus obras las mujeres se desenvolvían de forma poco convencional y podrían considerarse hasta transgresora.

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Tamara de Lempicka inspira a otros

El trabajo de Tamara de Lempicka ha influido en muchas obras contemporáneas. No solo en obras que puedes ver en los museos, también en el arte en general.

Madonna es una fan declarada de Lempicka y se inspiró en su trabajo para el vídeo de VOGUE de 1990. También un cuadro de la artista sale en el vídeo de Open Your Heart. La cantante es coleccionista de las pinturas de Lempicka. 

Madonna – Vogue (Official Music Video)

You’re watching the official music video for «Vogue» directed by David Fincher from Madonna’s soundtrack album ‘I’m Breathless’ for the motion picture ‘Dick …

Madonna – Open Your Heart (Official Music Video)

You’re watching the official music video for «Open Your Heart» directed by Jean-Baptiste Mondino from Madonna’s album ‘True Blue’ released on Sire Records in…

En 2008 la colección de otoño masculina que Versace inspirada en la forma en la que la artista retrataba a los hombres. Carolina Herrera también se se ha inspirado en la artista para alguna de sus colecciones.

El arte de Tamara de Lempicka no solo reflejaba a mujeres fuertes y empoderadas, también reflejaba a la sociedad de la época.

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